Informe N° 31 | 21/04/2004
EL REY DEL BLUES DEL DELTA:
CHARLIE PATTON
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Charlie Patton es considerado un símbolo indiscutido de los
cantantes del blues del Delta del Mississippi. Sin ser
exclusivamente un bluesman por haber abarcado otros estilos como los
negro spirituals, las baladas y las canciones populares, la historia
lo ha ubicado como una de las figuras estelares del blues. En muchos
aspectos, resume los modelos musicales y sociales que conformaban el
blues del Delta de la época. Su papel como precursor del blues del
Delta es fundamental.

Nació en el condado de Hinds, en el centro de Mississippi, Estados
Unidos de América, en abril de 1891, lo cuál no se encuentra
plenamente confirmado. Por sus venas corría una mezcla de sangre
negra, india y blanca europea.

Hacia 1905, el padre de Charlie, Bill Patton, llevó a su familia a
la enorme plantación Dockery del Delta, la cual hoy en día sigue
existiendo y puede ser visitada por quienes tengan la oportunidad de
ir a Mississippi. Allí se dedicaron al cultivo y al negocio
maderero. En ese ambiente, la música en forma de field hollers, work
songs, gospel y blues era un componente cotidiano de la vida.
Charlie se sintió atraído por esa música.

Su estilo se formó escuchando a los cantantes de blues mayores que
él de los alrededores de Dockery, quienes seguramente por la época
pertenecían a la primera generación de músicos de blues. Charlie
Patton fue más allá de los temas habituales del blues sobre
relaciones amorosas y llegó a cantar sobre acontecimientos de los
que había sido testigo o en los que había participado. Por ejemplo,
cantó en dos ocasiones sobre el arresto y el encarcelamiento en "Tom
Rushen Blues" y "High Sheriff Blues". También cantó sobre una huelga
de ferroviarios en Chicago, los efectos de la sequía en la ciudad de
Lula o el desbordamiento del río Mississippi y sus afluentes en 1927
en el tema "High Water Everywhere".

Durante la Primera Guerra Mundial, Patton contaba con un repertorio
propio de canciones, algunas de las cuales grabaría en los años
posteriores.

Intentó predicar para conseguir un status social y mayor libertad de
movimientos ante una situación de racismo galopante en el Delta. Se
dedicó a esto intermitentemente a lo largo de su vida, al punto que
llegó a grabar algunos negro spirituals y un breve sermón en medio
de sus grabaciones de blues. Incorporó en muchos la guitarra slide,
tocando con el cuello de una botella.

Sufrió un disparo por razones desconocidas y al poco tiempo abandonó
Dockery, aunque seguía siendo su hogar principal, para recorrer el
Delta, cosa que hizo durante unos veinte años actuando en todos los
lugares concebibles y para todos los públicos de todas clases.

Poco tiempo después, se convirtió en un músico pionero del blues en
su zona de residencia, obteniendo un grupo de fieles seguidores.
Charlie Patton llegó a ser la primera figura del country blues o
blues rural. Recorría habitualmente las plantaciones, donde la gente
se agrupaba para asistir a sus presentaciones: era un artista
itinerante.

Los dueños de las plantaciones no veían con buenos ojos esas
concentraciones que, según su visión esclavista y primitiva,
disminuía la productividad de los trabajadores "de su propiedad" —
recordemos que, en teoría, a esta altura dichos trabajadores ya no
eran esclavos. Por esto, Charlie tuvo que retirarse de algunas
plantaciones sin poder actuar. A pesar de ello, ganó mucho dinero,
se casó al menos ocho veces, tuvo incontables novias y, por lo
general, vivió bastante bien.

Un cazador de talentos de los que solían recorrer las plantaciones
en busca de gente que pudiera dar el salto hacia el profesionalismo,
quedó encantado con la habilidad musical de Charlie Patton y le
propuso grabar sus temas.

Entre 1929 y 1934 grabó 68 temas. Algunas de esas grabaciones
resultaron destruidas y nunca pudieron ser conocidas. Su principal
éxito fue "Pony Blues", el cual se escuchaba por todas las casas del
sur de los Estados Unidos de América. Como pocos músicos de blues,
llegó a ser una celebridad de su época dentro de su ámbito sureño y
con el público negro.

Charlie era un pequeño y simpático hombre de fuerte voz, lo cual era
una característica que lo destacaba: la potencia de su voz. Se decía
que podía ser escuchado a muchos metros, en un lugar abierto y sin
ningún tipo de amplificación.

La fama creciente de Patton hizo que muchos bluesmen de la época,
como Howlin' Wolf y Roebuck Stamples, acudieran a escucharle y a
aprender a Dockery. En este aspecto, destaca sobre todo su principal
sucesor, con el que tocó y grabó en varias ocasiones: Son House.

La demanda de sus servicios musicales y el duro ritmo de su agitado
modo de vida, junto con una posterior afección cardíaca crónica y
las secuelas de las fiebres reumáticas que sufrió en su niñez,
pusieron fin a su vida el 28 de abril de 1934, a la edad de 43 años.


Referencias
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• Compactos "Complete Recordings 1929-34" por Charlie Patton (JSP
   Records, 2002):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/B00006BIO0/analisiydisen-20

• Compactos "The Best of Charlie Patton" por Charlie Patton (Yazoo,
   2003):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/B0000CC4V5/analisiydisen-20

• Libro "King of the Delta Blues: The Life an Music of Charlie
   Patton" por Stephen Calt (Rock Chapel Pr, 1988):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/0961861002/analisiydisen-20

Informe N° 30 | 20/04/2004
OTIS RUSH
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Otis Rush, nacido el 29 de abril de 1934, es uno de los grandes
guitarristas de la escuela de "La Ciudad del Viento", Chicago, junto
a otros de su tiempo como Buddy Guy o Magic Sam. Como otros tantos
músicos de blues de la época, se tuvo que trasladar desde su
Mississippi natal a Chicago, Illinois, a mediados de los años
cincuenta. Recordemos que Chicago era por estos años un foco
neurálgico, una especie de "Meca" del blues.

La afición de Otis por la música le venía de familia: se inició con
la armónica a la corta edad de siete años, para más tarde hacer lo
mismo con la guitarra. A modo de anécdota, cabe mencionar que Otis
es un zurdo atípico, ya que toca la guitarra al revés pero
manteniendo las cuerdas en su posición normal, al igual que el
Maestro Albert King.

Antes de dedicarse de lleno al blues, fueron muchos y variados sus
empleos: desde la plantación en la que trabajaba junto a sus padres,
hasta empleado de una acería y de un matadero.

Su debut en la música se produjo en el año 1954, cuando tocó en el
club Alibi de Chicago. A partir de entonces, su carrera ha sido
trepidante, llegando a formar bandas junto a figuras de la talla de,
entre otros muchos, Mighty Joe Young, Duane Allman, Jimmy Johnson y
Willie Dixon, junto al cual grabó su sensacional "I Can't Quit You
Babe".

Respecto a sus trabajos, son del todo imprescindibles álbumes
como "Right Place, Wrong Time", "Mourning In The Morning"
y "Essential Collection: The Classic Cobra Recordings 1956-1958".
Mención especial merecen temas clásicos de la talla de, entre otros
muchos, "All Your Love" y "So Many Roads", el cual escucharemos a
continuación.


Referencias
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• Álbum "Essential Collection: The Classic Cobra Recordings
   1956-1958" por Otis Rush (Varese Records, 2000):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/B00004YLOA/analisiydisen-20

• Álbum "Mourning in the Morning" por Otis Rush (Atlantic, 1969):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/B000002ITC/analisiydisen-20

• Álbum "Right Place, Wrong Time" por Otis Rush (Hightone, 1976):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/B0000005O7/analisiydisen-20

• Libro "The Otis Rush Collection" (Hal Leonard Publishing
   Corporation, 1997):
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/0793565693/analisiydisen-20

Informe N° 29 | 19/04/2004
BIG BILL BROONZY
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Bautizado con el nombre de William Lee Conley Broonzy, había nacido
en la ciudad de Scott, Mississippi, Estados Unidos de América, en
1893. Sus padres habían conocido el flagelo de la esclavitud y
tuvieron 17 hijos. Durante su niñez, su actividad musical
transcurrió, al igual que la de la gran mayoría de los músicos de
blues de la época, en la iglesia.

La adolescencia de Bill transcurrió en Arkansas, en donde un tío
músico le enseñó a tocar el violín. Al llegar al Primera Guerra
Mundial, interrumpió la música para marchar a los campos de Europa.
Luego, hacia los años '20, se trasladó a "La Ciudad del Viento",
Chicago, en donde grabó sus primeros temas. Allí tuvo una gran
diversidad de trabajos. Fue empleado en el ferrocarril, minero,
lavaplatos y conserje de motel, entre otras actividades que le
permitieron subsistir. Al poco tiempo de llegado a la ciudad de
Chicago conoció a Papa Charlie Jackson, quien le enseñó a tocar la
guitarra y lo hizo actuar junto a él.

A partir de 1926 empezó a grabar regularmente, no siempre en el
campo del blues: también alternaba con otros ritmos.

Por los años '30, acompañó al grupo Famous Hokum Boys. Luego de la
separación de dicho grupo, conformó con dos de sus integrantes un
grupo que hacía música con un buen ritmo bailable. Hacia finales de
la década de 1930 formó parte de los Memphis Five.

Su talento también le permitía cantar y componer canciones. Se
estima que había compuesto más de 350 temas. A diferencia de otros
personajes del blues, sus temas no alcanzaron grandes éxitos ni
tampoco fueron grabados, salvo algunas excepciones, por grandes
intérpretes. De todas formas, hacia finales de los años '30 ya tenía
un prestigio dentro del blues rural que hacía que los demás bluesmen
lo visualizaran como un líder del estilo.

Big Bill se casó dos veces: en 1916 la primera vez y luego en 1941.
Tuvo cinco hijos.

Broonzy compartió escenarios y grabaciones con una gran cantidad de
grandes músicos de blues que fueron contemporáneos suyos, como Sonny
Boy Williamson II, Memphis Slim, Blind Lemon Jefferson y J.B.
Lenoir, entre muchos otros.

A pesar de haberse mudado al ambiente urbano de Chicago, nunca
olvidó el lugar de donde provenía y por eso le cantaba a los
sufrimientos de su gente.

Realizó giras por otros países durante la década del '50. Tuvo una
gran repercusión en Europa, particularmente en Inglaterra, Francia y
Dinamarca. Hacia 1953, realizando su segunda gira europea, decidió
visitar ciudades que antes no había pisado como, por ejemplo,
Barcelona, convirtiéndose en uno de los primeros músicos de blues en
visitar España. Fue tal la repercusión de su música que en años
posteriores Broonzy volvió a recorrer Europa.

En 1955, en los Países Bajos y con la ayuda de un escritor, armó su
autobiografía de título "Big Bill Blues: William Broonzy's Story".
Un año después aparece un documental con el mismo nombre.

En 1957, falleció su madre a la edad de 102 años. A esa altura Bill
ya sufría de cáncer de garganta. Debió pasar por varias
intervenciones quirúrgicas. El mal le hizo perder la voz. Falleció
en la ciudad de Chicago el 15 de agosto de 1958. Ese mismo año se
realizó un concierto homenaje en donde cantó Memphis Minnie, entre
otros. Un año después de su muerte, Muddy Waters, a quien Big Bill
Broonzy ayudó en sus comienzos, le rindió un homenaje con el
disco: "Muddy Waters Sings Big Bill Broonzy". Con estos actos, el
blues le rendía su homenaje a uno de sus mayores exponentes.


Referencias
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• Álbum "The Bill Broonzy Story" por Big Bill Broonzy (Polygram
   Records, 1999)– Incluye tres compactos:
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/B00000JWNM/analisiydisen-20

• Libro "Big Bill Blues: William Broonzy's Story" por Big Bill
   Broonzy y Yannick Bruynoghe (DaCapo Press, 2000) – Edición
   reimpresa:
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/0306804905/analisiydisen-20

• Libro "The Guitar Of Big Bill Broonzy: Taught By Woody Mann" por
   Woody Mann (Mel Bay, 1999) – Incluye tres compactos:
   http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/0786650257/analisiydisen-20

UN DÍA COMO HOY… EN LA HISTORIA DEL BLUES
SEMANA DEL 19/04/2004 AL 25/04/2004
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19 de Abril
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1925: Una banda que se llamaban The Cotton Pickers —los recolectores
de algodón— grabó el tema "Down And Out Blues" para Brunswick
Records. Brunswick, como han hecho muchas otras compañías, reunió a
The Cotton Pickers usando un conjunto de músicos blancos y
mercadeándolos como si fueran negros para obtener ganancias de la
popularidad de las grabaciones de blues "auténtico".

1965: John Jackson grabó cuarenta canciones para Chris Strachwitz en
la ciudad de Fairfax, Virginia, Estados Unidos de América, una
selección de los cuales fuera elegida para conformar el álbum debut
de Jackson, "Country Blues and Dances".


20 de Abril
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1931: En la ciudad de Chicago, Illinois, Estados Unidos de América,
Louis Armstrong grabó el tema "When It's Sleepy Time Down South", en
el sello Okeh. Éste se convertiría en su tema principal durante
muchos años.

1966: Albert King acompañado por Booker T. & The MG's, grabó el
tema "Laundromat Blues", el cual sería editado posteriormente como
el sencillo número 190 del sello Stax. Alcanzó el número 29 en el
chart de rhythm & blues.


21 de Abril
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1960: Dick Clark, descripto como "la persona individual de mayor
influencia" en el negocio de la música pop, testificó comité del
Congreso de los Estados Unidos de América que buscaba corrupción
mediante el pago encubierto de dinero a cambio de opiniones
favorables y difusión. Admitió que tenía un interés financiero en el
27 por ciento de los registros que pasó en su show en un período de
28 meses.

1969: Janis Joplin & The Kozmic Blues Band tocó en el Royal Albert
Hall de Londres, Inglaterra.


22 de Abril
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1955: Jesse Fuller grabó su primer álbum comercial de larga
duración, "Frisco Bound", para el sello Cavalier en Oakland,
California, Estados Unidos de América.


23 de Abril
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1955: Ray Charles volvió a Florida, Estados Unidos de América, el
tiempo suficiente para grabar los temas "Drown In My Own Tears"
y "Hallelujah, I Love Her So", en los estudios de WMAQ Miami, para
Atlantic Records. Ese día Ray también grabó el gospel "A Fool For
You", el cual, eventualmente, alcanzó el número 1 en el chart de
rhythm & blues.


24 de Abril
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1934: Mr. Laurens Hammond presentó su "pipeless organ" —"órgano sin
tubos". Su B3 y el gabinete de parlantes "Leslie" son EL estándar en
blues.

1952: Willie Nix grabó el tema "Truckin' Little Woman" con Walter
Horton en armónica y Willie Johnson en guitarra.


25 de Abril
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1956: Elvis Presley registró su primer hit número 1 en el chart
estadounidense de música pop. El tema se llamaba "Heartbreak Hotel"
y fue escrito por la madre de Hoyt Axton.

Lista de nominados para los premios W.C. Handy


El próximo 29 de Abril serán entregados en el Cook Convention Center de Memphis
los premios W.C. Handy (algo así como los "Oscar" del blues). Aquí les paso la
lista de nominados.


The Blues Fundation.
Lista de nomimados de los premios W.C.Handy 2003:

MEJOR DISCO ACÚSTICO
Eric Bibb - Natural Light - Earthbeat
Rory Block - Last Fair Deal - Telarc Records
Guy Davis - Chocolate to the Bone - Red House
Buddy Guy - Blues Singer - Silvertone
Fruteland Jackson - Blues 2.0 - Electro-Fi
Mark Lemhouse - Big Lonesome Radio - Yellow Dog Records

MEJOR ARTISTA ACÚSTICO
Eric Bibb
Rory Block
Guy Davis
John Hammond
Corey Harris
Alvin Youngblood Hart

MEJOR ARTISTA REVELACIÓN
Renee Austin - Sweet Talk - Blind Pig
Nick Curran and the Nitelifes - Doctor Velvet - Blind Pig
Ellis Hooks - Up Your Mind - Evidence
EG Kight - Southern Comfort - Blue South records
Mark Lemhouse - Big Lonesome Radio - Yellow Dog Records

MEJOR DISCO DE BLUES
Anson Funderburgh and the Rockets - Which Way Is Texas? - Bullseye Blues
Buddy Guy - Blues Singer -Silvertone
Bettye Lavette - A Woman Like Me - Blues Express
Otis Taylor - Truth Is Not Fiction - Telarc Records
Kim Wilson – Lookin’ for Trouble! - MC Records

MEJOR BANDA DE BLUES
Anson Funderburgh and the Rockets w/Sam Myers
Little Charlie and the Nightcats
Magic Slim Band
Bob Margolin's All Star Blues Band
Rod Piazza Band
Roomful of Blues

MEJOR INTÉRPRETE
Solomon Burke
Shemekia Copeland
BB King
Bobby Rush
Kim Wilson

MEJOR BAJISTA
Johnny B. Gayden
Calvin Jones
Willie Kent
Bob Stroger
Bill Stuve

MEJOR BATERISTA
Jimi Bott
Sam Carr
Sam Lay
Joe Maher
Willie “Big Eyes” Smith

MEJOR GUITARRISTA
Michael Burks
Ronnie Earl
Anson Funderburgh
Duke Robillard
Junior Watson

MEJOR ARMONICISTA
James Harmon
Charlie Musselwhite
Rod Piazza
Snooky Pryor
Kim Wilson

MEJORES "VIENTOS"
Gordon Beadle - Saxophone
Mark Kazanoff - Saxophone
Calvin Owens -Trumpet
Roomful of Blues - Horns
Eddie Shaw - Saxophone

MEJOR TECLISTA
Marcia Ball
Henry Butler
Dr. John
Honey Piazza
Jay McShann

MEJOR EN OTROS INSTRUMENTOS
Gatemouth Brown - Fiddle
Andra Faye Mandolin/Violin)
Robert Randolph - Pedal Steel
Sonny Rhodes - Lap Steel
Otis Taylor - Banjo

MEJOR CANCION
"Foreclose on the House of Love" - writer, John Lee Sanders - So Many
Rivers/Marcia Ball
"Hard Times Won" - writers, Barry Levenson/Johnny Dyer - Hard Times Won/Johnny
Dyer
"I Smell Smoke" - writers, Jon Tiven, Susan Tiven and Roger Reale - I Smell
Smoke/Michael Burks
"Lookin’ for Trouble" - writers, Kim Wilson/Amanda Taylor – Lookin’ For
Trouble!/Kim Wilson
"Southern Comfort" - writers, EG Kight/Tom Horner - Southern Comfort/EG Kight

MEJOR DISCO "COMEBACK"
Mickey Champion - What You Want - Tonedef
Jim Dickinson - Free Beer Tomorrow - Artemis Records
Bettye Lavette - A Woman Like Me - Blues Express
Deacon John Moore - Deacon John's Jump Blues - Vetter Communications
Howard Tate - Rediscovered - Private Music

MEJOR DISCO DE BLUES CONTEMPORÁNEO
Marcia Ball - So Many Rivers - Alligator
Michael Burks - I Smell Smoke - Alligator
Nick Moss & the Flip Tops – Count Your Blessings - Blue Bella
Otis Taylor - Truth Is Not Fiction - Telarc Records
Kim Wilson – Lookin’ for Trouble! - MC Records

MEJORCANTANTE FEMENINA CONTEMPORÁNEA
Marcia Ball
Deborah Coleman
Shemekia Copeland
EG Kight
Janiva Magness

MEJOR CANTANTE MASCULINO CONTEMPORÁNEO
Buddy Guy
Taj Mahal
Otis Taylor
Joe Louis Walker
Kim Wilson

MEJOR DISCO HISTÓRICO
Slim Harpo - Complete Excello Singles - Hip-O
Sister Rosetta Tharpe - The Gospel of the Blues - MCA/Decca
Muddy Waters - Muddy "Mississippi" Waters Live - Legacy Edition
Howlin' Wolf - The London Sessions (Deluxe Edition) - MCA/Chess
Various Artists - 50 Years of Jazz and Blues -Blues- Delmark

MEJOR DISCO DE SOUL BLUES
Bobby Blue Bland - Blues At Midnight - Malaco Records
Etta James - Let's Roll - RCA/Private
Bettye Lavette - A Woman Like Me - Blues Express
Mighty Sam McClain - One More Bridge to Cross - Mighty Music
Howard Tate - Rediscovered - Private Music

MEJOR ARTISTA DE SOUL FEMENINA
Etta James
Bettye Lavette
E.C. Scott
Toni Lynn Washington
Lavelle White

MEJOR ARTISTA DE SOUL MASCULINO
Solomon Burke
W.C. Clark
Mighty Sam McClain
Bobby Rush
Howard Tate

MEJOR DISCO DE BLUES TRADICIONAL
Jimmy Burns - Back To The Delta - Delmark
Anson Funderburgh and the Rockets - Which Way Is Texas? - Bullseye Blues
Bob Margolin - All Star Blues Jam - Telarc Records
Johnny B. Moore - Rockin' In The Same Old Boat - Delmark
Various – Shout, Sister, Shout! – A Tribute to Sister Rosetta Tharpe - MC
Records

MEJOR ARTISTA FEMENINAL TRADICIONAL
Alberta Adams
Precious Bryant
Mickey Champion
Maria Muldaur
Odetta
Koko Taylor

MEJOR ARTISTA MASCULINO TRADICIONAL
Willie King
Robert Lockwood, Jr.
Magic Slim
Pinetop Perkins
Otis Rush



Daniel Di Bello
http://artists.iuma.com/IUMA/Bands/Daniel_Di_Bello/
http://artists2.iuma.com/IUMA/Bands/MAMMY_BLUES/
http://personales.ciudad.com.ar/mammyblues/daniel.htm

Noticias breves del Blues


Noticias de Alligator Records

Bajo éste sello, acaba de salir un disco acústico grabado por Kenny Neal en
guitarra y voz y Billy Branch en armónica y voz. El disco se titula "Double
Take" y contiene doce temas entre los cuales hay temas propios de cada uno de
ellos y temas clásicos versionados al estilo de éstos dos excelentes bluseros.

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Eric Clapton

Como ya he anunciado en un mail anterior, "Me and Mr Johnson" es el nuevo disco
de "mano-lenta" Clapton. Pues me faltó decir que han grabado con él músicos de
primera línea como Billy Preston en las teclas, Nathan East en el bajo (uno de
mis bajistas preferidos), Jerry Portnoy en armónica, Andy Fairweather Low en la
guitarra y otros excelentes músicos.

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Cincuentenario del Sello Delmark

El sello Delmark, de Chicago, celebra su 50 aniversario con la publicación de un
"box" (caja) con dos CD's de Blues, otros dos de Jazz y además un DVD dedicado a
las actuaciones en vivo de Buddy Guy's Legends of Chicago, algunas grabaciones
de estudio y reportajes.
En los CD's de Blues se pueden encontrar 33 temas con algunos de ellos inéditos
hasta hoy, como por ejemplo, temas de Sleepy John Estes, Big Joe Williams, Magic
Sam, Junior Wells y J.B. Hutto. En los dos CD's hay mucho más, incluyen temas de
Albert Ammons con Meade Lux Lewis y Pete Johnson, Otis Rush, Little Walter con
Muddy Waters, Luther Allison, Lurrie Bell, Karen Carroll, Syl Johnson, Little
Milton, The Big DooWopper y Sunnyland Slim, Carey Bell, Reginald Robinson,
Robert Ward, Zora Young, Willie Kent, Jimmy Burns,  Steve Freund, Dave Specter,
Frank Morey, Speckled Red, Eddie Burns, Edith Wilson, Big Time Sarah, Jesse
Fortune, The Moroccos, Tail Dragger, Roosevelt Sykes.
Más de dos horas para disfrutar del Blues.

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Telarc records presenta "Last Fair Deal"

Rory Block, cantante y guitarrista de blues rural, saca su primer disco en este
sello bajo el título "Last Fair Deal". El disco cuenta con catorce temas de los
cuales ocho son de autoría de Rory.
Rory, abandonó su casa a los 15 años, partió desde New York hacia el Mississippi
y buscó allí su perfeccionamiento como guitarrista y cantante. Domina a la
perfección las técnicas de slide y el fingerpickin' y canta con toda la garra de
una verdadera blues-women.

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Daniel Di Bello
http://artists.iuma.com/IUMA/Bands/Daniel_Di_Bello/
http://artists2.iuma.com/IUMA/Bands/MAMMY_BLUES/
http://personales.ciudad.com.ar/mammyblues/daniel.htm

LISTA DE TEMAS | "CLUB DE BLUES"
SEMANA DEL 12/04/2004 AL 16/04/2004
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Para hacernos llegar material discográfico y/o bibliográfico,
hacerlo al siguiente domicilio:

  Emisora Cultural Luis Carlos Galán Sarmiento
  c/o Polo Baldini de "Club de Blues"
  Carrera 30 N° 26-117
  Parque de los Niños
  Bucaramanga, Colombia

También pueden ponerse en contacto con la Producción del programa
para combinar alguna forma digital alternativa por medio del correo
electrónico clubdeblues@....



Lunes 12/04/2004
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01. "Going Down" por Freddie King.
02. "The Prodigal Son" por Reverend Robert T. Wilkins.
03. "Spiritual Medley" por Shlock Rock.
04. "Amen 1964" por Curtis Mayfield & The Impressions.
05. "Swing Low Sweet Chariot" por Etta James.
06. "His Eye Is On The Sparrow" por Lauryn Hill.
07. "Amazing Grace" por Elvis Presley.
08. "Spiritual" por Johnny Cash.
09. "No Love, No Sex" por Leticia Brédice (Argentina).
10. "Tapeloop" por Morcheeba.


Martes 13/04/2004
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01. "Bleeding Heart" por Jimi Hendrix.
02. "A Hard Road" por John Mayall's Bluesbreakers.
03. "Brown Sugar" por John Mayall's Bluesbreakers.
04. "Room To Move" (vivo) por John Mayall's Bluesbreakers.
05. "California" por John Mayall's Bluesbreakers.
06. "Gimme One More Day" por John Mayall's Bluesbreakers.
07. "Jacksboro Highway" por John Mayall's Bluesbreakers.
08. "Feels Just Like Home" por John Mayall's Bluesbreakers.


Miércoles 14/04/2004
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01. "I'm Satisfied" por Albert King y Otis Rush.
02. "Harp Man" por John Mayall's Bluesbreakers.
03. "It Hurts Me Too" por John Mayall's Bluesbreakers.
04. "Mists Of Time" por John Mayall's Bluesbreakers.
05. "The Stumble" por John Mayall's Bluesbreakers y Peter Green.
06. "Hideaway" por John Mayall's Bluesbreakers y Eric Clapton.
07. "Saw Mill Gulch Road" (vivo) por John Mayall's Bluesbreakers.
08. "The Laws Must Change" por John Mayall's Bluesbreakers.
09: "Change Your Ways" (vivo) por John Mayall's Bluesbreakers.
10. "Marsha's Mood" por John Mayall's Bluesbreakers.


Jueves 15/04/2004
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01. "Dimples" por John Lee Hooker.
02. "Hound Dog" por Big Mama Thornton.
03. "I've Got A Feelin'" por Big Maybelle.
04. "No Love, No Sex" por Leticia Brédice (Argentina).
05. "Rouge Y Pentagrama" por Las Blacanblus (Argentina).
06. "Wang Dang Doodle" por Koko Taylor.
07. "Ain't Got Nobody" por Bessie Smith.
08. "I Just Want To Make Love To You" por Etta James.
09. "Three Hours Past Late" por Erin Burkett.
10. "I Want To Be Loved" por Lucy van Sickle.
11. "If You Don't Love Me" por E.C. Scott.
12. "Ghetto Child" por Shemekia Copeland.
13. "Baby, I'm Gone" por Ola Dixon.
14. "Bye, Bye Baby" (vivo) por Janis Joplin.
15. "The Tail Is Waggin' The Dog" por Priscilla Price.


Viernes 16/04/2004
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01. "Don't Let Me Down Again" (vivo) por Fleetwood Mac.
02. "Ain't Nobody's Business" por Bobby "Blue" Bland.
03. "Mustang Sally" por Buddy Guy.
04. "Watermelon Man" por Buddy Guy.
05. "Black Cat Blues" por Buddy Guy.
06. "Five Long Years" por Buddy Guy.
07. "Catfish Blues" (acústico) por Buddy Guy.
08. "(You Give Me) Fever" (vivo) por Buddy Guy.
09. "Try To Quit You Baby" por Buddy Guy.



Más información sobre los artistas listados, enlaces a sus sitios
web y a los de las compañías discográficas, fotografías, etcétera,
disponibles en la comunidad virtual de Club de Blues:
http://www.gruposyahoo.com/group/clubdeblues

Informe N° 28 | 16/04/2004
MR. BUDDY GUY
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Buddy Guy ha demostrado una y otra vez que es uno de los mejores,
sino el mejor de los vivos, guitarrista de blues del mundo. Tocando
una guitarra frenéticamente cruel, poderosa y ruidosa, Buddy ha
probado pertenecer a esa clase de músicos que está muy por sobre el
resto.

Nacido en Louisiana, Estados Unidos de América, Buddy comenzó su
carrera en el blues tocando en Baton Rouge a principios de la década
de 1950. Sin tener en realidad mucha suerte, decidió dirigirse a la
ciudad de Chicago en 1957, en donde podría comenzar a construir su
carrera trabajando por su cuenta en la escena local.

En 1958, el "nuevo chico en el barrio" en "La Ciudad del Viento",
venció tanto a Magic Slim como a Otis Rush en una competencia
titulada como "Battle of the Blues" —"batalla del blues"— en un club
local. Esto lo condujo a firmar rápidamente con Cobra Records, sello
para el cual grabó los sencillos "Sit And Cry" y "This Is The End".
Desafortunadamente, su temporada en Cobra Records tuvo vida corta
pues el sello pronto cayó en bancarrota. El éxito de sus grabaciones
con Cobra dio frutos, ya que en seguida firmó para el gran sello de
blues, Chess, en 1960.

Buddy trabajó con el sello Chess principalmente como un sesionista
de guitarra a principio de los '60, grabando álbumes con Howlin'
Wolf, Muddy Waters, Wille Dixon, Koko Taylor y muchos otros. En 1962
lanzó su primer álbum, "Stone Crazy", el cual alcanzó el puesto
número 12 en los charts de rhythm & blues. En 1967, Buddy dejó Chess
y pasó al sello Vanguard, en donde lanzó varios de sus primeros
álbumes. Fue en este sello que formó su poderosa alianza con el
armonicista Junior Wells.

La alianza Buddy Guy - Junior Wells era imbatible. Con las poderosas
vocalizaciones y ejecuciones de armónica perfectamente
complementadas por el sorprendente e intrincado trabajo de guitarra
de Buddy, el dúo era imparable produciendo hit tras hit. Buddy
mantuvo esta alianza hasta finales de la década de 1980, cuando
abrió su propio club de blues de nombre "Legends" en Chicago,
Illinois y pasó a trabajar como solista.

Un corto tiempo después de la apertura de "Legends", Buddy fue
convocado por Eric Clapton —a quien podemos citar diciendo
que "Buddy Guy es el más grande de los guitarristas vivos"— para
tocar con él en un show en el Royal Albert Hall en Londres,
Inglaterra. La actuación impresionante de Buddy hizo que firmara con
Silvertone Records, con quienes lanzó una serie de álbumes de hits a
lo largo de los últimos años, incluyendo "Damn Right I Got The
Blues", "Feels Like Rain" y "Slippin' In".

Buddy ahora se dedica a hacer lo que mejor hace y realiza giras
regulares llevando el blues a todos los confines de la Tierra: Mr.
Buddy Guy tiene el blues.


Referencias
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• Buddy Guy (Silverstone Records): http://www.buddyguy.net/

• Buddy Guy (Vanguard Records): http://www.vanguardrecords.com/guy

• Buddy Guy's Legends: http://www.buddyguys.com/

En los cines de Buenos Aires: "The Blues"

En el VI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, se
presentará parte de la serie producida por Martin Scorsese y Wim Wenders, "The
Blues". Cuatro de un total de siete largometrajes de ésta serie han sido
seleccionados para difundirlos en el festival. Recordemos que esta serie,
realizada por grandes maestros del cine, está orientada a mostrar las raíces de
la música negra. Los realizadores han viajado al Mississippi y filmado allí
éstos impresionantes documentos cinematográficos que muestran al Blues en su
esencia.


Programación:

"The Soul of a Man" (miércoles 14, a las 12:30, en el Hoyts 8; viernes 16, a las
24:00, en el Malba; viernes 23, a las 12:00, en el Malba).

"Feel Like Going Home" (miércoles 14, a las 22:00, en el Malba; viernes
16, a las 11:00, en el Hoyts 8; miércoles 21, a las 12:00, en el Malba).

"Piano Blues" (miércoles 14, a las 24:00, en el Malba; viernes 16, a las 14:30,
en el Cosmos; sábado 24, a las 21:30, en el Hoyts 8).

"Warming by the Devil´s Fire" (jueves 15, a las 12:00, en el Cosmos; martes 20,
a las 12:45, en el Hoyts 8).


Saludos
Daniel Di Bello
http://artists.iuma.com/IUMA/Bands/Daniel_Di_Bello/
http://artists2.iuma.com/IUMA/Bands/MAMMY_BLUES/
http://personales.ciudad.com.ar/mammyblues/daniel.htm

Nuevo disco de Eric Clapton

"Me and Mr Johnson", es el nombre del nuevo disco de Clapton. Si un tributo le
faltaba realizar al gran guitarrista y cantante, sin duda era éste. Claro que
antes ya había grabado temas de Johnson, pero ahora dedica su disco enteramente
a la memoria de éste mítico compositor. Sin duda, como todo material de Clapton,
satisface a los oídos más exquisitos de todos los bluseros.


Daniel Di Bello
http://artists.iuma.com/IUMA/Bands/Daniel_Di_Bello/
http://artists2.iuma.com/IUMA/Bands/MAMMY_BLUES/
http://personales.ciudad.com.ar/mammyblues/daniel.htm


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Notas de la Producción de "Club de Blues":

1) Recomendamos visitar el sitio de la comunidad virtual del programa en
http://www.gruposyahoo.com/group/clubdeblues pues en el área de enlaces hay
información sobre dicho disco, entre otros, dentro de la carpeta "Discografía".

2) Agradecemos la colaboración de Daniel.

Informe N° 27 | 13/04/2004-14/04/2004
EL PADRE DEL BLUES BLANCO:
JOHN MAYALL
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John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, un
pequeño pueblo inglés cercano al centro industrial de Manchester. El
mayor de tres hermanos de una humilde familia de clase trabajadora,
este "flaco" inglés creció escuchando la inmensa colección de jazz
de su padre, para finalmente caer rendido a los pies del blues.
Fuertemente influenciado por grandes como Leadbelly, Albert Ammons,
Pinetop Smith y Eddie Land, a los 13 años se convirtió en un
autodidacta del piano de su vecino, de guitarras prestadas y de
armónicas de segunda mano.

El primer contacto de John Mayall con la fama no fue por su música.
Siendo un adolescente, decidió mudarse y, dando cuenta ya de las
excentricidades personales y las cualidades artísticas que se han
sumado a su leyenda, se trasladó a la caseta del jardín de su casa.
Esto le hizo obtener la suficiente notoriedad como para ganarse la
atención de los periódicos. Y aún más todavía, ya que, de vuelta a
casa, tras pasar una temporada en Corea, se llevó a su primera
esposa, Pamela, a vivir allí con él.

Durante el tiempo que dedicó sus esfuerzos a estudiar en un
instituto de arte, a pasarse tres años con la Armada de Su Majestad
en Corea y desarrollando una exitosa carrera como diseñador gráfico,
su manera de cantar y tocar blues pasaron a segundo plano, hasta que
cumplió 30 años de edad. Desde 1956 a 1962, John actuó liderando dos
bandas por puro hobbie: The Powerhouse Four y, más tarde, The Blues
Syndicate. Fue entonces cuando los Blues Incorporated de Alexis
Korner se convirtieron en pioneros de lo que se habría de llamar
el "boom del blues británico" de finales de los `60. Alexis animó y
ayudó a John a mudarse a Londres, donde pronto se aseguró tantos
conciertos en clubs como para poder hacerse profesional bajo el
nombre de John Mayall's Bluesbreakers.

Después de que Eric Clapton y Jack Bruce dejaran la banda para
formar Cream, toda una ristra de músicos definieron sus raíces
artísticas bajo el liderazgo de John, quien se hizo conocido tanto
por descubrir nuevos talentos como por sus contundentes
interpretaciones del apasionado estilo del blues de Chicago con el
que había crecido. Mientras unos miembros se iban a formar sus
propios grupos, otros ocupaban su lugar. Peter Green, John McVie y
Mick Fleetwood se convirtieron en el grupo Fleetwood Mac. Andy
Fraser formó la agrupación Free y Mick Taylor se unió a The Rolling
Stones. Como Eric Clapton afirmó, "John Mayall ha dirigido una
escuela de músicos realmente increíble".

Para tener una idea mucho más acabada de la importancia de los John
Mayall's Bluesbreakers para la historia del blues y del rock, sólo
basta repasar qué músicos pasaron por sus filas en las formaciones
entre 1964 y 1975, entre ellos los ya mencionados:

• por supuesto, John Mayall en órgano y voz a lo largo de toda la
   historia de la banda;

• Eric Clapton y Mick Taylor en guitarras y voz;

• Roger Dean, Peter Green, Duster Bennett y Jon Mark en guitarras;

• John McVie, Paul Williams, Keith Tillman, Andy Fraser, Jack Bruce,
   Tony Reeves, Steve Thompson y Alex Dmochowski en bajos;

• Hughie Funt, Aynsley Dunbar, Mickey Waller, Mick Fleetwood, Keef
   Hartley, John Hiseman y Colin Allen en las baterías;

• Chris Mercer, Rip Kant, Dick Heckstall-Smith y Johnny Almond en
   saxos;

• Henry Lowther en trompeta; y

• también han realizado colaboraciones especiales con los John
   Mayall's Bluesbreakers otros importantes Maestros, tales como Paul
   Butterfield, Jeff Beck y Jimmy Page.

Lo curioso del tema es que Mayall consideraba a su grupo como una
empresa, contratando y despidiendo a los músicos a su exclusivo
antojo. De este modo, los músicos eran retribuidos por horas como
los sesionistas de estudio, incluyendo al mismo Clapton, a quien de
nada le sirvió que apareciera su nombre en una de las portadas de
los discos de Mayall: era tratado como uno más. Pero la cosa no
queda aquí; se cuenta que después de los conciertos, los músicos
eran obligados a apiñarse en la parte delantera de la furgoneta
mientras Mayall descansaba plácidamente en la parte trasera.

En 1969, con una popularidad incipiente en los Estados Unidos de
América, John causó una especie de revuelo con el lanzamiento del
directo acústico sin batería titulado "The Turning Point", del cual
el tema "Room To Move" se vio destinado a convertirse en un clásico
del blues-rock. Obtuvo un disco de oro por este álbum. Motivado por
el clima y la cultura de la Costa Oeste, John se mudó
permanentemente de Inglaterra a Laurel Canyon, en Los Angeles,
California, y comenzó a montar bandas con músicos estadounidenses.

Durante los `70, John fue aún más reverenciado por sus innovaciones
en jazz, rock y blues junto a músicos de la talla de Blue Mitchell,
Red Holloway, Larry Taylor y Harvey Mandel. También acompañó a
grandes del blues como John Lee Hooker, T-Bone Walker y Sonny Boy
Williamson II en sus primeras giras por clubs ingleses.

1979 fue un año crucial para John Mayall, de transición, tanto
personal como profesionalmente. Con el clima de audiencia bajo de
forma para la música blues, Mayall luchó para mantener a flote su
carrera discográfica y en vivo. Personalmente, sin embargo, inició
una relación de más de 20 años de matrimonio con su actual esposa,
Maggie Parker, una cantautora de Chicago que había sido contratada
por la banda de Harvey Mandelas como apoyo de Mayall.

Un infortunio extremo le sobrevino cuando un repentino incendio
destruyó su legendario hogar de Laurel Canyon, construido a mano,
llevándose consigo sus diarios guardados escrupulosamente, los
diarios de su padre, masters de grabaciones, su gran colección de
libros y revistas, los diseños gráficos de John Mayall y mucho más.
Decidido a levantarse de entre las cenizas, Mayall perseveró.

Motivado por la nostalgia y los buenos recuerdos, en 1982, John —
junto con Mick Taylor y John McVie— decidió reformar los
Bluesbreakers originales para realizar un par de giras y grabar un
concierto bajo el título de "Blues Alive", en el cual aparecería
Albert King, Buddy Guy, Junior Wells, Etta James y Sippie Wallace,
entre otros. Una nueva generación de seguidores pudo hacerse una
idea de cómo sonaba su directo dos décadas atrás, en plena explosión
del blues británico. En el momento en que Mick y John regresaron a
sus respectivas carreras, la reacción del público convenció a John
Mayall para volver a sus raíces de blues de carretera. Ya que John
McVie volvió con Fleetwood Mac y Mick reemprendió su carrera en
solitario, Mayall regresó a Los Angeles para seleccionar candidatos
para unirse a una nueva encarnación de los Bluesbreakers.
Oficialmente en marcha en 1984, la formación incluía grandes
promesas por méritos propios, como Coco Montoya y Walter Trout, así
como el baterista Joe Yuele, quien hoy en día sigue siendo el
cimiento rítmico de John.

Con una creciente popularidad año tras año, los `90 comenzaron con
el lanzamiento de algunos álbumes de John Mayall que han establecido
nuevos estándares del blues-rock: "Behind The Iron
Curtain", "Chicago Line", "A Sense Of Place" y "Wake Up Call",
nominado a un Grammy y en el que colaboraron Buddy Guy, Mavis
Staples, Albert Collins y Mick Taylor.

En 1993, el guitarrista texano Buddy Whittington se unió a los
Bluesbreakers y, durante los últimos siete años, ha dado energía a
la banda con sus apasionadas y genuinas ideas. Debutando en el
álbum "Spinning Coin", ha demostrado estar a la altura sobradamente
con respecto a sus predecesores.

Desde entonces, John lanzó otros dos clásicos modernos: "Blues For
The Lost Days" y "Padlock On The Blues", este último coproducido por
John y su esposa Maggie, y con la colaboración de la gran leyenda
del blues John Lee Hooker, quien ha sido gran amigo de Mayall desde
los `60. Estos álbumes han obtenido excelentes críticas, clamor
popular y representan la maestría actual del blues de John y su
continuada importancia dentro de la música contemporánea.

Además, ha lanzado tres compactos únicamente disponibles a través de
su sitio web oficial, una práctica a la cual en pleno siglo XXI cada
vez más deberíamos acostumbrarnos: "Time Capsule" —con actuaciones
antológicas realizadas entre 1957 y 1962—, "UK Tour 2K" —grabaciones
en vivo de los Bluesbreakers durante su gira británica de 2000— y
una selección de actuaciones en solitario de John titulada "Boggie-
Woogie Man".

Mayall continúa esforzándose para permanecer fiel a la música
atemporal que inspiró a este pequeño delgaducho inglés para aprender
por sí mismo a tocar la guitarra, la armónica y el piano hace tantos
años.

En su lanzamiento de 2001 —bajo el motivo de "John Mayall And
Friends"—, titulado "Along For The Ride", Mayall se reunió con
algunos de sus viejos compañeros, incluyendo a Peter Green, Mick
Taylor, Mick Fleetwood y John McVie, así como Billy Gibbons —de ZZ
Top—, Jonny Lang, Double Trouble —la banda de Stevie Ray Vaughan— y
Shannon Curfman para un despliegue asombroso del mejor blues.
Producido por David Z, este álbum contiene dúos de Mayall con el
gigante del soul Billy Preston, la leyenda del blues Otis Rush y la
joven estrella del blues-rock Shannon Curfman. "Along For The Ride"
también presenta la primera aparición en conjunto en 30 años de los
Bluesbreakers Peter Green, Mick Fleetwood y John McVie, quien
apareció junto a miembros de los Fleetwood Mac originales.

Continuando la línea de este álbum, Mayall amplió la formación de
los Bluesbreakers a cinco miembros, incorporando al teclista Tom
Canning, mientras Hank van Sickle dirige la banda al bajo, con los
veteranos Joe Yuele y Buddy Whittington completando tan poderosa
agrupación.

Justo después de la gira de presentación del álbum, Mayall volvió al
estudio en febrero de 2002 con los Bluesbreakers. Esta vez grabaron
un disco de los Bluesbreakers, sin artistas invitados, de nuevo
producidos por David Z. La salida fue el 27 de agosto del 2002 bajo
el título de "Stories", que debutó en el número 1 del chart de blues
de la revista Billboard.

John Mayall's Bluesbreakers continúan un año más con la gira de
promoción de este increíble álbum y están planeando proyectos muy
atractivos para fechas próximas. En cuanto a la persona en cuestión,
padre de seis hijos y abuelo de seis nietos, a sus recién cumplidos
70 años, John Mayall no muestra ni un solo signo de debilidad y
piensa seguir manteniendo vivo el blues durante muchos años. Su
última señal de buena forma es el nuevo compacto y DVD conmemorativo
en vivo, "70th Birthday Concert" —"el concierto del cumpleaños
septuagésimo"—, grabado en directo el 19 de julio del 2003 junto a
Mick Taylor, Eric Clapton y Chris Barber.


Referencias
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• John Mayall: http://www.johnmayall.com/

Informe N° 26 | 12/04/2004
GOSPEL, NEGRO SPIRITUALS Y
TENDENCIAS RELIGIOSAS EN EL BLUES
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El Gospel
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La palabra "gospel" es una combinación de "God" —en inglés, "Dios"—
y de "spel" —término del inglés antiguo utilizado para
decir "historia". El género se distingue sobre todo por la
espontaneidad y la falta de formalidad, cualidades que, mientras que
a veces despiertan la sospecha o la inquietud de los dirigentes
religiosos, han estado presentes desde los mismos principios de la
fe cristiana. Debido al uso arbitrario del término, sin embargo, se
considera que la música gospel comenzó en los Estados Unidos de
América en el siglo XIX, habiendo aparecido primero impreso en 1874
en una publicación titulada "Gospel Songs" por Philip Bliss.


Origen y Evolución
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Esa era una época de avivamiento cristiano extraordinario. Mientras
que sermones apasionados eran predicados en extensas reuniones o
servicios religiosos en las ciudades nuevas y prósperas de
Norteamérica, los cultos como las Pentecostal Black Communities of
the Holiness y las Sanctified Churchs se multiplicaron. Junto a las
instituciones nacionales organizadas, los ghetos negros consolidaron
iglesias independientes como la Atlanta's Highway, las Hedges Fire
Baptized o la Widow's Mite Holiness de Chicago. Aquí, los adoradores
afro-americanos gozaron de las tradiciones establecidas desde hacía
ya mucho tiempo, de la improvisación en el sermón y mucha música, el
diálogo continuo entre el pastor y la multitud formalizada en
patrones musicales de tipo "call & answer" o "llamado y respuesta",
y en una cierta parte el "shout" o "grito", compuesto de música y
danza "inductores" de una especie de éxtasis. Un observador del
siglo XIX describió un servicio estadounidense así: "después que el
sermón terminó, comenzaron todos a cantar alegremente y continuó sin
parar por un periodo de una hora, hasta que quedaron exhaustos y sin
aliento, mientras que toda la hora aplaudían con sus manos, gritaban
y saltaban".

Las descripciones y las ilustraciones dan una idea de lo que era la
adoración de ese tiempo, pero la falta de formalidad no produjo
ninguna música escrita, ningún material comercial como, por ejemplo,
un concierto. De hecho, el introducir esta música a una audiencia
significaba cambiarla, potencialmente fuera de todo el
reconocimiento. Éste fue el caso cuando pidieron en 1871 a los
estudiantes negros de la Universidad de Fisk de Nashville,
Tennessee, formar un coro para una gira de recaudación de fondos. En
los viajes subsecuentes a través de los Estados Unidos de América y
Europa, eran las canciones de las plantaciones —las "work songs" o
los "field hollers"— de la época pre-abolicionista que capturaron la
imaginación de sus audiencias, que en gran parte eran blancas. La
música, no obstante fue formalizada o, como se le dijo más
peyorativamente, "estilizada" por los directores del coro, cuyo
trasfondo y entrenamiento musicales eran europeos. Estos negro
spirituals se convirtieron en los favoritos de las audiencias
europeas que tenían poco interés en su poderosa teología de gran
alcance, acerca de la liberación, aunque desde entonces, los
spirituals han inspirado a músicos a través del mundo, y han sido
reabsorbidas con entusiasmo por los cantantes negros de gospel
actual.

El peso de la religión en las comunidades afro-americanas —como en
tantas otras—, en las que a menudo cumplió un importante papel
social, determinó que numerosos músicos, especialmente los
cantantes, surgieran de las filas de los coros de las iglesias, como
la impronta de la música religiosa. Así, el gospel —al igual que
sucede con el blues— constituye una de las bases de la música
popular afro-americana y sus elementos reaparecen en mayor o menor
medida en otros géneros aparentemente dispares como el soul.

El monólogo de los predicadores entrecruzado con las respuestas de
los fieles utiliza una estructura retomada por músicos tan diversos
como Cab Calloway o los actuales rappers —una de las acepciones del
verbo "rap" es "sermonear"—, evocada a menudo por el juego de las
diversas secciones instrumentales que componen las orquestas de
blues y de jazz. Igualmente, las formas de los cuartetos vocales del
gospel han inspirado a los grupos de doo-wop —prácticamente
idénticos en la forma pero con una temática laica en sus canciones—
o a formaciones como el World Saxophone Quartet, ingeniosa
adaptación instrumental de la combinación de las voces.

También los cantantes han visto en el gospel la fuente de su
inspiración y así, por ejemplo, Marva Wright afirmaba que la única
diferencia entre el gospel y el blues radicaba en la temática de las
canciones.

A pesar del enraizamiento del gospel en la vida musical afro-
americana, de las ideas y venidas de sus intérpretes desde los
mundanos escenarios del mundo del espectáculo a los altares de las
iglesias —como han hecho artistas como Al Green o Aretha Franklin—,
esta forma musical ha mantenido su pureza estilística y ha guardado
las distancias con la evolución de su entorno.


Componente Espiritual y Religioso
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La música religiosa afro-americana constituye un universo musical
autónomo, a pesar que su influencia ha abarcado a los músicos más
diversos y a formas radicalmente laicas. La importancia del culto
como elemento aglutinador de la comunidad fue un elemento decisivo
en la elaboración de una religiosidad que, a menudo, iba más allá de
la primera intención de los evangelizadores. En la América de la
esclavitud, muchas historias bíblicas, como la huida de Egipto, eran
vistas por los africanos esclavizados como una metáfora de su propia
situación.

Una tradición intacta e "invendible" de la música de adoración
continúa, sin embargo, pues tengamos presente que la motivación para
la música proviene de una intención mucho más amplia y más profunda
que el simple entretenimiento. La música es así una expresión de la
comunidad, una celebración de la vida en el contexto de una teología
con una dimensión social y política evidentemente fuerte.

Originalmente, el gospel fue muy criticado por la iglesia. Después
de dudar en un principio, las iglesias absorbieron esta música que
encontraba lugar tanto para lo viejo como para lo nuevo, las
canciones de gospel eran siempre más prominentes, generalmente al
lado del sermón, y se desarrolló paralelamente a la música secular
negra. El estilo gospel de cantar se arraiga en el estilo de los
viejos negro spirituals y en el apasionado estilo de declamación
de "testimonio" de los predicadores negros bautistas.


Aspectos Musicales
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En el aspecto musical, es notoria también la situación producida por
la distribución geográfica de las religiones, pues si el
catolicismo, con su ausencia de cantos en la liturgia, segó el
desarrollo de determinadas formas musicales, el protestantismo —o
por lo menos algunas de sus iglesias— potenció una forma de
evangelización musical.

Las diversas características de cada iglesia y de sus respectivas
liturgias dieron lugar a estilos y concepciones diversas, entre las
que hay que distinguir a grandes rasgos:

• la prédica —en la que han destacado los reverendos Samuel Kelsey,
C.L. Franklin, Cleophus Robinsons o James Cleveland—,

• los coros y las diversas formaciones vocales como el cuarteto —The
Five Blind Boys, los Sensational Nightingales, Spirit of Memphis y
The Caravans, entre otros— y

• los solistas —con figuras tan excepcionales como las cantantes
Sister Rosetta Tharpe, Martha Bass y Jessie Mae Renfro, entre otros.

También podemos distinguir dos géneros, a menudo sinónimos: los
negro spirituals y el gospel, división ligada al origen histórico de
los cantos.

A lo largo de su historia, el gospel ha generado su propia nómina de
estrellas, que en algunos casos han trascendido las fronteras de la
iglesia y en otros han consagrado su maestría exclusivamente a los
fines del culto.


Gospel Moderno
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Un segundo intento de sacar la música de la adoración de la iglesia
y mercadearla, creó la definición moderna de gospel. Una de las
primeras figuras de renombre del gospel fue Thomas A. Dorsey, quien
nació en 1899, hijo de un predicador georgiano negro ambulante. Si
bien contaba con una educación empapada en la vida de la iglesia,
Dorsey hizo una carrera temprana desarrollando el mundo comercial
del blues, trabajando con Ma Rainey y Tampa Red bajo el pseudónimo
de Georgia Tom. En 1921, él experimentó un avivamiento dramático de
su fe cristiana por medio del cantar extrovertido y la predicación
del Reverendo A.W. Nix. Dedicó el resto de su vida a la escritura, a
la ejecución y a animar lo que él vino a llamar "gospel".

Dorsey capitalizó su experiencia comercial y se convirtió en el
primer artista de gospel en obtener una audiencia extensa. Fundó su
propia compañía disquera, que publicó e imprimió cerca de quinientas
de sus canciones con la etiqueta "gospel music". Fue el primero en
cobrar por la admisión a sus funciones, hizo grabaciones, formó el
primer cuarteto femenino de gospel y descubrió y promovió una nueva
generación de cantantes incluyendo a Mahalia Jackson.

Las innovaciones de Dorsey crearon e inspiraron una nueva generación
en la música para las diversas combinaciones vocales. Los grupos
vocales de armonía cerrada del último gospel de los años `40 y `50 —
respondiendo y "argumentando" a través del elevado tono del cantante
principal, improvisando y contestando al coro—, tenían conexiones
directas a los estilos "a capella" y "doo-wop" de los años `50.

Sin embargo, los circuitos de distribución del gospel, a menudo
regidos por las propias iglesias, así como la militancia
evangelizadora de buena parte de sus intérpretes, no han permitido
al público ajeno a los cultos percibir más que la punta de iceberg
de esta música.

Si algunos cantantes, como la extraordinaria Mahalia Jackson,
accedieron a mostrar su arte ante un público no parroquiano —en los
años dorados del soul— y algunas estrellas del gospel como Wilson
Pickett, Sam Cooke, Lou Rawls, Solomon Burke, Little Richard, Al
Green o Aretha Franklin cambiaron el recogimiento espiritual por la
mundanalidad de los textos laicos, son muchos más los músicos que
han permanecido recluidos en el universo cerrado de la música
religiosa.

Solistas, dúos, tríos y cuartetos, fueron establecidos —Sallie
Martin, Clara Ward, Marion Williams, The Gay Sisters, The Soul
Stirrers y las originales Gospel Harmonettes, representaban el
talento en desarrollo los años `30 y `40. En este tiempo la radio
gospel —muy pocas en ese entonces— comienza a difundir el gospel
comenzado en los Estados Unidos. Ahora hay centenares de ellas. El
contraste de un cantante principal contra otras voces en el fondo
fue relacionado a la imagen del predicador y congregación. De hecho,
se esperaba que el vocalista principal predicara además de cantar.

Los coros de gospel han creado más recientemente nuevas
posibilidades musicales, proporcionando en un contexto o trasfondo
tipo "orquestal" a un solista o un estilo impactante, similar al que
llevaban las grandes bandas.

La televisión mostró que un interés desde los años `50 hacia
adelante y de los cantantes del gospel comenzaron a aparecer en
festivales de jazz y de blues.


El Rey y el Gospel
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Las nuevas circunstancias trajeron nuevos estilos o vertientes
dentro del gospel; el gospel duro en los años `50 y `60, substituyó
el estilo "crooning", más ligero, de las décadas anteriores por una
salida en conjunto más salvaje y fuerte, especialmente de la voz del
cantante principal, con la práctica de dar una palmada en el muslo y
de gritar las notas superiores.

En este punto, los artistas de gospel encontraron que tenían entre
su público cantantes que aspiraban a ser estrellas de rock & roll en
busca de inspiración o motivación. De hecho, la música comercial
debe a esta época del gospel una gigantesca influencia sobre sus
artistas y más grandes estrellas como, por ejemplo, Elvis Presley.

En 2001, "El Rey del Rock & Roll" pasó a formar parte del Gospel
Music Hall of Fame —el Salón de la Fama de la Música Gospel.
Presley, quien ya había sido seleccionado para el Rock & Roll Hall
of Fame y el Country Music Hall of Fame, ha sido el único artista en
recibir los tres honores.

Elvis se hizo famoso con el rock & roll en 1956, pero ya adoraba el
gospel. Aunque se le conoce mejor por sus muchos éxitos de rock y
pop, Presley, fallecido en 1977 a la edad de 42 años, ganó tres
premios Grammy por la música gospel y ninguno por sus obras en los
otros géneros. Obtuvo un premio a la Mejor Interpretación Sagrada en
1967 con "How Great Thou Art" y dos a la Mejor Interpretación
Inspirativa. El primero con "He Touched Me" en 1972 y el segundo con
una versión en vivo de "How Great Thou Art" en 1974.

Solía trabajar con cuartetos de gospel, incluido The Jordanaires, y
cuando su familia se mudó a Memphis desde su pueblo natal, Tupelo,
cantaba frecuentemente temas gospel en el Ellis Auditorium. Presley
admiraba a muchos cantantes de gospel y, según cuentan, siempre que
viajaba llevaba consigo discos de artistas como el Golden Gate
Quartet. "De cierta manera, tranquiliza nuestras mentes: por lo
menos, tranquiliza la mía", dijo una vez sobre este género musical
el famoso rocanrolero.


Aspectos Comerciales
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El verdadero cambio hacia la vertiente comercial vino con los
artistas de soul como Aretha Franklin, Sam Cooke —quien una vez
integró The Soul Stirrers—, Ray Charles, James Brown y Marvin Gaye,
personificando el gospel excepto por las líricas seculares,
sensuales y eróticas.

La mayoría de los artistas negros que grabaron para Tamala Motown,
enormemente acertados en la comercialización de esta música en los
años `60, tenían un trasfondo de gospel.

La explotación del estilo gospel en los extremos comerciales
seculares que escandalizaron a las comunidades religiosas vino de
Little Richard y "Screamin" Jay Hawkins. Desde entonces las
influencias entre la música comercial y el gospel se han fundido
hasta el punto de tener al gospel como tal, absorbiendo otras
tendencias.


Conclusiones
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La belleza formal de las composiciones, la espectacular
interpretación que de ellas ofrecen las diversas formaciones vocales
y la espiritualidad que trasciende, han cautivado, sin embargo, a un
público amplio. El gospel ha sido, desde hace décadas, la forma
musical afro-americana más aceptada por el público europeo. El
Golden Gate Quartet es una de las formaciones que más se ha
beneficiado de la admiración de ese público y, como ellos,
tantísimos coros de confesiones diversas, de universidades o de
centros sociales que se pasean por Europa con una pulcra y refinada
versión de una música ancestral de la que el espléndido documental
Mississippi Blues (1984), de Bertrand Tavernier, dio ejemplos más
descarnados: estructuras musicales simples y directas, imprecaciones
moralizantes y trances colectivos a mayor gloria de la iglesia y sus
pastores, como en cualquier otra religión.

Independientemente de estos fenómenos, el gospel posee una fuerza
expresiva arrebatadora pues a las formas de la música religiosa
europea añade la magia de las formas ancestrales de diversas
religiones africanas que lograron sobrevivir secretamente a una
irrespetuosa evangelización.

La original combinación de la voz solista con el coro, del monólogo
con el diálogo, la yuxtaposición de la meditación y el éxtasis
colectivo, son elementos definitorios del gospel que subyacen en
otras formas de música afro-americana. Por esta razón, y por la
belleza de muchas de sus manifestaciones, el buen aficionado al
blues y al jazz siente, en un momento u otro, una sincera admiración
por este arte primigenio que en una buena medida ha definido al
devenir de la música afro-americana.

Hay hambre para oír música gospel a la misma vez que ésta es tema de
confrontación, dado que más bien refleja a la cultura popular.
Todavía existe el hacer música proveniente de un cristianismo que
une la vida del espíritu y el cuerpo, independientemente del estilo
musical: "La gente negra, dondequiera que usted la encuentre, no han
sido influenciados tanto por la ideología de la Iluminación, uno de
cuyos efectos es la división entre el cuerpo y alma, razón y fe;
política y economía en un lado y la religión por otro.
Espiritualmente hay una totalidad de las cosas envueltas en un solo
campo. En su mejor expresión, el gospel expresa la totalidad de
dicha experiencia en la unificación de cuerpo y alma.".

UN DÍA COMO HOY… EN LA HISTORIA DEL BLUES
SEMANA DEL 12/04/2004 AL 18/04/2004
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12 de Abril
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1954: El tema "Shake, Rattle And Roll" por "Big" Joe Turner fue
lanzado. Grabado en la ciudad de New York, Estados Unidos de
América, fue lanzado como el sencillo número 1026 de Atlantic.


13 de Abril
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1928: Barbecue Bob grabó el tema "Blind Pig Blues" en Atlanta,
Georgia, Estados Unidos de América, para Columbia.

1954: Little Walter, Otis Spann, Jimmie Rogers, Willie Dixon y Fred
Below se unieron a Muddy Waters para grabar el tema de Dixon "I Just
Want To Make Love To You", el cual fuera posteriormente editado como
el sencillo número 1571 de Chess.


14 de Abril
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1928: Pink Anderson y Simmie Dooley grabaron un registro de blues en
el estilo de Piedmont titulado "C.C. & O. Blues" en Atlanta,
Georgia, Estados Unidos de América, para Columbia.

1955: El tema de Fats Domino "Ain't It A Shame" fue lanzado como el
sencillo número 5348 de Imperial.

1958: El tema "Don't You Just Know It" por Huey "Piano" Smith & The
Clowns alcanzó el puesto número 9 en el chart de música pop.


15 de Abril
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1924: Fletcher Henderson's Club Alabam Orchestra grabó los
temas "Mobile Blues" y "Tea Pot Dome Blues" en la ciudad de New
York, Estados Unidos de América, para Vocalion. Al mismo tiempo,
Henderson y su orquesta eran la banda de la casa del Club Alabam en
la Calle 44 entre 7ma y 8va Avenida en Manhattan, Estados Unidos de
América.

1965: Howlin' Wolf, acompañado tanto por Hubert Sumlin como por
Buddy Guy, grabó el tema "Don't Laugh At Me", el cual fuera
posteriormente editado como el sencillo número 1945 de Chess.


16 de Abril
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1942: Django Reinhardt grabó el tema "Blues en Mineur" para el sello
Rhythme en Bruselas, Bélgica.

1976: Boz Scaggs fue golpeado y dejado inconciente por dos gorilas
fuera de Antone's luego de intentar ir entre bastidores para ver a
quien encabezaba la lista de artistas esa noche, Bobby "Blue" Bland.
La confrontación comenzó cuando a Scaggs se le negó la entrada a los
camerinos a pesar que él reclamaba haber sido invitado por un
miembro del grupo de Bland.


17 de Abril
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1927: Katherine Baker grabó el tema "Chicago Fire Blues".

1952: Howlin' Wolf ingresó al estudio de grabación Sun en Memphis,
Estados Unidos de América, y grabó los temas "Bluebird", "(Well)
That's Alright" y "Saddle My Pony". Sam Phillips dijo sobre las
sesiones de Wolf: "Sus ojos podían encenderse, veías las venas en su
cuello y, amigo, no había NADA en su mente salvo esa canción. Cantó
con su maldita alma.".


18 de Abril
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1936: Red Nelson grabó los temas "What A Time I'm Havin' (Off The
Soldiers' Bonus)" y "Empty Bed Blues" para Decca Records en Chicago,
Estados Unidos de América.

LISTA DE TEMAS | "CLUB DE BLUES"
SEMANA DEL 05/04/2004 AL 09/04/2004
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Para hacernos llegar material discográfico y/o bibliográfico,
hacerlo al siguiente domicilio:

   Emisora Cultural Luis Carlos Galán Sarmiento
   c/o Polo Baldini de "Club de Blues"
   Carrera 30 N° 26-117
   Parque de los Niños
   Bucaramanga, Colombia

También pueden ponerse en contacto con la Producción del programa
para combinar alguna forma digital alternativa por medio del correo
electrónico clubdeblues@....



Lunes 05/04/2004
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01. "Red House" por Jimi Hendrix.
02. "Baby, What You Want Me To Do?" por Jimmy Reed.
03. "The Seventh Son" por Willie Mabon.
04. "I Just Want To Make Love To You" por Etta James.
05. "Wang Dang Doodle" por Koko Taylor.
06. "Back Door Man" por Howlin' Wolf.
07. "I'm Your Hoochie Coochie Man" (vivo) por Buddy Guy y Eric
     Clapton.
08. "Hit The Road, Jack" por Ray Charles.
09. "Ali D'Oro" por Zucchero Fornaciari (Italia) y John Lee Hooker.
10. "Roll With Me" por Big Bill Morganfield.
11. "Swing" (vivo) por Blues de Bellota (España).


Martes 06/04/2004
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01. "The Big Chicken" por Blue Key (España).
02. "Boogie-Woogie Country Man" por Jerry Lee Lewis.
03. "Back Door Man" por Howlin' Wolf.
04. "Mannish Boy" por Muddy Waters.
05. "My Man" por Lucille Spann.
06. "Been A Long, Long Time" por Otis Spann.
07. "Kimberly" por Chas Cochran.
08. "Hey Man" (vivo) por Zucchero Fornaciari (Italia) y B.B. King.
09. "Tramp" por Buddy Guy.
10. "Hideaway" por Freddie King.
11. "Boogie-Woogie Baby" por Delmore Brothers.


Miércoles 07/04/2004
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01. "Remeberin' Stevie" por Buddy Guy.
02. "Nobody Knows" por Bessie Smith.
03. "Back Water Blues" por Bessie Smith.
04. "Gimme A Pigfoot" por Bessie Smith.
05. "Ain't Got Nobody" por Bessie Smith.
06. "C.E.O." por Chas Cochran.
07. "Blues Power" (vivo) por Albert King.
08. "Crossroads Blues" por Peter Green & Nigel Watson Splinter Group.


Jueves 08/04/2004
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01. "Part Time Love" por Luther Allison.
02. "Crosscut Saw" por Albert King.
03. "Wang Dang Doodle" por Koko Taylor.
04. "Blues Local" por Pappo (Argentina).
05. "Sleigh Ride" por The Brian Setzer Orchestra.
06. "One Way Out" por Sonny Boy Williamson II.
07. "The Wind Cries Mary" por Jimi Hendrix.
08. "Back Door Man" por Howlin' Wolf.
09. "Everybody Needs Somebody" (vivo) por The Blues Brothers.
10. "When Love Comes To Town" (vivo) por B.B. King.
11. "I Just Want To Make Love To You" por Etta James.
12. "Been A Long, Long Time" por Otis Spann.
13. "Ain't Got Nobody" por Bessie Smith.


Viernes 09/04/2004
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01. "That's Alright" por Jimmy Rogers.
02. "Honey Bee" por Muddy Waters.
03. "How Many More Years" por Howlin' Wolf.
04. "Fround Hog Blues" por John Lee Hooker.
05. "Free And Easy Mind" por Jimmy Nelson.
06. "Double Dealing" por Percy Mayfield.
07. "The Seventh Son" por Willie Mabon.
08. "Check Yourself" por Lowell Fulson.
09. "The Key" por Sonny Boy Williamson II.
10. "Me And My Chauffeur" por Memphis Minnie.
11. "Confessin' The Blues" por Little Walter.
12. "Twenty-Four Hours" por Eddie Boyd.
13. "Going Back Home" por Howlin' Wolf.
14. "Juke" por Little Walter.
15. "Funeral Hearse At My Door" por Rocky Fuller.



Más información sobre los artistas listados, enlaces a sus sitios
web y a los de las compañías discográficas, fotografías, etcétera,
disponibles en la comunidad virtual de Club de Blues:
http://www.gruposyahoo.com/group/clubdeblues

Informe N° 25 | 07/04/2004
LA EMPERATRIZ DEL BLUES:
BESSIE SMITH
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En 1929, cuando Bessie Smith había comenzado su decadencia, Dudley
Murphy dirigió una película —apenas un corto—, que sería el único
documento cinematográfico de la cantante. El tema elegido fue "St.
Louis Blues", de W.C. Handy, quien además ejerció de director
musical y coguionista. Bessie está acompañada por la orquesta de
Fletcher Henderson, pero éste es sustituido en el piano por James P.
Johnson.

En tan poco tiempo es difícil concentrar más nombres claves de la
historia del blues y del jazz. La película constituye, hoy en día,
una rareza que los aficionados a estos géneros persiguen y veneran.
El guión, cargado de tópicos, es estremecedoramente biográfico.
Bessie es rechazada por su hombre, un jugador que la abandona por
otra mujer más joven. Ella se consuela con una botella de ginebra,
cantando un blues a capella que pone los pelos de punta. Luego, en
el bar, se le suma la orquesta de Henderson y un coro de voces de
los parroquianos, mientras ella permanece en la barra cantando
frente a una enorme jarra de cerveza.

La fecha de nacimiento de Bessie Smith es incierta: ni ella misma
podía determinarla con claridad. Las partidas de nacimiento no eran
muy habituales entre los negros de Chattanooga, en Tennessee,
Estados Unidos de América, entre 1895 y 1900. En todo caso, sus
primeros años transcurren en una situación de miseria económica.
Aprendió a cantar escuchando a los músicos callejeros con los que,
en busca de dinero, recorría las calles de su ciudad a la edad de
siete años. En esas épocas sin escolarización, sin recursos
económicos y con alimento escaso, Bessie destacó por una poderosa
voz de contralto y una extremada facilidad para hacer suyos todos
los blues que cantaba. Esa cualidad se mantiene todavía: no importa
el autor ni importa quien lo hizo antes, si Bessie lo cantó, es suyo.

Cuando contaba con nueve años, una mujer negra y bien vestida se
acercó a ella mientras estaba cantando en la calle. Ma Rainey era
una de las conocidas cantantes de blues y una estrella en el
circuito de la música para negros. Esa misma mañana había estado
actuando en Chattanooga con la Theater Owners Booking Association.
Ma Rainey no tuvo muchos problemas en convencer a la familia de
Bessie para incorporarla a la gira: al fin y al cabo, era una boca
menos. Se cuenta que Rainey enseñó a la joven los trucos del oficio,
como cargar de fuerza y significado cada palabra: la manera de
lograr que cada frase cuente tu propia historia. "Una canción es
como una escalera que has subido muchas veces", solía decir. "Sólo
tienes que poner el pie en el primer peldaño y dejar que tu alma
cante". Estas primeras giras dieron a Bessie un aprendizaje
excelente pero le aportaron muy poco dinero.

A los 17 años, en un pequeño club de Selma, Alabama, Frank Walker,
quien luego sería su productor y consejero, escuchó cantar a Bessie
Smith. "¿Has pensado en ir a New York?", le preguntó. "He pensado en
muchas cosas, pero hacerlas es bastante más difícil". Años más
tarde, Walker la mandó llamar para una sesión de grabación con
Columbia Records. Walker relataría el suceso como "la experiencia
musical más importante de mi vida, nunca había oído nada como el
aire tormentoso que aportaba a la música de su gente. Ella era el
significado del blues.".

Parece haber indicios de grabaciones anteriores. El propio Thomas
Alva Edison, inventor del fonógrafo, grabo una canción de Bessie en
1921, descartándola por no parecerle lo suficientemente comercial, y
algunas noticias de los periódicos locales de la época aportan datos
de discos que nunca han sido encontrados. Pero esa tarde de febrero
de 1923, cuando los técnicos de Columbia grabaron "Down Hearted
Blues", el mundo del blues y del jazz no volvería a ser el mismo. En
un principio, sólo Walker y el pianista Clarence Williams creyeron
en una joven promesa que llegó a New York "alta, gorda y mortalmente
asustada". Ella misma opinaba que su voz sería "demasiado áspera
para esta gente del norte". Seis meses más tarde había vendido
780.000 copias de su disco, salvando a la compañía de una casi
segura bancarrota. Bessie Smith grabaría, siempre en la ciudad de
New York, 160 canciones que constituyen todo un legado cultural para
los aficionados al blues y al jazz.

Los años que vinieron después fueron los de mayor esplendor que una
artista negra había conocido jamás hasta entonces. Las ventas de sus
discos y el éxito de sus giras le reportaron ingresos millonarios
que fueron mal administrados. La bebida y una turbulenta vida sexual
que incluía tanto a hombres como a mujeres, se llevaron la mayor
parte.

Los músicos la adoraban; grabó con Louis Armstrong, Fletcher
Henderson, James P. Johnson, Coleman Hawkins y Benny Goodman, entre
otros. Se cuenta que en la ciudad de Chicago, el gran Bix
Beiderbecke arrojó al suelo la paga de una semana para que no parase
de cantar. En sus presentaciones en vivo, nunca quiso utilizar
micrófonos.

Jamás olvidó sus orígenes humildes y construyó un asilo para
indigentes.

Hacia 1929, volvieron los tiempos difíciles. Premonitoriamente,
grabó una versión de "Nobody Knows You When You're Down And Out".
Los excesos de su carácter y su afición a la bebida, habían creado
una gran desconfianza en los propietarios de locales y teatros que
nunca podían asegurarse de que Bessie estuviese presente el día del
concierto. Por otro lado, la gran depresión estadounidense de esa
época que afectó extraordinariamente al negocio discográfico, redujo
sus ingresos; los gastos continuaron. Su carácter irascible a causa
de la bebida, contrastaba con su generosidad: nadie que acudiese a
ella solicitando ayuda, ficticia o real, volvía con los bolsillos
vacíos. Walker, su productor, consiguió que ahorrase lo suficiente
para comprar una casa. Poco después, el reemplazo en la producción
de Walker por su marido, un policía de Filadelfia más aficionado al
dinero fácil que a los negocios musicales, empeoró notablemente las
cosas. Bessie volvió a actuar en pequeños clubes sureños. Su última
grabación tuvo lugar el 24 de noviembre de 1933. Tanto en los discos
de su última etapa como en la película de Dudley Murphy, su voz ha
ganado en profundidad y fuerza; más que nunca canta como siente, sin
técnicas ni artificios. Los años de decadencia personal imprimen a
su música una emotividad que no pueden dar en ningún conservatorio.

En la madrugada del domingo 26 de septiembre de 1937, en una
carretera en Mississippi, su automóvil se empotró en la trasera de
un camión. Su cuerpo quedó destrozado, con el brazo derecho
prácticamente separado del tronco. A partir de aquí, circulan varias
versiones. Según una, Bessie se desangró porque los hospitales más
cercanos no admitían pacientes negros; otra dice que murió en la
sala de espera de un hospital y una tercera afirma que murió en el
hospital para negros G.T. Thomas de Clarksdale al poco tiempo de
ingresar. De cualquier manera murió demasiado pronto.

Bessie Smith cambió el panorama musical que vino detrás de ella. El
mundo del blues, tan dado a este tipo de sobrenombres, cuenta con
una buena cantidad de "reinas" en su catálogo; pero el título
de "emperatriz" está reservado a una sola persona: Bessie Smith.

Ni el blues ni el jazz serían lo mismo sin Billie Holiday, otra
artista cuya vida presenta paralelismos con la de Bessie. La propia
Billie se manifestó siempre su seguidora y admiradora. En su
autobiografía recuerda cuando, a cambio de unas monedas, limpiaba
toallas en un burdel. "Le decía a Alice que podía guardarse su
dinero si me dejaba subir a la sala de estar para escuchar a Bessie
en su gramola".

En la era del pop, otra vocalista de biografía similar, Janis
Joplin, quien había dicho "Bessie me mostró el aire y me enseñó como
llenarlo", reconoció su deuda con "La Emperatriz" cuando, en 1970,
poco antes de su propia muerte, compró la lápida que hasta entonces
la tumba de Bessie Smith no había tenido.

Informe N° 24 | 06/04/2004
OTIS SPANN
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Spann, nacido en Mississippi en 1930, es uno de los dos pianistas de
blues y boogie-woogie por excelencia, uno de los mejores de las
décadas de 1950 y 1960. El otro es Memphis Slim.

Otis llegó a Chicago con la misma edad que Little Walter en 1947 y
desde 1951 estuvo militando en la banda de Muddy Waters, quien lo
llamaba su medio hermano debido a la estrecha amistad que mantenían.
Grabó por primera vez con Muddy en 1952 y permaneció en la banda
durante dieciséis años, tiempo durante el cual grabó muchas de las
piezas hoy clásicas del blues como "I'm Your Hoochie Coochie
Man", "Blow Wind Blow" y "Mannish Boy".

Además de tener una personalidad destacada dentro del grupo y ser un
referente obligatorio para todos los teclistas posteriores,
emprendió una corta carrera en solitario e hizo multitud de
colaboraciones con otros muchos músicos, como la agrupación
Fleetwood Mac en el disco "Blues Jam In Chicago", con el eterno
rival de Waters, Howlin' Wolf, en tres de sus temas más conocidos —
"Spoonful", "Back Door Man" y "Wang Dang Doodle"—, con Little Walter
en "Key To The Highway", y otros muchos como Sonny Boy Williamson
II, Chuck Berry y Paul Butterfield.

Desgraciadamente, nos dejó en 1970 víctima del cáncer a la temprana
edad de cuarenta años, no sin antes legarnos obras maestras
como "Blues Never Die", "Chicago Blues" y "Cryin' Time".

Informe N° 23 | 05/04/2004
El COMPOSITOR MAESTRO:
WILLIE DIXON
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Dixon nació el 1° de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi,
Estados Unidos de América. Siendo muy joven, escribió muchos poemas
en un libro que guardaba con él, convirtiendo algunos en canciones,
las cuales ofrecía a grupos de música country estilo hillbilly y
western para que los interpretaran. Dixon comenzó de esa forma su
vinculación con la música.

Su primera experiencia musical fue cuando cantó con un grupo de
gospel llamado Union Jubilee Singers. Ganaron tanta popularidad que
eso les permitió hacer una gira en Mississippi fuera de los límites
de Vicksburg, y tener un show de radio de quince minutos cada
viernes desde el Vicksburg Hotel durante la década del treinta.

A Dixon, además, le gustaba mucho el boxeo, tanto que en sus últimos
años de adolescente con un cuerpo robusto, seriamente consideró la
posibilidad de una carrera como boxeador. Después de ganar el
campeonato de peso pesado Golden Glove en su división "novatos" en
Illinois y de haber sido sparring de Joe Louis, se convirtió en
profesional. Su carrera como boxeador terminó abruptamente cuando
fue suspendido por un alboroto que ocasionó en la oficina de un
dirigente del mundo boxístico.

Es a Leonard Caston a quien le tenemos que agradecer el haber
convencido a Dixon para que abandonara el boxeo por una carrera como
músico. Caston le proveyó su primer instrumento: un bajo. Tocando en
diferentes grupos de Chicago, finalmente se estableció con Bernardo
Dennis en guitarra y Caston en piano para formar el Big Three Trio
en 1946. Con el Big Three recorrieron el medio-oeste, donde
encontraron cierto éxito. En sus viajes previos a la formación del
trío, Dixon había logrado acceder a los estudios de Lester Melrose,
quien estaba en Okeh Records. Esta relación le permitió conocer a
los hermanos Chess, los dueños de Chess Records, quienes lo
observaron durante sus actuaciones como invitado en su club.

En 1948, Dixon tocó en una sesión de Robert Nighthawk, su primera en
Chess. Se convirtió en un empleado full-time en 1951, produciendo,
arreglando, comandando la banda del estudio y tocando el bajo en una
gran cantidad de grabaciones.

Su primera sesión cotizada en Chess Records fue "Back Door Friend"
de Jimmy Rogers en 1952. Con el suceso de "I'm Your Hoochie Coochie
Man" interpretada por Muddy Waters en enero de 1954, Leonard Chess
estaba convencido de la posibilidad comercial del trabajo de Dixon.
Dixon fue promovido a Director Artístico y comenzó a tomar parte en
todas las sesiones de grabación de Chess Records. En 1955
apareció "My Babe" de Little Walker, la primera canción de Dixon que
llegó al tope en rhythm & blues. Sus contribuciones no estaban
limitadas a la esfera del blues, ya que realizó la primera sesión
para los El-Rays —más tarde conocido como los Dells— en 1954,
acompañándolos con la Willie Dixon Orchestra.

Con "Maybellene", en 1955, Dixon comenzó una larga relación con
Chuck Berry en el estudio. Durante los `50 también fue soporte de
actuaciones de Howlin' Wolf y Elmore James, y en 1959 tocó con
Memphis Slim en New York. Creó grandes clásicos como "My
Babe", "Wang Dang Doodle" y "Little Red Rooster".

Dixon fue el único que vio la verdadera cara de Leonard Chess, tal
vez el mayor empresario del blues. Estando en la posición en que se
encontraba, Dixon pudo ver a Chess no sólo como a un hombre que
ayudaba a grabar a músicos de blues del sur, sino también como a un
hombre de negocios.

Dixon comentaba de Leonard: "Francamente, Leonard era un
manipulador. El hacía tratos con gente que no sabía nada del negocio
de las grabadoras. Cuando uno puede sacar ventaja de alguien que no
conoce el tema, yo lo llamo estafa, aunque la mayoría de la gente lo
llama inteligencia para los negocios. Yo no sabía nada acerca de
leyes de derechos de autor o algo por el estilo".

Dixon también relata historias de cómo Chess permitía a los músicos
tomar unos tragos, a veces hasta el punto de estar borrachos, antes
de negociar sus contratos. Por supuesto, como dice Dixon: "no había
ninguna ley que lo obligara a hacer cosas legítimas con gente negra".

Sin embargo, Dixon tuvo un papel muy importante en el desarrollo de
Chess Records, dando la oportunidad a muchos artistas de que sus
canciones fueran populares. Más tarde en su carrera, Dixon ayudó a
llevar festivales de blues a Europa, dándole al blues una nueva
audiencia internacional y por último llevándolo por todo el mundo.
En 1960 emprendió el camino hacia Europa, ruta que se hizo habitual
para muchos artistas de blues que encontraron en el viejo continente
una mayor repercusión que en su país. Los jóvenes músicos del rock
que surgían en Inglaterra tenían particular admiración para los
intérpretes de blues.

En 1989 editó un libro autobiográfico titulado "I'am The Blues",
donde reconocía que a partir de "I'm Your Hoochie Coochie Man" fue
conocido como compositor, tema que también permitió el lucimiento de
Muddy Waters, así como "Wang Dang Doodle" fue un hito de importancia
para Howlin' Wolf primero, y luego para Koko Taylor.

Fallecido el 19 de enero de 1992, Willie Dixon fue compositor de
algunas de las más conocidas y bellas canciones de blues. Su
asesoramiento y ayuda permitió a muchas figuras de blues darse a
conocer y obtener un reconocimiento público. Sin duda estamos
hablando de uno de los personajes que más influyeron en la historia
del blues.

Por nombrar sólo algunos otros temas de la autoría del Maestro
Willie Dixon:

• "Blues You Can't Lose",

• "Built For Comfort",

• "Evil (Is Going On)",

• "Good Advice",

• "Good Understanding",

• "Hidden Charms",

• "I Ain't Superstitious",

• "I Can't Quit You Baby",

• "I Just Want To Make Love To You",

• "I Love The Life I Live",

• "I'm Ready",

• "I'm Wanted",

• "It Don't Make Sense (You Can't Make Peace)",

• "Let Me Love You Baby",

• "Mellow Down Easy",

• "The Same Thing",

• "Spoonful",

• "Study War No More",

• "Too Many Cooks",

• "You Can't Judge A Book By The Cover",

• "You Need Love",

• "You Need Meat (Don't Go No Further)",

• "You Shook Me", y

• "You'll Be Mine",

… entre otros.

UN DÍA COMO HOY… EN LA HISTORIA DEL BLUES
SEMANA DEL 05/04/2004 AL 11/04/2004
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5 de Abril
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1923: King Oliver's Creole Jazz Band, presentando a un joven llamado
Louis Armstrong y a su futura esposa, Lil' Hardin, grabó las
canciones "Canal Street Blues" y "Chimes Blues" para Gennet Records
en Richmond, Indiana, Estados Unidos de América.

1958: Irvin Feld's Greatest Show of Stars comenzó su gira
norteamericana de 80 días en Norfolk, Virginia, presentando a Sam
Cooke, The Silhouettes, Royal Teens, The Everly Brothers, Jimmy
Reed, Clyde McPhatter, Paul Anka, Roy Hamilton, LaVern Baker,
Frankie Avalon y otros.


6 de Abril
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1929: Clarence Williams' Jazz Kings grabaron el tema "Mountain City
Blues" en la ciudad de New York para Columbia Records.

1958: "Alan Freed's Big Beat Show" abrió en Cleveland presentando a
Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Frankie Lymon, Danny & The Juniors,
The Chantels, Larry Williams, Screamin' Jay Hawkins, Jo Ann Campbell
y Ed Townsend.


7 de Abril
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1924: Bessie Smith grabó "Bo Weavil Blues" con Robert Robbins en
viola e Irving Johns en piano, en la ciudad de New York, para
Columbia Records.

1933: La 21va Enmienda fue finalmente ratificada en Estados Unidos
de América y la "Prohibición", también conocida bajo el nombre
de "Ley Seca", fue eliminada. El Blues suele disfrutarse mejor
saboreando un buen bourbon o una cerveza fría. :o)

1954: La tonada "Gee" por The Crows se convirtió en el primer
sencillo de rhythm & blues de la historia en llamar la atención de
los charts de música pop. Este registro logró el puesto 17 en el
chart de música pop y se mantuvo allí durante una semana. Esta fue
una de las primeras canciones por un grupo de rhythm & blues negro
en ser pasada en estaciones de radio de dueños blancos.

1956: "Long Tall Sally" de Little Richard fue lanzada.


8 de Abril
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1927: Peg Leg Howell & His Gang grabaron "New Jelly Roll Blues"
y "Beaver Slide Rag" para Columbia Records en Atlanta, Georgia,
Estados Unidos de América.


9 de Abril
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1956: Nat "King" Cole fue atacado y severamente golpeado por un
grupo de segregacionistas raciales mientras estaba cantando sobre el
escenario del Municipal Hall en Birmingham, Alabama, Estados Unidos
de América.


10 de Abril
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1936: "Tired Feeling Blues" fue grabado por "The Two Charlies" —
Charlie Jordan y Charlie Manson—, en la ciudad de New York.

1956: La Stratocaster fue patentada por Leo Fender.

1957: Ricky Nelson cantó por primera vez en el "Ozzie and Harriet
Show". Cantó el tema de Fats Domino, "I'm Walkin'". En la primera
semana posterior a la emisión, vendió medio millón de copias.

1958: Dick Clark dedicó una hora de su programa vespertino de
televisión "American Bandstand" a la memoria de Chuck Willis, quien
había muerto más temprano ese mismo día a la edad de treinta años.
Willis era de Atlanta, Giorgia, Estados Unidos de América, y grabó
hits que incluían: "C.C. Rider", "Betty And Dupree", "What Am I
Living For" —su mayor hit— y "Hang Up My Rock And Roll Shoes".
Tanto "What Am I Living For" como "Hang Up My Rock And Roll Shoes"
fueron lanzados luego de su muerte.

1966: Jackie Wilson encabezó un concierto multiestelar de Domingo de
Pascuas en la ciudad de Saint Louis en el Kiel Auditorium. Con él se
presentaron: The Impressions, B.B. King, Ben E. King, The Drifters y
Lavern Baker.


11 de Abril
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1961: Bob Dylan hizo su debut escénico en la ciudad de New York en
el Gerde's Folk City, un pequeño club en Greenwich Village, como
telonero del bluesman John Lee Hooker.

1966: Howlin' Wolf entró a estudio con su gran compañero Hubert
Sumlin, y grabó "New Crawlin' Kingsnake".

LISTA DE TEMAS | "CLUB DE BLUES"
SEMANA DEL 29/03/2004 AL 02/04/2004
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Lunes 29/03/2004
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01. "Boogie-Woogie Country Man" por Jerry Lee Lewis.
02. "Don't Loose Your Eye" por Sonny Boy Williamson II.
03. "One Way Out" por Sonny Boy Williamson II.
04. "Cool Disposition" por Sonny Boy Williamson II.
05. "The Key" por Sonny Boy Williamson II.
06. "I Don't Know" por Sonny Boy Williamson II.
07. "Moonshine" por Chas Cochran.
08. "Borbotones Blues" por Borbotones Blues Band (Chile).
09. "Caminando El Blues" por Mammy Blues (Argentina).
10. "Murder" por Albert King.
11. "It's A Cold Wind From Chicago" por Steve Arvey Band.
12. "Silver And Gold" por U2, Keith Richards y Ron Wood.
13. "I'll Go Crazy" por Oh Well! (España).


Martes 30/03/2004
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01. "Green Onions" por The Blues Brothers Band.
02. "Hey, Joe" por Jimi Hendrix.
03. "Purple Haze" por Jimi Hendrix.
04. "The Wind Cries Mary" por Jimi Hendrix.
05. "Wild Thing" (vivo) por Jimi Hendrix.
06. "All Along The Watchtowers" por Jimi Hendrix.
07. "Somewhere Over The Rainbow" por Jimi Hendrix.
08. "Third Stone From The Sun" por Jimi Hendrix.
09. "Ain't No Sunshine" por Freddie King.
10: "I'm Bad, I'm Nationwide" por ZZ Top.


Miércoles 31/03/2004
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01. "Boogie-Woogie" por The Glenn Miller Orchestra.
02. "Killing Floor" por Howlin' Wolf.
03. "Back Door Man" por Howlin' Wolf.
04. "Moanin' At Midnight" por Howlin' Wolf.
05. "Goin' Back Home" por Howlin' Wolf.
06. "Things Fallin' Apart" por Alan Bike (España).
07. "Further On The Road" por Bob Walsh (Canadá).
08. "High And Dry" por Chas Cochran.
09. "Traigo Gasolina" por Memphis, La Blusera (Argentina).
10. "So Excited" por Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.
11. "Pas De Boogie-Woogie" por Eddy Mitchell (Francia).
12. "Old Time Shimmy" por John Lee Hooker.
13. "56' Blues" por Botafogo (Argentina).
14. "Minnie The Moocher" (vivo) por Cab Callaway y The Blues
     Brothers Band.


Jueves 01/04/2004
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01. "Boogie-Woogie Baby" por Fats Domino.
02. "The Blues Brothers Theme" por The Blues Brothers.
03. "Johnny B. Goode" por The Blues Brothers.
04. "Soul Man" (vivo) por The Blues Brothers.
05. "She Caught The KT" por The Blues Brothers.
06. "Sweet Home Chicago" (vivo) por The Blues Brothers.
07. "Everybody Needs Somebody" (vivo) por The Blues Brothers.
08. "La Última Lágrima" por Memphis, La Blusera (Argentina).
09. "Blues Del Autobús" (vivo) por Joaquín Sabina y Miguel Ríos
     (España).
10. "Cocaine Blues" (vivo) por Johnny Cash.
11. "Greedy Man" por Koko Taylor.


Viernes 02/04/2004
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01. "The Big One" por Van De Blues (España).
02. "How Blue Can You Get?" (vivo) por B.B. King.
03. "Everyday I Have The Blues" por B.B. King.
04. "The Thrill Is Gone" (vivo) por B.B. King.
05. "Sweet Sixteen" (vivo) por B.B. King.
06. "When Love Comes To Town" (vivo) por B.B. King.
07. "Happy" (vivo) por Keith Richards y Chrissie Hynde.
08. "Pond Scum" por Chas Cochran.
09. "¡Qué Mujer!" por Mississippi Blues Band (Argentina).
10. "Dimples" (vivo) por Big Gilson (Brasil).
11. "Boogie-Woogie Blues" por Count Basie.

Informe N° 22 | 02/04/2004
El REY DEL BLUES:
B.B. KING
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El verdadero nombre de B.B. es Riley King. Nació el 16 de septiembre
de 1925 en una plantación algodonera de Itta Bena, Mississippi,
Estados Unidos de América. Su madre falleció cuando él tenía apenas
7 años y fue criado por sus abuelos.

Tuvo en sus manos su primera guitarra a la edad de 14 años. En sus
comienzos cantaba gospels. Como muchos de los músicos de blues, sus
inicios fueron en la iglesia formando parte del coro.

En 1946 se trasladó desde Indianola, donde trabajaba como operario
de tractores, a Memphis, donde se puso en contacto con su primo
Bukka White, importante bluesman de la época, con quien tocó y
aprendió. Estuvo junto a él durante 10 meses para regresar a
Indianola en 1948.

1949 es un año fundamental en la vida de King. Uno de los bluesman
más reconocidos de esos años, Sonny Boy Williamson II, le dio la
oportunidad de interpretar una canción en su programa de radio. B.B.
King gustó a la audiencia y obtuvo su propio espacio de 10 minutos
en la emisora radial.

La "B" doble de su nombre se debe a que primero fue conocido como
Blues Boy King, para luego convertirse en el mundialmente conocido
B.B. King.

Cuenta la leyenda que, por esos años de finales de la década del `40
en un bar donde estaba actuando, hubo una trifulca a causa de una
mujer de nombre Lucille. El escándalo desencadenó un incendio, del
que B.B. King y su guitarra lograron salir sin daño alguno. Ese
evento marcó el bautismo de sus guitarras que adoptaron, desde ese
momento, el nombre de la bella y ardiente mujer: Lucille.

Los músicos que más influyeron es su carrera, conforman una larga
lista que comienza con su primo Bukka White y continúa, por cierto,
con Sonny Boy Williamson II, y se completa con nombres de la talla
de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker, Lowel Fulson y Elmore James.

En 1949 también realizó su primera grabación. Estaba conformada por
cuatro temas que se editaron en dos simples. Poco después, firmó su
primer contrato con una discográfica que lo ligó a ella por el
término de diez años.

En el año 1953 se mudó a Houston, en Texas, a tocar en la banda de
Bill Harvey. Cuando Bill enfermó, B.B. quedó como director. Desde
ese momento, comenzó a realizar giras que hasta hoy perduran. Llegó
a efectuar trescientas actuaciones en un año.

Durante la década del `60 del siglo pasado, logró varios
éxitos: "The Thrill Is Gone", "Sweet Sixteen", "Rock Me Baby" y "Mr.
Blues", para citar sólo algunos.

Una gran cantidad de músicos han admirado y han recibido algún tipo
de influencia de B.B. King. Entre ellos podemos mencionar a Otis
Rush, Albert King, Freddie King, Buddy Guy, The Rolling Stones, Eric
Clapton —con quién editó últimamente un compacto— y su amigo
argentino, Pappo.

B.B. King fue aplaudido en todo el mundo. También se ha ganado el
reconocimiento de muchísimos músicos de todos los géneros. Sin duda
es el más popular músico de blues.

Nota de Prensa | 02/04/2004
"CLUB DE BLUES" PUBLICADO EN "LA TABERNA DEL BLUES"
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Bucaramanga, Colombia.— "Club de Blues", programa radial que se
emite de lunes a viernes de 4 a 5 de la tarde por la Emisora Luis
Carlos Galán Sarmiento, "La Cultural", FM 100.7 de esta ciudad, ha
sido publicado el día 1° de abril de 2004 en el sitio web "La
Taberna del Blues", tanto en su sección "Blues en los Medios",
apartado dedicado al blues en los distintos medios de comunicación,
como en la página principal del sitio.

La Taberna del Blues es uno de los mejores sitios web de blues de
España. Presenta un diseño agradablemente sobrio y de aspecto
profesional. Lo más importante: mucha información.


Referencias
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* Club de Blues: http://www.gruposyahoo.com/group/clubdeblues

* La Taberna del Blues: http://www.tabernablues.com/

Informe N° 21 | 01/04/2004
BLUES, SOUL Y COMEDIA:
THE BLUES BROTHERS
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The Blues Brothers han tenido un comienzo un poco anormal. Todo
empezó con una ficción en pantalla grande, donde recrearon un pasado
ficticio que se confundía con la realidad: muchos de los componentes
de esa mítica banda, habían colaborado con los grandes del sello
Stax en los `60 pero, después de la película, la banda ha rodado por
todo el mundo, haciendo realidad el sentimiento con el que Dan
Aykroyd la creó: llevar el blues y el soul a la cima una vez más.

En 1972, Dan Aykroyd conoce a John Belushi y lo convence para que se
una a él con los Lemmings, una compañía de teatro cómico con la que
recorren el país, haciendo parodias de actualidad, entre las que
destaca una imitación de Joe Cocker que ha pasado a la historia de
la comedia del siglo XX.

El éxito que acompaña a los Lemmings no pasa desapercibido para la
televisión, que en 1975 se concreta en un contrato que la cadena NBC
ofrece a la compañía con la idea de hacer un programa en vivo para
la noche de los sábados. "Saturday Night Live", programa que aún
hoy, después de casi 30 años, se sigue realizando con variaciones en
el elenco y en los libretistas, y que podemos disfrutar en
Latinoamérica todas las noches por Sony Entertainment Television, se
convierte desde ese momento en el punto de mira de productores de
televisión y cine que ven con envidia la facilidad con la que unos
jóvenes muchachos se hacen con el público, mezclando con ironía,
política, actualidad y música.

Danny es, por 1975, un ferviente admirador de los clásicos del
blues, y hace sus bolos tocando la armónica en clubes pequeños con
bandas de aficionados; pero su asignatura pendiente es llevar a John
por el buen camino.

Por esos días, a John sólo le interesaban las bandas de punk y heavy
que abundaban en la zona de Chicago y New York. Pero tras unas
visitas a los clubes que frecuentaba Danny, empieza a interesarse
por los pioneros, con lo que Danny le propone hacer algo para el
programa de televisión, que vendría a mezclar el histrionismo a lo
Cocker de Belushi y el purismo de la armónica de Aykroyd.

Así surge "King Bee" —abeja rey—, un clásico de James Moore, que
interpretan de una manera un tanto especial: disfrazados de abejas.
Pero, al tanto, Danny ya lleva sombrero y gafas negras… ¿Y por qué
van disfrazados de abejas? Una de las secciones del programa de
televisión, que contaba con la colaboración cada semana de un
artista invitado diferente, era la de las abejas, algo que John no
soportaba. Una buena excusa para Danny fue la de encontrar un tema
que llevaba el titulo de "King Bee" para ir desplazando a las abejas
y dar la bienvenida a lo que sería, unos meses más tarde, The Blues
Brothers… Danny interpretaba a Elwood y Belushi a Jake.

Una portada de un disco de John Lee Hooker, facilitó la tarea de
buscar una imagen para la banda: sombrero, gafas y traje negros,
iconos a los que Lorne Michaels, productor del programa Saturday
Night Live, añadió el nombre: The Blues Brothers —Los Hermanos Blues.

Una vez que tuvieron claro que se podrían desenvolver en el
escenario con soltura, surgió una necesidad: conseguir una buena
banda. El trombón de la banda del programa, Tom Malone, sugirió la
posibilidad de contratar a Steve Cropper en guitarra, antiguo
integrante de la Booker T & The MG's y músico sesionista de la Stax,
cosa que entusiasmó a Danny. Junto a él llegó Donald Dunn en bajo, y
esto atrajo a otros músicos de categoría que no dudaron en unirse a
la banda.

Para el primer tema que interpretaron en el programa del 22 de abril
de 1978, "I Don't Know", ya estaban Alan Rubin en trompeta, Lou
Marini en saxo y Paul Shaffer en teclados, parte integrante de la
banda hasta nuestros días. El 18 de noviembre del mismo año, Matt
Murphy en guitarra, Steve Jordan en batería y Tom Scott en saxo,
colaborarían en la grabación de "Soul Man". Al mes siguiente,
durante el show de presentación en el Universal Amphitheatre de Los
Angeles del espectáculo del actor Steve Martin, grabaron la
actuación en vivo que se convertiría en la piedra filosofal del
blues de los `80, "Briefcase Full Of Blues", reconocido por todos
como el álbum que ha devuelto al soul y al blues al lugar que se
merecen.

Cuando se acercaba la navidad de 1978, y aprovechando el tirón
comercial de la edición del primer álbum y el del nombre de Belushi,
que ya era un mito por su papel de Bluto en National Lampoon's
Animal House, Bill Graham, el mítico promotor de conciertos que
estaba al cargo de la organización del concierto de año nuevo en el
Winterland Colisseum, que aprovechaba ese concierto para cerrar sus
puertas definitivamente, tras una larga saga de grandes conciertos
de rock, reclamó a The Blues Brothers para compartir cartel con
Grateful Dead y Jefferson Starship. A pesar que hacía algunos meses
que los miembros de la banda no tocaban juntos y que ni Elwood ni
Jake habían ensayado, la cosa tuvo una respuesta en el público muy
potente.

Después del éxito del disco, la banda compaginó actuaciones en vivo
con las del programa, mientras Danny daba forma al guión de lo que
sería una película tributo a todos aquellos músicos que disfrutaron
de 3 ó 4 años de gloria a finales de los `60.

Cuando presentó el primer proyecto del film The Blues Brothers al
director John Landis, el guión tenía más del doble de las páginas
habituales para una película de dos horas de duración. El hecho de
contar en la banda con míticos músicos de la Stax, favoreció que
artistas de los `60 colaboraran abiertamente en el proyecto, como
cantantes y como actores: Aretha Franklin interpretando a Mrs.
Murphy, Ray Charles interpretando a Uncle Ray, James Brown
interpretando al Reverendo Cleophus James, Cab Callaway
interpretando a Curtis, y el mismo John Lee Hooker interpretando a
un músico callejero. La película de 1980 fue conocida en algunos
países de Latinoamérica con el ridículo título de "Los Hermanos
Caradura". Se trata de una comedia donde los hermanos Jake y Elwood
Blues sufren la persecución de la policía, una novia abandonada y
hasta un grupo neo-nazi. El film tiene una gran cuota soul, blues y
hasta una pizca de rock & roll, y se ha convertido en una película
de culto para los seguidores de estos estilos musicales.

Gracias a todo esto, la banda sonora de la película no podía ser
menos que una obra maestra y así fue: un disco que aún hoy se vende
con facilidad, 20 años después de su aparición, cosa que sólo han
conseguido Pink Floyd, The Beatles, Michael Jackson y pocos más, con
el añadido que ni Dan ni John eran profesionales de la música…

Cuando el 5 de marzo se 1982, John Belushi apareció muerto en un
bungalow de Los Angeles, la banda ya no era más que el recuerdo de
la película y algunas actuaciones desastrosas, donde Belushi daba
rienda suelta a sus acrobacias de saltimbanqui y sus instintos más
autodestructivos.

Danny dejó estacionado el tema y los componentes de la banda
siguieron sus carreras, bien como músicos de acompañamiento, o bien
como componentes de la Saturday Night Live Band, con la que grabaron
un disco que prácticamente no tiene nada que ver con la etapa Blues
Brothers, pues dicho disco incluye la sintonía del programa y temas
funky que era lo que se oía por entonces en las radios comerciales.

En 1988, seis años después de la muerte de Belushi y con motivo de
la celebración del cuadragésimo aniversario de Atlantic Records,
Danny retomaría la banda con muy pocos cambios —Danny Gottlieb en
batería y Leon Pendarvis en teclados—, y junto con Sam Moore —
integrante del mítico dúo Sam & Dave—, Wilson Pickett y Phil
Collins, actuaron en el Madison Square Garden de New York.

El éxito de la reunión sería tal que, poco después, Steve Cropper
decidió empezar una serie de conciertos por todo el mundo. Uno de
ellos, grabado en Montreux, fue grabado y editado en forma de LP y
video.

El esperado retorno de The Blues Brothers al cine tiene lugar en
1997 con la participación de John Goodman y muchos de los
participantes de la primera película, más Eddie Floyd, Wilson
Picket, Blues Traveler, Lonnie Brooks y un aún desconocido Jonny
Lang, del que seguro oiremos hablar mucho en adelante.

Informe N° 20 | 31/03/2004
HOWLIN' WOLF
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Howlin' Wolf nació bajo el nombre de Chester Burnett el 10 de junio
de 1910 en West Point, Mississippi, Estados Unidos de América.

Sus padres trabajaban en una plantación de Rullesville que se
encontraba cercana a la de Will Dockery donde residía otro símbolo
del blues: Charlie Patton. Precisamente fue Patton quien enseñó a
Burnett a tocar la guitarra con el estilo del Delta.

Su primera experiencia musical fue la de cantar los domingos en la
iglesia bautista.

La contextura física de Howlin' Wolf era imponente. Llegó a medir
1,90 metros y a pesar 143 kilos.

Siendo muy joven se unió a otra leyenda del blues, Robert Johnson,
para recorrer el Delta, también acompañados por Rice Miller, quien
fuera por un tiempo su cuñado y además quién le enseñó a tocar la
armónica. Miller es quien más tarde adoptaría el nombre do Sonny Boy
Williamson II.

Compartió su atracción por la música con las labores en el campo de
la familia, hasta que en 1941 se alistó en las Fuerzas Armadas.
Luego de la Segunda Guerra Mundial, retornó a las tareas en el campo.

En 1948 formó una banda en West Memphis. Seguidamente, trabajó como
DJ y artista que actuaba en vivo en la emisora KWEM. En esta emisora
comenzó a ser conocido como Howlin' Wolf. Adoptó varios
sobrenombres, pero fue éste el que perduró y con el que se hizo
conocido.

Sam Phillips, quien fue el "descubridor" de Elvis, era DJ y
productor. Hizo grabar a B.B. King en 1950 y al año siguiente a
Howlin' Wolf.

Hacia 1952, Wolf pasó a la ciudad de Chicago para convertirse, en
muy poco tiempo, en una de las figuras más características del blues
de Chicago, junto a Muddy Waters.

Howlin' Wolf se hizo conocido con el tema "Moanin' At Midnight". El
sencillo de este tema, grabado para Chess, alcanzó a vender 60.000
copias. En 1960 grabó un tema de Willie Dixon de gran
repercusión: "Wang Dang Doodle".

El éxito de Howlin' Wolf hizo que durante 18 meses dos grabadoras
estuvieran disputándoselo, Chess y RPM. Al final, Wolf quedó con
Chess.

The Rolling Stones mostraron una gran admiración por Wolf. En 1964
hicieron una versión de Little Red Rooster y en 1965 se presentaron
junto a él en un programa de televisión.

Howlin' Wolf murió víctima del cáncer en 1976. Ingresó en el Rock
And Roll Hall Fame en 1991 como una de la figuras que más influyó en
los músicos del rock.