Informe N° 19 | 30/03/2004
EL CHICO PSICODÉLICO Y VUDÚ:
JIMI HENDRIX
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Hendrix, considerado como uno de los mejores guitarristas de la
historia del rock, nació en la ciudad de Seattle, la capital del
Estado de Washington, al noroeste de Estados Unidos de América, en
1942, y su verdadero nombre era James Marshall Hendrix. Vivió su
infancia con su abuela y con su padre, tras la separación de sus
progenitores.

Cuando tenía diecisiete años, su padre le compró su primera guitarra
eléctrica. Como era zurdo, tuvo que adaptar las cuerdas de forma que
le resultara más fácil tocar.

Empezó a destacar como un virtuoso de la guitarra, pero se vio
obligado a abandonar la escuela para ayudar a su padre en el trabajo
y, finalmente, se alistó en el ejército, donde conoció a Billy Cox.
En 1961, los dos amigos comenzaron a colaborar con varias bandas de
rhythm & blues, recorriendo muchas ciudades a lo largo de los
Estados Unidos de América. Entre estas bandas se encontraban
artistas de la talla de Sam Cooke, Ike & Tina Turner o The Isley
Brothers.

En 1966, marchó a Gran Bretaña y uno de los miembros de The Animals,
Chas Chandler, se fijó en él y llegaron a un acuerdo para ser su
manager. Juntos, crearon el grupo The Jimi Hendrix Experience, trío
del que también formaban parte Mitch Mitchell y Noel Redding, y con
el que grabaron cuatro álbumes y un montón de recopilaciones y
discos en directo. El grupo debutó en París en 1966 y realizó giras
por numerosos clubes del continente europeo, así como de Gran
Bretaña (1966-1967). Tuvieron un éxito inmediato y canciones
como "Hey, Joe", "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary" se situaron
en los primeros puestos de las listas de éxitos británicas.

A su regreso a los Estados Unidos, Hendrix actuó en el Festival
Internacional de Música Pop de Monterey, en 1967, donde
interpretó "Wild Thing".

El largometraje Woodstock, de 1970, recoge su participación en el
famoso festival de música de 1969. Su estilo, con sugerentes giros
melódicos, ritmos enérgicos y sonido amplificado, así como su
costumbre de romper las guitarras que utilizaba en los conciertos,
convirtieron sus actuaciones en espectáculos polémicos y enormemente
populares. Su versión de "The Star Spangled Banner", el himno
nacional estadounidense, en la que tocaba la guitarra con los
dientes, se convirtió en una leyenda. Uno de sus momentos cumbres lo
vivió durante dicho concierto, cuando le prendió fuego a su
guitarra, arrodillándose ante ella y levantando los brazos como si
estuviera en trance ritual vudú.

Las presiones de las giras y las actuaciones llevaron a Jimi Hendrix
a utilizar drogas y estimulantes para mantener su nivel en los
conciertos. En 1969 la banda se disolvió y Hendrix comenzó a tocar
en solitario, pero sólo fue hasta el 18 de septiembre de 1970, el
día en que falleció en la ciudad de Londres víctima de asfixia
debido a los efectos de la heroína. La muerte lo encontró trabajando
en el que sería su quinto álbum, "First Rays of The New Rising Sun".

Sus discos más vendidos incluyen "Are You Experienced?" de
1967, "Axis Bold As Love" de 1967 y "Electric Ladyland" de 1968.

Informe N° 18 | 29/03/2004
EL REY DE LA ARMÓNICA:
SONNY BOY WILLIAMSON II
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Sonny Boy nació hacia finales del siglo XIX en Glendora,
Mississippi, Estados Unidos de América. Nunca se llegó a saber su
edad, lo que indica que no se sabe a ciencia cierta su fecha de
nacimiento. Su verdadero nombre era Aleck Miller y su apodo "Rice" —
"arroz" en inglés—, pero como veremos a lo largo de su carrera
musical adoptó otros nombres.

Comenzó a tocar la armónica interpretando temas religiosos. Trabajó
como granjero y vivió con su madre y padrastro hasta los treinta
años, donde una disputa familiar lo hizo dejar su casa y a la vez
comenzar su carrera musical.

Se sabe muy poco de su vida anterior a 1941. Sólo se conoce que en
los años treinta recorrió el sur tocando en compañía de otros
grandes del blues como Elmore James, Robert Johnson o Howlin' Wolf.

Vivió sin un trabajo fijo y muchas veces se ganaba el sustento
tocando la armónica en la calle y solicitando algunas monedas por su
arte. El destino lo hizo encontrar con otro músico, Junior Lockwood,
cuando en 1941 ambos tocaban en las calles de Helena, Arkansas.

Pero su suerte comenzó a cambiar cuando ambos le propusieron al
dueño de una emisora radial de Helena, un intercambio ventajoso para
ambas partes. Miller y Lockwood tocarían gratis todos los días y, a
cambio, se les permitiría publicitar los conciertos que ellos
realizaban por la región.

La primera emisión del programa fue el 19 de noviembre de 1941.
Tenía una duración de 15 minutos y, en poco tiempo, alcanzó una gran
repercusión. Hasta habían conseguido como auspiciante a una marca de
harinas. Lockwood tocaba la guitarra y Miller la armónica; luego
incorporaron a un baterista y a un pianista.

Rice Miller adoptó varios apodos en su carrera. En un tiempo "Little
Boy Blue", que era el nombre de un tema de gran repercusión en las
décadas de 1930 y 1940 del músico John Lee Williamson, conocido como
Sonny Boy Williamson. El primer Sonny Boy era de Jackson, Tenessee.
Tuvo una exitosa carrera discográfica en el blues de Chicago tocando
la armónica y cantando, pero lamentablemente fue asesinado en 1948
durante un robo después de actuar en un club. Luego de su muerte,
Rice Miller adoptó su nombre.

El segundo Sonny Boy no podía permanecer mucho tiempo en un mismo
lugar y en 1944 decidió viajar por el sur de los Estados Unidos de
América. Durante un tiempo estuvo acompañando al Maestro Elmore
James, tocando con él en su primera grabación. El tema fue "Dust My
Broom".

En 1948 tenía programas radiales donde, además de tocar y presentar
nuevos músicos, publicitaba medicinas. En su programa hizo la
presentación un joven guitarrista al que más adelante se lo conoció
con el nombre de B.B. King.

Cuando en 1951 grabó para el sello Trumpet, ya contaba con más de 50
años. En 1955, el mítico sello Chess compró el contrato que tenía
con su anterior sello grabador. A partir de este cambio, comenzó a
moverse dentro del ambiente del blues de Chicago, donde volvió a
reencontrase con su amigo Lockwood.

Su mayor éxito discográfico lo tuvo en 1955 con el tema "Don't Start
Me To Talkin'".

En 1963 tuvo un importante reconocimiento profesional en una gira
realizada en Europa. En Inglaterra fue recibido con entusiasmo por
los jóvenes que estaban revalorizando el blues. Tanto The Animals
como los Yardbirds actuaron con Sonny Boy. En Copenhague grabó junto
al pianista Memphis Slim y el guitarrista Matt Murphy.

Entre paréntesis digamos que, por lo general, Europa supo tratar de
mejor manera a los músicos del blues que los propios Estados Unidos
de América. Al llegar al viejo continente, músicos que en muchos
lugares de los Estados Unidos eran desconocidos eran tratados como
auténticas figuras.

Sonny Boy Williamson II era de una personalidad muy controvertida.
Fue excéntrico e irascible; sus letras mostraban su carácter
estrafalario. Cierta vez, un locutor con mucha ironía, dijo a manera
de elogio: "Nunca trató de apuñalar a nadie, que yo sepa".

Falleció en Arkansas el 25 de mayo de 1965. Para muchos fue "El Rey
de la Armónica". Sus programas de radio hicieron mucho en la
difusión del blues.

LISTA DE TEMAS | "CLUB DE BLUES"
SEMANA DEL 22/03/2004 AL 26/03/2004
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Lunes 22/03/2004
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01. "Keep On Running" por Spencer Davis Group.
02. "The Boogie-Woogie Banjo Man From Birmingham" por Stan Freberg.
03. "Crossroads Blues" por Robert Johnson.
04. "Dimples" por John Lee Hooker.
05. "Stewball" por Memphis Slim.
06. "3 O'Clock In The Morning Blues" por Ike & Tina Turner.
07. "Baby Please Don't Go" por Muddy Waters.
08. 12 String Guitar Solo por Stevie Ray Vaughan.
09. "It Hurts Me Too" por Buddy Guy y Junior Wells.
10. "Blue Tail Fly" por Leadbelly.
11. "Cementerio Club" por Pescado Rabioso (Argentina).
12. "Mustang Sally" por Buddy Guy y Jeff Beck.
13. "Just A Little On The Shy Side" por Steve Rowe.
14. "Sleigh Ride" por The Brian Setzer Orchestra.
15. "A Shot Of Rhythm & Blues" por The Beatles.
16. "Blue Suede Shoes" por Albert King.
17. "Boogie Man" por Freddie King.
18. "How Blue Can You Get?" por B.B. King.
19. "Me And My Gin" por Bessie Smith.
20. "Easy To Remember" por Billie Holiday.
21. "I Got To Make A Change Blues" por Memphis Minnie.
22. "Around And Around" por The Rolling Stones.
23. "How I Wish" por Keith Richards.
24. "Worry No More" por Ron Wood.
25. "Un Viejo Blues" por Pappo (Argentina).
26. "Otra Vez" por Botafogo (Argentina).
27. "Estepario" por Memphis, La Blusera (Argentina).
28. Medley: "Amazing Grace" / "Hi Heel Sneakers" por Janis Joplin &
     Big Brother And The Holding Company.
29. "Angel" por Jimi Hendrix.


Martes 23/03/2004
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01. "Part Time Love" por Luther Allison.
02. "Angel Of Mercy" por Albert King.
03. "Howlin' For My Darlin'" por Albert King.
04. "Crosscut Saw" por Albert King.
05. "California" por Albert King.
06. "Blue Suede Shoes" por Albert King.
07. "How Blue Can You Get?" por B.B. King y Albert King.
08. "I Love Lucy" por Albert King.
09. "Wild Woman" por Albert King.
10. "Run Eyed Blues" por Ben Harper.
11. "Buenas Noches" por Borbotones Blues Band (Chile).
12. "Big Old Freight Train" por Chas Cochran.


Miércoles 24/03/2004
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01. "Boogie-Woogie Flu" por Johnny Rivers.
02. "Bad Case Of Loving You" por Koko Taylor.
03. "Wang Dang Doodle" por Koko Taylor.
04. "Hey Bartender" por Koko Taylor y The Blues Brothers Band.
05. "But On The Other Hand" por Koko Taylor.
06. "Right Back Jack" por Chas Cochran.
07. "Hometown Blues" por Alternativa Dawson (España).
08. "Completamente Nervioso" por Botafogo (Argentina).
09. "¿Cuántas Veces Te Lo Dije?" por Mammy Blues (Argentina).
10. "Eu Mesma" por Mojo Express (Brasil).
11: "Blues Magic" por Vargas Blues Band (España).
12. "Sauselito 1 PM" por The Legendary Tiger Man (Portugal).
13. "St. James Infirmary" por Bobby 'Blue' Bland.
14. "Lucille" por Little Richard.


Jueves 25/03/2004
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01. "Boom Boom" por John Lee Hooker y The Blues Brothers Band.
02. "Blues Local" por Pappo (Argentina).
03. "Sube A Mi Voituré" por Riff (Argentina).
04. "Un Viejo Blues" por Pappo (Argentina).
05. "River Boogie-Woogie" por Jools Holland.
06. "Stormy Monday Blues" por Buddy Guy.
07. "Too Blue To Be True" por Chas Cochran.
08. "Felipinho E Seu Amigo Jack" por Mojo Express (Brasil).
09. "I Pity The Fool" por B.B. King y Buddy Guy.
10. "Mess Around" por John Mayall & Bluesbreakers.
11. "She Caught The KT" por The Blues Brothers.
12. "Boogie-Woogie Flu" por Johnny Rivers.


Viernes 26/03/2004
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01. "Sweet Home Chicago" por Luther Allison.
02. "Boogie-Woogie Rag" por Jellyroll Morton.
03. "The Boogie-Woogie Banjo Man From Birmingham" por Stan Freberg.
04. "Boogie-Woogie Came To Town" por Louis Jordan.
05. "Boogie-Woogie" por Tommy Dorsey.
06. "Boogie-Woogie Bugle Boy" por Andrews Sisters.
07. "Boogie-Woogie Roll" por The Drifters.
08. "Boogie-Woogie Choo Choo Train" por The Tractors.
09. "Big D Boogie-Woogie" por The Reverend Horton Heat.
10. "Sleigh Ride" por The Brian Setzer Orchestra.
11. "River Boogie-Woogie" por Jools Holland.
12. "The Sky Is Crying" por Stevie Ray Vaughan.
13. "Angelitos Culones" por Memphis, La Blusera (Argentina).

Informe N° 17 | 26/03/2004
BOOGIE-WOOGIE
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La aparición del boogie-woogie está condicionada por factores
sociales que marcaron su nacimiento, si bien con incierta exactitud.
La creación del ragtime a finales del siglo XIX, base del jazz y
música en un principio originada para piano, es también la base del
boogie-woogie.

Su manifestación sobre la segunda década del siglo XX viene unida a
la aparición de honky tonks y barrell houses que tenían en el piano
su único modo de diversión. La aparición también de los "rental
parties", que eran fiestas que se organizaban en pisos en los cuales
por un módico precio, te incluían la bebida, comida y un poco de
buena música que era provista gracias a los pianos, y que con sus
beneficios, los inquilinos pagaban el alquiler de sus casas. Este
tipo de fiestas en la ciudad de Chicago fueron conocidas
como "boogies".

Otro de los factores determinantes fue el tren. En la Primera Guerra
Mundial, muchos trabajadores emigraron hacia las ciudades del norte,
en concreto a Chicago, para lo cual se crearon una serie de trenes
habilitados para que albergaran a los trabajadores en sus viajes de
visita a sus parientes. Muchos de estos vagones incluyeron en su
interior pianos. Estos trenes fueron bautizados como "honky tonk
trains". Así pues, la música se fue extendiendo por todas las
ciudades donde estos trenes paraban.

La importancia del boogie-woogie, radica en la mano izquierda que va
marcando un ritmo constante llamado "eight-to-the-bar", y con el
cual sus intérpretes podían dejar su mano derecha libre para poder
beber o comer sin dejar que la música sonara.

Hacia mediados de los `20, las compañías discográficas empezaron a
poner interés en estos artistas y, en 1928, Pine Top Smith grabó
para Vocalion el primer tema con la palabra "boogie": "Pine Top's
Boogie-Woogie". De todas formas, un año antes Meade Lux Lewis, en
diciembre de 1927, grabó para el sello Paramount "Honky Tonk Train
Blues", en donde muestra un estilo de boogie muy depurado.

Pero no sería hasta 1938 de la mano de John Hammond y su
espectáculo "From Spirituals To Swing" junto a los artistas que más
tarde serían conocidos como "The Boogie-Woogie Trio", Meade Lux
Lewis, Albert Ammons y Pete Johnson, que el boogie se extendería
como una fiebre por todo el país, en lo que se dio a conocer como
la "Boogie Craze". A partir de entonces, todos los artistas del país
incluían algún boogie en su repertorio, como Count Basie
con "Basie's Boogie" o Tommy Dorsey con "Boogie-Woogie".

También, los letristas de Tin Pan Alley, Don Raye y Hughie Prince,
bombardearon con una serie de temas todos en clave de boogie: "Scrub
Me Mama With A Boogie Beat", "Rhumboogie" y "Boogie-Woogie Bugle
Boy", entre otros. Este equipo de letristas estaba asociado a la
publicadora Leeds Music, la cual proporcionó al recién inaugurado
sello Capitol su primer éxito en 1942, "Cow Cow Boogie", para
Freddie Slack y Ella Mae Morse y también les proporcionaría "Mr.
Five By Five".

La "Boogie Craze", esta especie de gran fiebre del boogie-woogie,
influyó fuertemente en sellos como Modern, que publicó su primer
disco "Swingin' The Boogie" de Hadda Brooks en 1945.

Después de la Segunda Guerra Mundial, su poder era tal que hasta los
artistas de country crearon su peculiar manera de interpretarlo de
la mano de artistas de la talla de Merle Travis, Hank Penny, Delmore
Brothers o Bob Wills, en lo que sería el "country boogie".

Informe N° 16 | 25/03/2004
PAPPO
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Norberto "Pappo" Napolitano, "el Carpo" para sus admiradores, nacido
el 10 de marzo de 1950, es, para muchos, uno de los padres del rock
y el blues en Argentina.

Integró una cantidad de enorme de grupos, la mayoría de los cuales
son fundamentales en la historia del rock y del blues argentino y
latinoamericano. Por nombrar algunos: Los Abuelos de la Nada, Manal —
el conjunto que introdujo el blues en Argentina—, Conexión N° 5, Los
Gatos, La Pesada del Rock & Roll.

En 1970 formó su primera banda reconocida, Pappo's Blues, la cual se
transformó en otro icono del blues del Río de la Plata. Por sus
distintas formaciones han pasado grandes músicos, como David Lebón,
Black Amaya, Macchi, Pomo, Alejandro Medina, Isa Portugheis, Eduardo
Garbagnatti, Eduardo Beaudoux y Darío Fernandez.

Con la separación de Pappo's Blues, viaja a São Paulo, donde se
forma el trío Aeroblues, que tenía como integrantes a Alejandro
Medina, el bajista del también disuelto Manal, y al brasileño
Castello Junior en la batería.

Pappo viajaba constantemente a Europa y a los Estados Unidos de
América. En Inglaterra pudo tocar durante seis meses con el Maestro
Peter Green, quien quedó impresionado cuando Pappo hacía una de sus
interminables zapadas junto a su amigo Lemmy Kilmister, el bajista y
líder de Mötörhead. Lo tomó para su propio reemplazo, pues Green ya
no podía tocar la guitarra. Cabe mencionar que, de no haber tocado
para Peter Green, lo más probable es que Pappo hubiera integrado
Mötörhead, pues sobre dicha posibilidad estaban hablando con Lemmy…

En 1980 y de vuelta en Buenos Aires, armó Riff, donde incursionó en
el heavy metal, aunque también han hecho algún que otro blues.

En 1992 hizo el disco "Blues Local", que obtuvo una magnífica
repercusión del público, no sólo de la gente del blues. En este
álbum incorporó el clásico de Manal "Una Casa Con 10 Pinos", con la
participación de los integrantes del grupo Javier Martínez y
Alejandro Medina. En el disco participaron Botafogo, Black Amaya,
Luis Robinson y Pato Frasca.

Acompañante obligado de B.B. King cada vez que "El Rey" pisa Buenos
Aires. Hasta se dio el gusto de tocar con él en el Madison Square
Garden de New York. Por lo que le oí contar al mismísimo Pappo, se
conocieron cuando su banda hacía de soporte B.B. en el Estadio Obras
de Buenos Aires, a lleno total. King viene en una limusina y, ya
llegando a Obras, se empieza a escuchar el tema "Blues Local". B.B.
está acostumbrado a que siempre pare la limusina, que alguien le
abra la puerta, después mira la banda así nomás, escucha un segundo
y se mete en el camarín. Pero acá, cuando paró la limusina se bajó,
entró a bailar, y se golpeaba en el pecho y decía, en inglés, por
supuesto: "¿Quién es este tipo? Quiero que toque conmigo", y se fue
para adentro, dejando la orden. Pappo no tenía ni idea de esto,
nadie le dijo nada. Terminó de tocar, se desnudó y se tiró en la
piscina de los basquetbolistas que hay en el vestuario; entonces, al
rato lo llamó un asistente y le dijo: "Carpo, te está llamando el
negro del escenario, vestite, apurate". Tenía mojados los pantalones
de cuero y no se los podía subir; se puso una camiseta y subió al
escenario con medio trasero al aire, y al segundo paso que dio el
pantalón hizo "plic" y subió, y ahí le dio la mano a B.B. King y le
dijo: "Nice to meet you, sir; thank you", y se iba. B.B. empezó a
pedir que le dieran una guitarra; Pappo pensó: "¿Qué le pasa a
éste?". Empezó a tocar y no se dio cuenta: estaba ahí arriba. El
público empezó a gritar su nombre. El que menos se imaginó que iba a
estar ahí fue Pappo, que lo agarraron con los lienzos bajos, como
decimos en Argentina… Terminó el concierto, se abrazaron todos
llorando, emocionados, y B. B. King le dijo "Tenés que venir a tocar
a New York conmigo".

Por otro lado, cuenta la leyenda popular que, al otro día del
mencionado suceso, Pappo se acercó hasta el Buenos Aires Sheratton
Hotel, lugar en el cual se encontraba hospedado B.B. King. No quería
ir con las manos vacías y no se le ocurría qué llevarle al Maestro.
Entonces, vio uno de las típicas vinerías porteñas y decidió
llevarle un buen vino tinto autóctono. Claro que, por una cuestión
de cortesía, uno no regala una botella de vino sin que esté
acompañada por algo más, razón por la cual decidió comprar una horma
de queso. Y así golpeó a la puerta de la habitación de B.B., con una
botella de vino y una horma de queso enorme bajo el brazo. Cuando
King abre la puerta, se encuentra con esa escena… A partir de ese
momento, B.B. King llama a Pappo con el sobrenombre de Mr.
Cheeseman, algo así como "El Señor del Queso".

En 1995 regresó con Pappo's Blues para editar el último álbum de la
banda que se llamó "Caso Cerrado".

En 2000 edita un álbum integrado por dos compactos con los viejos
temas de Pappo's Blues con el acompañamiento de grandes figuras del
rock y el blues local. Este trabajo se llama "Pappo & Amigos".

Informe N° 15 | 24/03/2004
LA REINA DEL BLUES:
KOKO TAYLOR
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Koko nació en una granja de Memphis, Tennessee, Estados Unidos de
América. Desde muy chica se interesó por la música a partir de la
que escuchaba en la Iglesia y la que llegaba desde el receptor de la
radio.

Su familia alentaba su gusto por la música gospel pero no veía de
igual manera sus simpatías por el blues. No obstante, siendo muy
joven había podido escuchar a músicos de blues de gran jerarquía,
dedicando especial atención a las mujeres, que por aquellos años
eran varias las que interpretaban blues. Las que más influyeron en
Koko fueron Big Mama Thornton y Bessie Smith, pero también jugaron
su papel los masculinos Muddy Waters, Sonny Boy Williamson y Howlin'
Wolf.

A los 18 años de edad, junto al que después sería su esposo,
Robert "Pops" Taylor, deciden mudarse a Chicago a buscar nuevos y
mejores rumbos. Durante el día se dedicaban a trabajar limpiando
casas de familias adineradas y por las noches visitaban los clubes
de blues, donde pudieron conocer a los grandes intérpretes. No pasó
mucho tiempo y Koko ya estuvo subiéndose a los escenarios
acompañando a otros músicos.

En 1962 y con la ayuda de Willie Dixon, quien quedó admirado con sus
actuaciones, Koko Tayor consiguió un contrato con la compañía
musical Chess.

En Chess consiguió su primer éxito en 1965, con el tema "Wang Dang
Doodle", del que se vendieron millones de copias y hoy configura uno
de los clásicos del blues. Por esos años, Koko fue considerada por
muchos críticos como la principal figura femenina del mundo del
blues. De ahí surgió que se la conociera como "The Queen of the
Blues" —"La Reina del Blues".

En 1972 formó su propia banda, la "Blues Machine". En 1975, luego
del cierre del sello discográfico Chess, Koko pasó a formar parte
del elenco de la grabadora especializada en blues Alligator Records.
Desde esa fecha grabó seis álbumes para este sello.

Koko Taylor recibió 14 veces el premio W.C. Handy Award, el premio
que se entrega a los músicos del blues. En 1984 ganó el Grammy. Otro
de los homenajes de que fue objeto se produjo en 1993, cuando el
Alcalde de Chicago le entregó el premio a la "Leyenda del Año".

Pero su actividad no se limitó a la música, pues también tuvo
actuaciones en el cine y en la televisión. Actuó en la
película "Wild At Heart" del director David Lynch, en la cual
interpretó, como no podía ser de otra manera, a una cantante.
También se interpretó a sí misma en la serie policial "New York
Undercover". Además intervino, aunque sólo cantando una canción —el
clásico "Hey Bartender"— junto a un elenco multiestelar, en la
película "Blues Brothers 2000".

Pero la tarea que mejor y con más empeño realiza Koko Taylor, es la
de participar en infinidad de conciertos: se estima que normalmente
participa en uno 200 conciertos al año.

El blues, que en sus comienzos ha tenido una gran cantidad de
mujeres que hicieron aportes significativos a su desarrollo, cuenta
en la actualidad con un muy reducido número de ellas que se dedican
a la actividad, especialmente a partir de 1999 con el fallecimiento
de otra grande, Katie Webster. Por eso los logros de Koko Taylor
resaltan particularmente una personalidad que impide que los
obstáculos de la vida no le dejen avanzar. Ella ha reconocido lo
difícil de transitar este camino, en esta frase: "Es un reto. Es
duro estar aquí haciendo lo que yo hago en lo que llaman un mundo de
hombres. No todas las mujeres pueden hacer lo que estoy haciendo hoy
en día".

Informe N° 14 | 23/03/2004
ALBERT KING
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El verdadero nombre de King era Albert Nelson. Nació en una
plantación el 25 de abril de 1923 en Indianola, Mississipi, Estados
Unidos de América. Tuvo 12 hermanos, algunos  de los cuales
integraban un coro de gospel del cual Albert también formó parte.
Hijo de Mary Blevins, quien cantaba en la iglesia, y de Will Nelson,
un predicador que abandonó a su numerosa familia cuando Albert tenía
cinco años de edad.

King creció en una granja en Forest City, Arkansas, donde su familia
se estableció por el año 1931. Allí fue donde comenzó a tocar blues
con guitarras rudimentarias que construía el mismo, hasta que en
1939 pudo conseguir su primera guitarra acústica, con la que trataba
de imitar a su ídolo, T-Bone Walker. Era zurdo y tocaba con la
guitarra al revés, pues en esa época aún no había guitarras para
zurdos. Tras la jornada laboral, Albert merodeaba por clubes y
roadhouses, aunque con su corta edad constituía un obstáculo para
poder acercarse a los grandes del blues.

El primer grupo musical que integró en la guitarra rítmica se llamó
Yancey's Band. En 1948, viviendo en Osceola, donde formó su primer
grupo, In The Groove Boys, se cambió el nombre por el de Albert
King. Luego se mudó a South Bend, Indiana, en donde formó parte,
entre 1949 y 1951, de los Harmony Boys, que era un grupo de gospel.

Como otros músicos emigró al norte en busca de fama. Sus primeros
pasos en Chicago los recorrió como baterista de Jimmy Reed y,
posteriormente, como músico de sesión para diversos artistas como
Jackie Wilson, Brook Benton o Earl Hooker, deambulando por distintos
estados. En diciembre de 1953 grabó en Chicago sus primeros cinco
temas, editando dos de ellos en un single para el sello Parrot: "Bad
Luck Blues" y "Be On Your Merry Way", con nula repercusión como
resultado. Desencantado volvió a Osceola, donde reflotó su antigua
banda y alternaba el trabajo de día con actuaciones nocturnas.

A finales de los años 50 se instaló en Saint Louis y comenzó a
grabar para el sello Bobbin una serie de temas que fueron adquiridos
más tarde por la casa King para conformar el que sería su primer
LP, "The Big Blues". En 1959 obtuvo cierto éxito con el tema "I'm A
Lonely Man" y en 1961 con "Don't Throw Your Love On Me So Strong",
tema que supuso en 1964 su primer éxito en las listas.

En 1966 volvió a cambiar de sello grabador. Esta vez firmó para Stax
en la ciudad de Memphis, que fue en el sello que lo hizo masivamente
conocido. Stax fue también responsable del ascenso de Otis Redding,
Rufus Thomas, Booker T. & The M.G.'s y tantos otros. Sus primeras
grabaciones obtuvieron un total respaldo del público y canciones
como "Laundromat Blues", "Crosscut Saw" y "Oh Pretty Woman", en la
que está acompañado por toda la banda de Booker T., los Bar-Kays, y
los Mar-Keys, escalaban por las listas en 1966 y le crea una
reputación que se consolidó al año siguiente con el tema y el
LP "Born Under a Bad Sign".

En 1968, instalado en San Francisco, Estado de California, grabó un
directo en el prestigioso Filmore, el disco "Live Wire/Blues Power",
considerado como uno de los mejores trabajos de su carrera. Este
registro es parte de su actuación en el importante festival Filmore
West Concert.

El disco que seguiría es "King Does The King's Things", un disco
para los aficionados al rock, en el que revisa nueve temas del
repertorio de Elvis Presley. Luego vendrían: "Years Go By" (1969),
en el que retomó el blues añadiéndole gotas de soul y de
funk; "Lovejoy" (1971); "I Play The Blues For You" (1972); y "I
Wanna Get Funky" (1972), con la ayuda de Isaac Hayes, para contentar
un mercado que se estaba olvidando del blues y comenzando a
disfrutar nuevas tendencias.

Cuando el sello Stax se vio envuelto en un juicio por estafa, King
fichó para Utopia Records en 1976 y grabó "Albert", un disco lleno
de concesiones comerciales y arreglos excesivamente elaborados. Al
año siguiente editó "King Albert", un LP de música disco y en
1978 "New Orleans Heat", producido por Allan Toussanit. Sus directos
seguían siendo ejemplares, pero sus discos de estudio intentaban
complacer los gustos imperantes y le impedían mostrar todo su
poderío. En esa época, dos sellos compraron los derechos de sus
grabaciones para rebuscar en los archivos y publicar sus mejores
momentos desechados: el sello británico Charley compró Tomato y el
sello californiano Fantasy adquirió Stax. Entre todo el material
inédito, se encontraron electrizantes momentos en los que tocaba
acompañado de John Lee Hooker o John Mayall.

Para Fantasy Records, grabó temas que tuvieron cierta repercusión,
como "San Francisco `83" y "I'm In A Phone Booth, Baby", una canción
escrita para él por el Maestro Robert Cray.

Entre los temas más conocidos de su repertorio podemos citar a "Born
Under A Bad Sign", "Laudromat Blues", "Blues Power", "Crosscut
Saw", "Personal Manager", "The Hunter" y "I'll Play The Blues For
You".

Entre los bluseros que más influenciaron en su estilo musical
estuvieron Blind Lemon Jefferson, Sonny Boy Williamson, T-Bone
Walker y Lonnie Johnson. Albert King, a su vez, influenció en toda
una generación de guitarristas, como Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff
Beck. También a Stevie Ray Vaughan, con el que grabó un disco e
hicieron juntos algunas presentaciones.

Albert King lideró, junto a otros músicos del estilo, el resurgir
del blues y su influencia sobre el rock, en los años `60 y `70 del
siglo pasado. En esta última década, sus temas ingresaron varias
veces en el ranking de la revista Bilboard. "Blues Power" fue uno de
sus conocidos temas, pero también un grito que proclamaba la
vigencia del Blues.

Retirado en Brooklyn, Illinois, sus actividades se redujeron
notablemente y sólo se le veía de vez en cuando en algún festival o
en alguna colaboración esporádica, como la acaecida en 1990, cuando
participó junto a Albert Collins en el álbum "Still Got The Blues"
de Gary Moore, hasta su regreso discográfico en 1991 con "Red
House", un homenaje a Jimi Hendrix en el que participaron también
Joe Walsh (ex Eagles), Bruce Gary (ex The Knack) y Jim Dickinson.
Albert murió el 21 de diciembre de 1992 en un hospital de Memphis a
causa de un ataque del corazón, cuando estaba preparando una gira
por Europa. También estaba experimentando con diferentes sonidos y
preparaba un nuevo disco con material almacenado. Tuve la dicha de
verlo en Buenos Aires sólo seis meses antes de su muerte.

No estaba emparentado con ninguno de los otros dos King del blues,
B.B. y Freddie, pero de todas formas, a este grupo de músicos se los
conoce en el ambiente del blues como "Los Tres Reyes Magos" —"king"
significa "rey" en inglés.

Era el tema "I Love Lucy", el cual no tiene nada que ver con el
famoso show televisivo sino que, al igual que B.B. King, bautizó a
su guitarra con nombre de mujer: Lucy. En los últimos años usó la
Flying V, una extraña guitarra Gibson que tenía forma de V.

Todavía se recuerdan sus palabras: "si no sentís el blues, tenés un
hueco en el alma".

LISTA DE TEMAS:
SEMANA DEL 15/03/2004 AL 19/03/2004
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Lunes 15/03/2004
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01. "La Grange" por ZZ Top.
02. "Honey Bee" por Muddy Waters.
03. "Baby Please Don't Go" por Muddy Waters.
04. "I Got A Rich Man's Woman" por Muddy Waters.
05. "Crossroads Blues" por Muddy Waters y James Cotton.
06. "Sad Letter" por Muddy Waters.
07. "Galán" por El Cruce (Chile).
08. "Tus Ojos De Cielo Negro" por Mammy Blues (Argentina).
09. "Everything Is Gonna Be Allright" por Eric Clapton y Buddy Guy.
10. "Kurti Feuer" por Kurt Ostbahn (Austria).
11. "Blue Money" por Van Morrison.
12. "Johnny B. Goode" por The Blues Brothers.


Martes 16/03/2004
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01. "Hard Times" por Eric Johnson.
02. Solo improvisado en guitarra de 12 cuerdas por Stevie Ray
     Vaughan.
03. "I'm Cryin'" por Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.
04. "Lenny" por Stevie Ray Vaughan.
05. "I'm Going Down" por Stevie Ray Vaughan y Jeff Beck.
06. "Tropical Feelin' n Blues" por Big Gilson (Brasil).
07. "Basta" por Mr. Mojo (Argentina).
08. "Sweet Home Chicago" por The Blues Brothers.
09. "Words Left Unsaid" por The Blue Bishops.
10. "Tush" por ZZ Top.


Miércoles 17/03/2004
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01. "In The Moon" por Boniato Blues Band (España).
02. "Me And My Chauffeur" por Memphis Minnie.
03. "Mean Mistreater" por Muddy Waters.
04. "Settin' Here Drinkin'" por Muddy Waters.
05. "I'm Mad" por Willie Mabon.
06. "One Way Out" por Sonny Boy Williamson II.
07. "Don't Drive Me Baby" por Lowell Fulson.
08. "Down In The Bottom" por Howlin' Wolf.
09. "It Hurts Me Too" por Buddy Guy y Junior Wells.
10. "Naked Blues" por The Legendary Tiger Man (Portugal).
11. "Left Alone" por Big Bill Morganfield.
12. "A Pelo" por Alias Blues Gang (España).
13. "Otra Vez" por Botafogo (Argentina).
14. "Not Alone" por Reneé Austin.
15. "Cocaine" por Keith Richards.


Jueves 18/03/2004
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01. "Struggle" por Keith Richards.
02. "Big Fat Woman" por Leadbelly.
03. "Blue Tail Fly" por Leadbelly.
04. "How Long" por Leadbelly.
05. "In New Orleans" por Leadbelly.
06. "Chicken" por Adam Holt Band.
07. "El Más Triste Blues" por Borbotones Blues Band (Chile).
08. "¿Quién Me Ha Robado El Mes De Abril?" por Joaquín Sabina
     (España).
09. "It's A Man's World" por James Brown.
10. "Blues En Fa" por Memphis, La Blusera (Argentina).
11. "Afro Blue" por John Coltraine.


Viernes 19/03/2004
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01. "The Blues Brothers Theme" por The Blues Brothers.
02. "Ni Siquiera Soy Negro" por Alias Blues Gang (España).
03. "Bebe" por Los Bluesfalos (España).
04. "Cartagena Blues" por Natural Blues (España).
05. "No Hay Flores En El Campo" por Lolo Ortega (España).
06. "Hijos De La Calle" por Sinelefante (España).
07: "Armónica Lewinsky" por Txus Blues & Jose Bluefingers (España).
08. "Blues De La Frontera" por Pata Negra (España).
09. "Medias Negras" por Joaquín Sabina (España).

Especial | 19/03/2004
BLUES CASTELLANO
Libro de Antonio Gamoneda, 1982
Selección de poesías
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El libro "Blues Castellano", editado en 1982, está compuesto por
poemas con espíritu de blues que fueron escritos entre los años 1961
y 1966 por el español Antonio Gamoneda, nacido en la bellísima
ciudad de Oviedo allá por 1931. Esta excelente obra puede hallarse
en http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/8401590353/analisiydisen-20


Después De Veinte Años
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Cuando yo tenía catorce años,
me hacían trabajar hasta muy tarde.
Cuando llegaba a casa, me cogía
la cabeza mi madre entre sus manos.

Yo era un muchacho que amaba el sol y la tierra
y los gritos de mis camaradas en el soto
y las hogueras en la noche
y todas las cosas que dan salud y amistad
y hacen crecer el corazón.

A las cinco del día, en el invierno,
mi madre iba hasta el borde de mi cama
y me llamaba por mi nombre
y acariciaba mi rostro hasta despertarme.

Yo salía a la calle y aún no amanecía
y mis ojos parecían endurecerse con el frío.

Esto no es justo, aunque era hermoso
ir por las calles y escuchar mis pasos
y sentir la noche de los que dormían
y comprenderlos como a un solo ser,
como si descansaran de la misma existencia,
todos en el mismo sueño.

Entraba en el trabajo.
                        La oficina
olía mal y daba pena.
                       Luego,
llegaban las mujeres.
                       Se ponían
a fregar en silencio.

Veinte años.
              He sido
escarnecido y olvidado.
Ya no comprendo la noche
ni el canto de los muchachos sobre las praderas.
Y, sin embargo, sé
que algo más grande y más real que yo
hay en mí, va en mis huesos:

Tierra incansable,
                    firma
la paz que sabes.
                   Danos
nuestra existencia a
                      nosotros
                      mismos.


Caigo Sobre Unas Manos
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Cuando no sabía
aún que yo vivía en unas manos,
ellas pasaban sobre mi rostro y mi corazón.

Yo sentía que la noche era dulce
como una leche silenciosa. Y grande.
Mucho más grande que mi vida.
                               Madre:
era tus manos y la noche juntas.
Por eso aquella oscuridad me amaba.

No lo recuerdo pero está conmigo.
Donde yo existo más, en lo olvidado,
están las manos y la noche.
                             A veces,
cuando mi cabeza cuelga sobre la tierra
y ya no puedo más y está vacío
el mundo, alguna vez, sube el olvido
aún al corazón.
                 Y me arrodillo
a respirar sobre tus manos.
                             Bajo
y tú escondes mi rostro; y soy pequeño;
y tus manos son grandes; y la noche
viene otra vez, viene otra vez.
                                 Descanso
de ser hombre, descanso de ser hombre.


Geología
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Algunas veces salgo hacia las montañas
a mirar a lo lejos.

Piso unas lomas donde tierra vieja
se pone hermosa con el sol y veo
subir la sombra por los cuestos.
                                  Ando
mucho tiempo en silencio.

Pero hay días que ando por estas lomas,
y miro hacia las montañas,
y ni allí hay libertad.

Y me vuelvo. Yo sé bien que es inútil
buscarla como a una llave perdida,
y que también es inútil
mirar al fondo de mi corazón.


Agricultura
-----------

Qué valdría sin pisadas humanas
esta pobreza que hace crujir la luz.
Qué sería la belleza violenta
del secano sin el corazón cansado
que piensa en él: tierra comida
y mala soledad frente al acero
mural de las montañas.

Mirad, es bello y es verdad: arriba,
el cardo blanco y el centeno, ciegos,
vibran junto a los pájaros, y luego
baja la tierra sobre sombras rojas
hasta el poco de agua y los negrillos.

Baja roída por el sol, quemada
por el hielo como el rostro humano
quieto y tajado de dolor, que pasa,
mil veces pasa por la tierra, duro,
con la herramienta y el caballo viejo,
seco como su amor, mil veces pasa,
toda la vida mientras dura el día.


Blues Del Cementerio
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Conozco un pueblo —no lo olvidaré—
que tiene un cementerio demasiado grande.
Hay en mi tierra un pueblo sin ventura
porque el cementerio es demasiado grande.
Sólo hay cuarenta almas en el pueblo.
No sé para qué tanto cementerio.

Cierto año la gente empezó a irse
y en muchas casas no quedaba nadie.
El año que la gente empezó a irse
en muchas casas no quedaba nadie.
Se llevaban los hijos y las camas.
Tenían que matar los animales.

El cementerio ya no tiene puertas
y allí entran y salen las gallinas.
El cementerio ya no tiene puertas
y salen al camino las ortigas.
Parece que saliera el cementerio
a los huertos y a las calles vacías.

Conozco un pueblo. No lo olvidaré.
Ay, en mi tierra sin ventura,
no olvidaré a mi pueblo.

¡Qué mala cosa es haber hecho
un cementerio demasiado grande!


Blues Del Nacimiento

Nació mi hija con el rostro ensangrentado
y no me la dejaron ver despacio.
Nació mi hija con el rostro ensangrentado
pero me la quitaron de las manos.

Mi hija ahora ya va a hacer tres años
y habla conmigo y ella ve mi rostro.
Mi hija ahora ya va a hacer tres años
y canta y piensa pero ve mi rostro.

Yo ahora ya no me pregunto
por qué se ama a un rostro ensangrentado.


Amor
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Mi manera de amarte es sencilla:
te aprieto a mí
como si hubiera un poco de justicia en mi corazón
y yo te la pudiese dar con el cuerpo.

Cuando revuelvo tus cabellos
algo hermoso se forma entre mis manos.

Y casi no sé más. Yo sólo aspiro
a estar contigo en paz y a estar en paz
con un deber desconocido
que a veces pesa también en mi corazón.


Invierno
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La nieve cruje como pan caliente
y la luz es limpia como la mirada de algunos seres humanos,
y yo pienso en el pan y en las miradas
mientras camino sobre la nieve.

Hoy es domingo y me parece
que la mañana no está únicamente sobre la tierra
sino que ha entrado suavemente en mi vida.

Yo veo el río como acero oscuro
bajar entre la nieve.
Veo el espino: llamear el rojo,
agrio fruto de enero.
Y el robledal, sobre tierra quemada,
resistir en silencio.

Hoy, domingo, la tierra es semejante
a la belleza y la necesidad
de lo que yo más amo.

Informe N° 13 | 18/03/2004
LEADBELLY
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Su verdadero nombre era Huddie Leadbetter y nació en 1889 en el
estado de Louisiana, Estados Unidos de América, en el seno de una
familia de granjeros mitad cherokee y mitad negro.

Pronto, su tío Bob le despertó el interés por la música y fue el
encargado de enseñarle a tocar la guitarra y el acordeón; además, se
manejaba bastante bien con el piano, la armónica y el violín.

Solía tocar en fiestas y reuniones, basando su repertorio en
canciones de iglesia, cantos de trabajo y baladas, acompañado por
una guitarra de doce cuerdas que había adquirido en Texas: de hecho
él mismo se hacía llamar nada más y nada menos que "el rey del mundo
de los guitarristas de doce cuerdas".

Desafortunadamente, Leadbelly conocía bastante bien la cárcel. Todo
empezó cuando fue encerrado en Texas acusado de agresión… Pero se
escapó en 1916. De poco le valió esto, ya que dos años más tarde
volvía a prisión para cumplir cadena perpetua por asesinato. Su
suerte cambió cuando en 1925 lo pusieron en libertad después de
cantar para el gobernador Pat Neff en una visita suya a la
penitenciaría.

Desgraciadamente para él, regresó a prisión… Esta vez a la
penitenciaría de Angola, en el estado de Louisiana, acusado de
tentativa de asesinato. Tuvo la suerte de ser descubierto por el
investigador John A. Lomax cuando, en 1933, lo encontró en dicha
penitenciaría y lo grabó para los archivos fonográficos de la
Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, ya que por aquel
entonces Lomax se dedicaba a ir por todo el sur del país recopilando
e investigando acerca de los orígenes de la música negra. Éste le
grabó en una canción en la que suplicaba perdón al Gobernador de
Louisiana, dónde curiosamente, la cara B contenía un tema a elección
de Leadbelly que finalmente fue "Goodnight Irene".

No se sabe a ciencia cierta si el Gobernador lo indultó tras haber
oído ese tema, pero lo cierto es que Leadbelly quedó libre al año de
suceder esto, concretamente un 1° de agosto de 1934.

Leadbelly ha sido, sin duda alguna, un punto de referencia para
muchos, como John Lee Hooker —en lo referente al modo de vida "hobo"
iniciado por Huddie (eso de andar vagando)—, Sonny Terry, Woody
Guthrie, y los mismísimos Creedence Clearwater Revival que
versionaron su "The Midnight Special". Fue, además, el primer músico
de folk-blues que hizo conciertos para un público blanco fuera del
sur y también el primero en dar un concierto en Europa.

Si quieren discos suyos, lo mejor que podrían hacer es conseguir un
buen recopilatorio en donde aparecieran temas como "Goodnight
Irene", "Jean Harlow", "Blood Done Signed My Name", "Cotton Fields"
y "Rock Island Line".

Murió en New York en 1949.

Informe N° 12 | 17/03/2004
BLUES DE CHICAGO
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La diferencia entre los estilos de blues está marcada por los
distintos orígenes y estilos de vida de sus intérpretes. Por
ejemplo, el blues practicado en las grandes urbes es más sofisticado
que el que se tocaba en zonas rurales.

La Gran Depresión que vivió Estados Unidos de América en la década
de 1930, llevó a una gran parte de la población a buscar prosperidad
en las ciudades, creando una fuerte migración hacia urbes como
Detroit, Cincinnati o Chicago…

Una de las zonas más afectadas por estos movimientos migratorios fue
el Delta del Mississippi, en donde la mayoría de sus habitantes se
dedicaban a la recolección del algodón, del tabaco, del maní, o
trabajos similares como continuación de los practicados por sus
antepasados esclavos.

Muchos intérpretes de blues migraron a Chicago atraídos por el gran
éxito que la cantante de vaudeville Mamie Smith tuvo con su
grabación "Crazy Blues" para el sello Okeh en 1922, con la
posibilidad de conseguir ellos también un contrato de grabación,
cosa improbable en las zonas rurales por esos tiempos…

La primera generación de intérpretes de blues que a mitad de los `20
y principio de los `30 del siglo pasado apareció en Chicago, fue
clave para el futuro desarrollo del género. En 1920 llegó Big Bill
Broonzy; en 1925, Tampa Red; en 1927, Lonnie Jackson; en 1928 fue
Leroy Carr; en el `29, Roosvelt Skyes; y a principios del `30 fueron
Memphis Minnie y Washboard Sam.

Los sellos discográficos hambrientos de nuevos talentos y de la
inesperada brecha que los discos de blues habían originado en la
población, alentaron a muchos de esos intérpretes a buscar fortuna
en "la ciudad del viento".

La segunda generación de blues que vivió en la ciudad es,
probablemente, una de las más singulares y únicas que la música ha
generado. Tras la Segunda Guerra Mundial, la aparición de sellos
independientes aportó cambios y nuevos aires en la industria. Las
grandes compañías dedicadas más al género pop, pasaron por alto el
auge del blues.

Es en este período cuando los hermanos Chess deciden abrir un
pequeño sello discográfico llamado Aristocrat en 1946, que durante
los tres siguientes años operó sin grandes resultados, hasta que el
descubrimiento de McKinley Morganfield, más conocido como Muddy
Waters cayó en sus manos. Muddy Watters es posiblemente el mayor
exponente del blues de posguerra. Su estilo rural y crudo, combinado
con la electricidad de las guitarras y respaldado por un combo,
fusionaron y crearon un nuevo estilo en el género del blues,
conocido hasta nuestros días como Chicago Blues o blues de Chicago.

En 1949, Aristocrat, pasó a llamarse Chess y, tras el ruido generado
por Muddy Waters, los artistas de blues llegaban a sus puertas por
docenas. Willie Mabon, Sonny Boy Williamson II o Lowell Fulsom son
claros ejemplos de la calidad de artistas con que Chess Records
contaba…

A principios de los `50, Sam Phillips comenzó a vender masters que
grababa en su recién abierto estudio de Memphis. Esta colaboración
le llevó a proporcionar a Chess al que sería su segundo gran
artista, Chester Burnette, más conocido como Howlin' Wolf, quien
junto a la inestimable ayuda de Willie Dixon, dirigió las carreras
de ambos artistas hasta elevarlos al nivel de genios.

Con la entrada de los `50, el género se estilizó y dio paso a lo que
se llamaría rock & roll, en donde el sello Chess nuevamente jugó
gran parte, enrolando en sus filas a Bo Diddley y a Chuck Berry,
además de haber publicado en 1951 lo que se consideró el primer rock
& roll, "Rocket 88" por Jackie Brenston.

A finales de los `50, Chicago vio nacer una tercera generación de
blues, que posteriormente influenciaría de manera determinante en el
revival del rhythm & blues inglés. Artistas de la talla de Junior
Wells, Otis Rush, Buddy Guy, Magic Sam o Earl Hooker, dieron al
estilo de Chicago su total identidad.

Aparte de Chess Records, "la ciudad del viento" vio florecer otros
sellos que aportaron su clase al estilo e incluso fueron pioneros
del género, como fue Mercury. Otros como Hytone, Apollo, JOB, Sunny,
Regal, Opera, Chance, Constellation, Blue Label, Club 51, Cobra o
Vee-jay, se vieron relegados a un segundo plano, pero no fueron
menos importantes…

Informe N° 11 | 16/03/2004
STEVIE RAY VAUGHAN
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El 27 de agosto de 1990, en un accidente a bordo de un helicóptero,
se apagaba la vida de este virtuoso de la guitarra. Comenzaba, como
en el caso de su admirado Jimi Hendrix, la leyenda. Había logrado
por derecho propio hacerse un lugar un el mundo del blues, algo que
no resulta fácil para los músicos blancos.

Stevie Ray Vaughan era admirado incluso por gente como B.B. King,
quien en ocasión del homenaje póstumo del que participó,
expresó: "Cada vez que tocábamos juntos era excitante. Al principio,
él tiraba algunas puntadas. Así que una noche le dije, `Tocá lo
tuyo, andá adelante, no te preocupes por mí'. Y lo hizo. Sus ideas
no tenían límites. Él fluía. Era como el agua, constantemente
destilando con ritmo. No es sólo una perdida para la música, sino
para la gente en su totalidad. Era una persona tan agradable. Te
digo la verdad, realmente me lastima. La única cosa que me evita
estar llorando es saber la dicha que él nos ha brindado. Puedo ver
su sonrisa ahora mismo, sentado ahí con su sombrero mexicano,
diciendo, `¡Ey!, está todo bien'".

Desde su muerte no han dejado de aparecer grabaciones inéditas y en
vivo, que han contado con la avidez de los muchos fanáticos de
Stevie Ray que hoy es posible encontrar por todo el planeta.

Nació el 3 de octubre de 1954 en Dallas, Texas, Estados Unidos de
América. Desde muy chico comenzó a tocar la guitarra bajo la
influencia de su hermano mayor, el también virtuoso Jimmie Vaughan.

A los 17 años fue expulsado de la escuela secundaria y partir de ese
momento se dedicó a la música. Su primer grupo se llamó The Cobras.

Formó parte de varias bandas, pero con la que obtuvo el
reconocimiento del público fue con la que acabamos de escuchar,
Double Trouble. Con ella grabó su primer álbum en 1980, el que fuera
publicado después de su muerte en 1992 con el nombre "In The
Beginning". Double Truble estaba formada por Tommy Sannon en bajo y
Chris Layton en batería.

En 1982, el grupo se presentó en el Festival de Jazz de Montreaux,
en Suiza. Un año después sacan su primer álbum, "Texas Flood".

En 1984 aparece el segundo disco con el nombre "Couldn't Stand The
Wheater". Con este trabajo accede a su primer premio Grammy.

En 1986 los problemas con el alcohol y las drogas lo obligaron a
someterse a un tratamiento de recuperación, del que salió con nuevas
fuerzas para demostrar toda su habilidad para la música.

Antes del tratamiento, apareció su trabajo "Soul To Soul" (1985) y
un álbum en vivo en 1986, "Live Alive". Una vez recuperado, su
primer trabajo fue "In Step", de 1989.

Su admiración por Jimi Hendrix quedó plasmada en sus maravillosas
interpretaciones de "Little Wing" y "Voodoo Chile".

Durante 1990 graba "Family Style" junto a su hermano Jimmie, pero
lamentablemente cuando el álbum apareció, ya Stevie nos había
abandonado.

Otra edición póstuma es de 1991, "The Sky Is Crying". En 1996
aparece el compacto "Tribute To Stevie Ray Vaughan", con la
participación de B.B. King, su hermano Jimmie, Eric Clapton, Bonnie
Raitt, Robert Cray y Dr. John. De esta manera los músicos de blues
rendían su homenaje.

Steve Ray se convirtió en uno de los referentes principales de la
historia moderna del blues y uno de los primeros blancos en llegar a
tal nivel de calidad que obtuvo el respeto de todos, en cualquier
rincón del mundo donde suene un blues.

Informe N° 10 | 15/03/2004
MUDDY WATERS
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Muddy Waters nació bajo el nombre de McKinley Morganfield en una
pequeña aldea llamada Rolling Fork, en Mississippi, Estados Unidos
de América, el 4 de abril de 1915. Cuando tenía tres años de edad
murió su madre y él quedó al cuidado de su abuela materna que vivía
en la localidad de Clarksdale.

A la edad de trece años tomó su primer instrumento, la armónica.
Cuatro años después comenzó a tocar la guitarra para imitar a sus
ídolos Son House y Robert Johnson. Cuando ya era un verdadero músico
de blues adoptó el nombre con el que se lo conoció profesionalmente,
Muddy Waters, tomado de un tema que se refería a las aguas barrosas
del Delta del Mississippi.

En 1941, un grupo de investigadores de la Biblioteca del Congreso de
los Estados Unidos de América, liderado por Alan Lomax, que recorría
el sur del país registrando los temas de importantes músicos de
blues, registró la música de Muddy Waters, lo cual da una idea de la
relevancia que en poco tiempo había alcanzado su música.
Particularmente se destacaba en la utilización de la técnica
conocida como "bottleneck", que se traduce al castellano
como "cuello de botella", en la cual se había convertido en un
verdadero maestro.

Muddy se mudó a Chicago en 1943, donde llegó a ser un destacado
representante del blues que emanó desde esa ciudad hacia el mundo
entero. En esta ciudad obtuvo un empleo en una fábrica de papel. Con
la ayuda de Big Bill Broonzy logró ingresar en los ambientes ligados
a los clubes donde se ejecutaba blues.

Adquirió su primera guitarra eléctrica y formó una banda con la
participación de Jimmy Rogers y Blues Smitty, a la que se le sumó
después Sunnyland Smith.

En 1946 logró grabar sus primeras composiciones para la Columbia
Records, pero estos registros tardaron muchos años en ser dados a
conocer al público; recién se publicaron en 1972.

Mientras trabajaba de camionero, Muddy llegó a grabar para
Aristocrat, una pequeña compañía, en 1948. Lo acompañaban el
pianista Sunnyland Slim y Ernest Crawford en el bajo. Con el simple
compuesto por los temas "I Can't Be Satisfied" y "I Feel Like Going
Home", Muddy Waters conoció su primer éxito.

La incorporación del bajista y compositor Willie Dixon a su grupo
potenció el trabajo de Waters. En años sucesivos se conocieron temas
que quedaron como estándares del blues: en 1949, "Rollin' and
Trumblin'"; en 1950, "Rollin' Stone" y "Lousiana Blues"; en
1953, "Mannish Boy"; en 1954, "Hoochie Coochie Man"; en 1957, "Got
My Mojo Working"; y una larga lista de clásicos.

Siempre fue acompañado por músicos de gran jerarquía. Muchos dejaron
la banda para crear la suyas propias, pero sin desconocer el estilo
creado por el Maestro Muddy Waters. El guitarrista Jimmy Rogers, los
armoniquistas Junior Wells y James Cotton o el pianista Ottis Spann,
fueron algunos de los que pasaron por los grupos de Waters. Otra
generación de hombres del blues lo reconocieron como su indiscutible
maestro, tales los casos de Buddy Guy, Magic Sam y Ottis Rush.

En la década de 1960, Muddy Waters fue redescubierto por la
generación blanca del rock & roll. Hasta ese momento, las audiencias
de Muddy habían sido principalmente de raza negra. Muchos músicos
ejecutaron sus temas y es sabido que The Rolling Stones tomaron su
nombre del tema "Rollin' Stone" compuesto por Waters.

Hacia finales de los `60, forma una espectacular banda llamada
la "Super Super Blues Band", conformada por Bo Diddley y Howlin'
Wolf, con la cual fue invitado a los festivales de jazz de Newport,
Barcelona y Montreaux, y cautivó al público de jazz.

En la década de 1970 fue llevado por el Maestro Johnny Winter al
sello del cual era dueño, "Blue Sky". Ahí grabó tres discos que
ganaron tres Grammys consecutivos en los años 1977, 1978 y 1979.

En los `80 grabó una placa en vivo en Chicago junto a The Rolling
Stones, Junior Wells y Buddy Guy. En 1982 tocó en Miami junto a Eric
Clapton.

Su vida se apagó el 30 de abril de 1983 en Chicago. Se iba uno de
los músicos que más influyó en la música moderna y uno de los más
respetados por la actual generación de músicos de blues y rock &
roll.

Nota de Prensa
¡NUEVO PROGRAMA DE RADIO DEDICADO AL BLUES EN BUCARAMANGA!
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"Club de Blues" comenzó su emisión el pasado lunes 23 de febrero en
la Emisora Luis Carlos Galán Sarmiento de la ciudad de Bucaramanga,
Colombia. El horario es de lunes a viernes de 4 a 5 de la tarde
por "La Cultural", FM 100.7.

"Club de Blues" es un programa radial producido de forma
independiente, dedicado al blues en todas sus variantes: clásica,
del Delta, rural, urbana, de Memphis, boggie-woogie, de New Orleans,
texana, de Chicago, de Detroit, británica, latina, contemporánea,
vanguardista y muchas otras.

La conducción, musicalización y dirección general de "Club de Blues"
están a cargo del argentino Polo Baldini. Polo aporta su vasto
conocimiento sobre blues, adquirido gracias al fuerte arraigo que
dicho género tiene en su Buenos Aires natal.

En lo que respecta al contenido del programa, en todas las emisiones
se presentan informes especiales sobre distintos aspectos
relacionados directamente con el blues, los cuales abarcan los
distintos estilos y sub-géneros, músicos, historia, bibliografía,
filmografía y un amplio etcétera.

También estamos atentos tanto a los clásicos como a las últimas
ediciones de todo el mundo, adelantando lo más fresco en
lanzamientos, con secciones dedicadas a novedades y noticias. Para
esto hemos contado con el apoyo de varios sellos independientes que
editan artistas de blues en Estados Unidos de América, Canadá, Reino
Unido, Australia y Argentina, quienes nos proveen regularmente con
sus últimos lanzamientos y material de archivo.

Consideramos muy importante la apertura a la hora de musicalizar el
programa. La idea es que se conozcan no sólo los clásicos que
siempre se presentan cuando se habla de blues, sino también músicos
nuevos y de todos los confines de la Tierra.

Además, "Club de Blues" estableció un espacio gratuito en Internet
para que los oyentes puedan suscribirse, obtener los resúmenes
especiales sobre blues, recibir novedades e interactuar con otros
escuchas del programa. La dirección para acceder a dicho espacio es
http://www.gruposyahoo.com/group/clubdeblues

Les agradecemos la atención prestada, así como la difusion de esta
nota de prensa a quienes se encarguen de ello.

Atentamente,

El Staff de "Club de Blues".


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Contactos:

Por carta:
Emisora Cultural "Luis Carlos Galán Sarmiento"
c/o Polo Baldini de "Club de Blues"
Carrera 30 N° 26-117
Parque de los Niños
Bucaramanga, Colombia

Por correo electrónico: clubdeblues@...

LISTA DE TEMAS:
SEMANA DEL 08/03/2004 AL 12/03/2004
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Miércoles 10/03/2004
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01. "Respect" por Aretha Franklin y The Blues Brothers.
02. "Ain't Nobody's Business" por Billie Holiday.
03. "Fooling Myself" por Billie Holiday.
04. "When Your Lover Has Gone" por Billie Holiday.
05. "3 O'Clock In The Morning Blues" por Ike & Tina Turner.
06. "Rouge Y Pentagrama" por Las Blacanblus (Argentina).
07. "Anna Lee" por Buddy Guy.
08. "Blues De La Frontera" por Pata Negra (España).
09. "21st Century Blues" por Chris Thomas King.
10. "I Just Want To Make Love To You" por Lea Gilmore.
11. "Tell You Like It Is" por Alberta Adams y Johnnie Basset.
12. "Cry Hard Luck" por The Big Town Playboys.


Jueves 11/03/2004
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01. "Shake Your Tail Feathers" por Ray Charles y The Blues Brothers.
02. "Security" por Etta James.
03. "Miss You" por Etta James.
04. "Mockingbird" por Taj Mahal y Etta James.
05. "Cry Baby" por Janis Joplin.
06. "Me And Bobby McGee" por Janis Joplin.
07. "Half Moon" por Janis Joplin.
08. "Texas Flood" por Stevie Ray Vaughan, B.B. King y Albert Collins.
09. "Key To The Highway" por Keith Richards.
10. "Blue Jean Blues" por Z.Z. Top.
11. "Amazing Grace" por The Faces.
12. "Willie Brown Blues" por Ry Cooder.


Viernes 12/03/2004
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01. "Midnight Train" por Johnny Lang y Buddy Guy.
02. "Trabajando En El Ferrocarril" por Botafogo (Argentina).
03. "Trainfare Blues" por Muddy Waters.
04. "Nobody Knows" por Bessie Smith.
05. "Back Water Blues" por Bessie Smith.
06. "Mi Negra" por El Cruce (Chile).
07. "Little Wing" por Jimi Hendrix.
08. "The Real Folk Blues" por Mai Yamane y Seatbelts (Japón).
09. "T.B. Sheets" por Van Morrison.

Informe N° 9 | 12/03/2004
MUJERES DEL BLUES:
BESSIE SMITH
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Bessie fue una cantante estadounidense a la cual conocemos como la
Emperatriz del Blues. Nació en 1894 en Chattanooga, Tennessee.

Ma Rainey, una de las primeras cantantes de blues, la ayudó en sus
comienzos. Después de realizar giras por el sur de Estados Unidos de
América, en 1923 Smith se trasladó a la ciudad de New York para
grabar con los principales músicos de jazz, como Louis Armstrong,
James P. Johnson, Benny Goodman y Coleman Hawkins.

Dotada de una voz profunda y expresiva con una enorme intensidad y
potencia, Smith se convirtió en la cantante de blues más famosa de
su época.

Cuando en la década de 1930 el público de Estados Unidos de América
volcó su atención en la radio y en los musicales de Hollywood, su
carrera comenzó a declinar. Se refugió cada vez más en el alcohol,
aunque continuó realizando algunas giras y cumpliendo sus contratos
como cantante. Falleció en 1937 en Clarksdale, Mississippi, en un
accidente de autos.

Especial | 12/03/2004
EL TREN DE LOS HERIDOS
Poesía de Miguel Hernández
Del libro "El Hombre Acecha", 1939
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Silencio que naufraga en el silencio de las bocas cerradas de la
noche. No cesa de callar ni atravesado. Habla el lenguaje ahogado de
los muertos.

Silencio.

Abre caminos de algodón profundo, amordaza las ruedas, los relojes,
detén la voz del mar, de la paloma: emociona la noche de los sueños.

Silencio.

El tren lluvioso de la sangre suelta, el frágil tren de los que se
desangran, el silencioso, el doloroso, el pálido, el tren callado de
los sufrimientos.

Silencio.

Tren de la palidez mortal que asciende: la palidez reviste las
cabezas, el ¡ay! la voz, el corazón, la tierra, el corazón de los
que malhirieron.

Silencio.

Van derramando piernas, brazos, ojos, van arrojando por el tren
pedazos. Pasan dejando rastros de amargura, otra vía láctea de
estelares miembros.

Silencio.

Ronco tren desmayado, envejecido: agoniza el carbón, suspira el humo
y maternal la máquina suspira, avanza con un largo desaliento.

Silencio.

Detenerse quisiera bajo un túnel la larga madre, sollozar tendida.
No hay estaciones donde detenerse, si no es el hospital, si no es el
pecho.

Silencio.

Para vivir, con un pedazo basta: en un rincón de carne cabe un
hombre. Un dedo sólo, un trozo sólo de ala alza el vuelo total de
todo un cuerpo.

Silencio.

Detened ese tren agonizante que nunca acaba de cruzar la noche. Y se
queda descalzo hasta el caballo, y enarena los cascos y el aliento.

Informe N° 8 | 11/03/2004
MUJERES DEL BLUES:
JAMES Y JOPLIN
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Etta James
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Etta nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos de América. Es
una de las grandes damas del jazz, el blues, el doo-woop, el rhythm
& blues y el soul. Algunos de sus mayores éxitos respoden a títulos
como "I'd Rather Go Blind", probablemente el más recordado, "Trust
In Me", "Somethings' Got A Hold On Me", "Payback" y "Tell Mamma".

Etta James continuó sacando disco hasta finales de la década de los
80 del siglo pasado. Tiempo después, en 2001, su nombre pasó a
poblar el universo de The Blues Hall of Fame. La siguiente canción,
que Etta interpreta a dúo con Taj Mahal, es "Mockingbird"…


Janis Joplin
------------

Janis fue una cantante estadounidense de blues, considerada como la
mejor intérprete blanca de rhythm & blues en la historia de la
música. Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas, Estados
Unidos de América. En 1963 se trasladó a San Francisco, fascinada
por el estilo de vida que promulgaba el incipiente movimiento hippie.

Joplin fue la cantante del grupo Big Brother & The Holding Company,
que irrumpió en 1967 en el legendario Festival Internacional de
Música Pop de Monterey.

Más tarde fundó una banda propia: la Kozmic Blues Band, que más
tarde pasaría a llamarse The Full Tilt Boogie Band. Su primer álbum
en solitario, I Got Dem Ol´Kozmic Blues Again Mama (1969), alcanzó
el quinto lugar en las listas y tuvo unas ventas millonarias.

Janis Joplin consiguió una gran popularidad y tuvo dificultades para
superar su fama de estrella. La cantante, con su peculiar voz
estática y de gran fuerza expresiva, murió el 4 de octubre de 1970
en la habitación de un hotel de Hollywood, víctima de una sobredosis
de heroína. En esos momentos estaba trabajando en el álbum Pearl,
que fue lanzado en 1971, después de su muerte. Su vida excesiva y su
prematura muerte contribuyeron a que se convirtiera, como Jimi
Hendrix y Jim Morrison, en una leyenda de la música rock.

Informe N° 7 | 10/03/2004
MUJERES DEL BLUES:
HOLIDAY Y TURNER
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Billie Holiday
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Billie Holiday era cantante de jazz y blues, una de las intérpretes
más importantes del siglo XX, también conocida como Lady Day. Nació
en 1915 en Baltimore, Maryland, y su verdadero nombre era Eleonora
Holiday. Creció en un ambiente humilde y se trasladó a New York a
finales de la década de 1920, ciudad donde comenzó a cantar en
clubes nocturnos.

Se dio a conocer tras una grabación que realizó en 1935, organizada
por el pianista Teddy Wilson y en la que también intervinieron el
saxofonista Ben Webster y el trompetista Roy Eldridge. De estas
sesiones sobresalen temas como "I Wished On The Moon" y "Miss Brown
To You". A partir de ese momento cantó en varias orquestas, entre
ellas las de Count Basie y Artie Shaw, y compartió varias
grabaciones con el saxofonista Lester Young, con el que siempre
mantuvo una gran amistad y empatía musical.

Tuvo una vida terrible. Hija de padres solteros, fue violada a los
diez años. Durante un tiempo se dedicó a la prostitución y en sus
comienzos como cantante sufrió los efectos del racismo más cruel. Se
refugió en el alcohol y en las drogas. Todos esos sinsabores son los
que, probablemente, dan a su voz ese amargo tono sublime que en el
terrible "Strange Fruit"(1939), una de sus mejores composiciones,
llega a las cotas más altas.

Durante los años cuarenta y cincuenta, actuó con gran éxito en
clubes de todo Estados Unidos, aunque su voz comenzó a deteriorarse
como consecuencia de los excesos. En estos años grabó muchas
canciones para los sellos del productor discográfico Norman Granz.
En ellas, y acompañada de viejos amigos como Ben Webster, Harry
Edison, Benny Carter o músicos más jóvenes como Oscar Peterson,
recuperó la magia del pasado y en canciones como "Just One Of Those
Things" o "One For My Baby" hay una profundidad y un sentimiento que
nadie ha igualado nunca. Murió en 1959 en el Metropolitan Hospital
de New York, mientras estaba arrestada por posesión de
estupefacientes, aunque hoy día parece haberse demostrado que fue
víctima de una trampa siniestra.

Sólo en raras ocasiones cantó blues tradicional; no obstante, hizo
que muchas canciones populares se convirtieran en piezas profundas y
emotivas. Su autobiografía de 1956, Lady Sings The Blues, inspiró en
1972 una película en la que Diana Ross, a pesar de su voz, sólo es
una caricatura de lo que fue Lady Day.


Tina Turner
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A continuación, hablaremos sobre una cantante que, si bien no se
caracteriza por hacer blues tradicional, sí tuvo una gran presencia
en el mundo del rhythm & blues. Se trata de la Señora Tina Turner,
cantante estadounidense que se caracteriza por la dureza de su
emisión vocal y por su presencia escénica.

Anna Mae Bullock nació en 1938 en Tennessee. Fue descubierta por el
pianista y guitarrista Ike Turner en un club de San Luis en 1957. Se
casaron un año después y comenzaron a grabar y a dar conciertos con
el nombre de Ike and Tina Turner Revue. En estos años su música se
enmarcaba dentro del estilo del rhythm & blues. En 1960 publicaron
su primer disco, titulado A Fool In Love, y fueron adquiriendo fama
por sus actuaciones. En ellas, Tina asumía una personalidad
escandalosa y exaltada, ataviada con estrafalarios vestidos. El
sencillo River Deep, Mountain High (1966) fue un éxito también en el
Reino Unido. En 1971 obtuvieron en Estados Unidos su mayor éxito con
Proud Mary.

Tina Turner, debido a serios problemas de violencia familiar, se
separó y dejó de trabajar con Ike Turner en 1975. A partir de ese
momento continúa en solitario. Entre sus trabajos posteriores
destaca Ball Of Confusion de 1982. Incluye en su música instrumentos
electrónicos y amplía sus posibilidades líricas utilizando con mayor
sutileza su capacidad vocal. Con el siguiente álbum, Private Dancer,
de 1984, vendió más de diez millones de discos en todo el mundo. En
1985 actuó en la película Mad Max III, Más Allá De La Cúpula Del
Trueno, de George Miller, y en 1993 se estrenó la película sobre su
propia vida What's Love Got To Do With It? En 1995 grabó la banda
sonora de la película Golden Eye, de Albert R. Broccoli, una de las
entregas de la serie sobre James Bond, el agente 007.

LISTA DE TEMAS:
SEMANA DEL 01/03/2004 AL 05/03/2004
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Viernes 05/03/2004
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01. "Mustang Sally" por Buddy Guy y Jeff Beck.
02. "Stewball" por Memphis Slim.
03. "Rock Me" por Memphis Slim y Muddy Waters.
04. "Everyday I Have The Blues" por B.B. King.
05. "The Key" por Sonny Boy Williamson II.
06. "Can't Be Seen" por The Rolling Stones.
07. "Si Te Vas" por Memphis, La Blusera (Argentina).
08. "I Lost My Baby" por Nanette Workman (Canadá).
09. "Same Old Song" por Steve Rowe.
10. "Idiot" por Lars Winnerbäck (Suecia).
11. "Sneakin' Around" por James O'Hara's Detonators.
12. "Worry No More" por Ron Wood.

Informe N° 6 | 05/03/2004
MEMPHIS SLIM
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El pasado 24 de febrero hizo dieciséis años de la muerte del Maestro
Memphis Slim. Nacido en Memphis, Estado de Tennessee, el día 3 de
septiembre de 1915 con el nombre real de John Chatman, aunque luego
se lo conoció también como Peter Chatman.

Memphis Slim fue el primer bluesman importante en establecerse en
Europa y, por ello, la mejor o más frecuente oportunidad que
tuvieron muchos jóvenes europeos de ver blues en vivo. Teniendo en
cuenta que la llegada del público europeo —y, posteriormente,
japonés— ha sido, para bien o para mal, uno de los puntos de
inflexión en la historia del blues, la presencia de Memphis Slim en
París, ciudad en la que se instaló en 1962 y en la que vivió hasta
su muerte, fue una cabeza de puente para los que vendrían después.
Memphis Slim fue un adelantado a su tiempo que pudo vivir
decentemente de su trabajo en Europa. Dicen que, mientras sus
colegas americanos pasaban una época de vacas flacas, él en París
iba a actuar en un Rolls Royce.

Si, sólo por las cosas que venimos mencionando hasta ahora, la
aportación de este hombre a la historia del blues sería importante,
resulta que además escribió "Everyday I Have The Blues", que,
primero en la versión de Joe Williams con la orquesta de Count
Basie, y luego en el repertorio de B.B. King, se ha convertido en
uno de los clásicos indiscutibles del género.

Memphis Slim creció en el sur de los Estados Unidos de América,
donde ya tocaba el piano ocasionalmente, pero no empezó a hacerse un
nombre hasta que emigró a Chicago en 1939. Ese mismo año grabó su
primer disco, para Okeh, bajo el nombre de Peter Chatman, que era el
de su padre —como mencionamos antes, él se llamaba John. Al año
siguiente ya utilizó el nombre de guerra que le haría famoso en su
primera grabación para el sello Bluebird, "Beer Drinking Woman". Por
cierto, que su apodo es irónico: "Memphis Slim" significa "el
delgado de Memphis", cuando Chatman era conocido por su corpulencia.

También en 1940 se convirtió en el acompañante habitual de Big Bill
Broonzy hasta la muerte de éste en 1944, tarea que compaginó con la
formación de su propia banda, The House Rockers, un septeto con
sección de metales, todo un lujo, que en 1946 rebautizaría como
Memphis Slim & His Solid Band. En 1949 alcanzó el primer puesto en
las listas de Rhythm & Blues con "Messin' Around", al cual siguieron
otros discos de éxito y giras con gente como Sonny Boy Williamson II
y Willie Dixon. Una de estas giras le llevó a Europa.

En resumidas cuentas, el Maestro Memphis Slim, cantante, compositor
y pianista, era un magnifico intérprete de blues tradicional y
boggie-woogie.

LISTA DE TEMAS:
SEMANA DEL 23/02/2004 AL 27/02/2004
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Lunes 23/02/2004
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01. "Ground Hog Blues" por John Lee Hooker.
02. "Crossroads Blues" por Sam Mitchell.
03. "Willie Brown Blues" por Ry Cooder.
04. "How Many More Years" por Howlin' Wolf.
05. "That's All Right" por Jimmy Rogers.
06. "Country Road" por John Mayall & Bluesbreakers.
07. "Hit The Road, Jack" por Ray Charles.
08. "Coaltown Road" por Barra MacNeils.
09. "Rouge y Pentagrama" por Las Blacanblues (Argentina).
10. "Un Viejo Blues" por Pappo's Blues (Argentina).
11. "Crossroads Blues" por Cream.


Martes 24/02/2004
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01. "Rocanrol Blues" por Botafogo (Argentina).
02. "Crossroads Blues" por Muddy Waters y James Cotton.
03. "Boom, Boom" por John Lee Hooker.
04. "Crossroads Blues" por Eric Clapton y Jeff Beck.
05. "Crossroads Blues" por Robert Johnson.
06. "Slow Train" por BluesMove.
07. "Wotcha Gonna Tell Me" por Wamma Jamma.
08. "Get To Go!" por Eric Johnson.
09. "It's A Fine Line" por Steve Arvey.
10. "Estoy Bien" por Botafogo (Argentina).
11. "Come Back, Baby" por Mike Sanchez.


Miércoles 25/02/2004
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01. "Sube A Mi Voituré" por Riff (Argentina).
02. "Baby Lee" por John Lee Hooker.
03. "Blues Before Sunrise" por John Lee Hooker.
04. "Hobo Blues" por John Lee Hooker.
05. "I'm In The Mood" por John Lee Hooker.
06. "Dimples" por John Lee Hooker.
07. "House Rent Boogie" por John Lee Hooker.
08. "Cry, Cry, Cry" por Bobby 'Blue' Bland.
09. "Blues De Cris" por Pescado Rabioso (Argentina).
10. "Voodoo Thing" por Colin James.
11. "Blues For Mama" por Nina Simone.
12. "WRFG" por Steve Arvey.
13. "Black Hole" por Eric Johnson.
14. "Keep On Running" por Spencer Davis Group.


Jueves 26/02/2004
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01. "La Flor Más Bella" por Memphis, La Blusera (Argentina).
02. "At Last" por Etta James.
03. "Louis Louie" por The Kinks.
04. "Onions" por John Lee Hooker.
05. "All Night Long" por Muddy Waters.
06. "Everyday I Have The Blues" por B.B. King.
07. "How Blue Can You Get" por B.B. King.
08. "I've Got A Twenty Room House" por Bobby 'Blue' Bland.
09. "Estoy Bien" por Botafogo (Argentina).
10. "If Love Was A Train" por BluesMove.
11. "Judgement Day" por Honeyboy Hickling.
12. "Boogie King" por Eric Johnson.


Viernes 27/02/2004
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01. "Lou Ann" por The Cadillac Kings.
02. "Messin' Around With The Blues" por Alberta Adams.
03. "How Blue Can You Get?" por Albert King y B.B. King.
04. "Mustang Sally" por Buddy Guy.
05. "Big Legged Woman" por Freddie King.
06. "Another Man" por John Mayall & Bluesbreakers y Eric Clapton.
07. "Crossfire" por Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.
08. "Riviera Paradise" por Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.
09. "Couldn't Do Nothin" (3:55) por Lightnin' Willie & The Poorboys.
10. "De Mala Muerte" por Los Caballeros de la Quema (Argentina).
11. "Around And Around" por The Rolling Stones.
12. "Soul Man" por The Blues Brothers.

Informe N° 5 | 27/02/2004
LOS 10 DISCOS INICIÁTICOS
PARTE II
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En el informe anterior comenzamos con este resumen sobre aquellos
discos que consideramos fundamentales para quienes desean iniciarse
en esto de escuchar y disfrutar del blues. Recordemos, sin seguir
ningún tipo de orden cronológico ni de preferencias, los cinco
discos que listamos ayer:

El primero fue "Father Of The Delta Blues - The Complete 1965
Session" de Son House, editado por CBS en 1992.

El segundo, "The Complete Recordings" de Robert Johnson, editado por
Columbia en 1990.

El tercero, "Muddy Waters NewPort" de Muddy Waters, editado por MCA-
Chess en 1960.

El cuarto, "The Bessie Smith Collection" de Bessie Smith, editado
por Columbia en 1989.

El quinto y último disco que mencionamos fue "Live At The Regal" de
B.B. King, editado por MCA en 1965.

El día de hoy daré la segunda mitad de esta lista en la cual se
encuentran reseñados los que, para mí, son los diez más
representativos y que más pueden ayudar a entender la música negra
por excelencia: el blues. Entonces, pasemos a los cinco de hoy…

Del Maestro Albert King es nuestro primer disco de hoy y sexto de
nuestro listado completo: "Live Wire - Blues Power", editado por
Stax en 1968. Éste es uno de los discos más importantes de la
carrera de Albert King. Grabado en vivo en el Fillmore Auditorium en
1968, el guitarrista se encuentra en su mejor forma. Sus solos son
intensos y perforantes. El resto de la banda está bien, pero, sin
lugar a dudas, lo mejor es el show de King. Quizás uno de los discos
preferidos de muchos guitarristas.

Sigue la placa "The Very Best Of Buddy Guy", editado por Rhino en
1992. Se trata de una magnífica recopilación remasterizada de este
genial y refinado guitarrista, carismático cantante y showman. Lo
que hace más interesante e imprescindible este disco es el recorrido
que nos muestra las distinta etapas y sellos en los que grabó uno de
los artistas más excitantes en la escena musical: Mr. Buddy Guy.

De Freddie King es el octavo disco de nuestra lista: "Hide Away -
The Best Of F.K.", editado por Rhino en 1993. Esta antología incluye
la mejor y más amplia recopilación de la carrera de este guitarrista
de gran intensidad e imaginación, además de magnífico vocalista. El
punto culminante de la misma son los coros instrumentales, pegadizos
e intensos a la vez.

El siguiente disco es "Bluesbreakers With Eric Clapton" de John
Mayall, editado por Deram en 1966. Se trata del primer disco
del "Padre del Blues Blanco" grabado en estudio; una de las obras
seminales del blues de los años 60 del siglo pasado. El acercamiento
de dos genios a las raíces del blues. Un joven Eric Clapton,
haciendo nombre propio tras su paso por The Yardbirds y antes
de "subir a los altares".

De Stevie Ray Vaughan, inevitablemente, es nuestro décimo y último
disco en la lista: "Greatest Hits", editado por Epic en 1995. Stevie
Ray fue un grandísimo guitarrista, pero siempre tuvo un problema a
la hora de hacer discos consistentes. Este "Greatest Hits" rectifica
por completo este problema recogiendo todos sus temas más conocidos.
No es tan sólo una magnífica introducción, sino que demuestra con
toda claridad por qué Stevie Ray fue uno de los guitarristas más
importantes e influyentes de la década de los 80 del siglo XX. El
hombre que pudo haber sido el verdadero rey del blues moderno de no
ser por el accidente aéreo que diera fin a su vida en forma temprana
hace casi catorce años, el 27 de agosto de 1990.

Stevie Ray Vaughan era admirado incluso por gente como B.B.
King. "Cada vez que tocábamos juntos era excitante. Al principio, él
tiraba algunas puntadas. Así que una noche le dije, `Tocá lo tuyo,
andá adelante, no te preocupes por mí'. Y lo hizo. Sus ideas no
tenían límites. Él fluía. Era como el agua, constantemente
destilando con ritmo. No es sólo una perdida para la música, sino
para la gente en su totalidad. Era una persona tan agradable. Te
digo la verdad, realmente me lastima. La única cosa que me evita
estar llorando es saber la dicha que él nos ha brindado. Puedo ver
su sonrisa ahora mismo, sentado ahí con su sombrero mexicano,
diciendo, `¡Ey!, está todo bien'".

En fin, no es nada extraño que B.B. King tuviera esta opinión de
Stevie Ray, si se sentaba con su poncho, sus botas texanas con
espuelas y su sombrero mexicano y hacía cosas realmente
sorprendentes…

Informe N° 4 | 26/02/2004
LOS 10 DISCOS INICIÁTICOS
PARTE I
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El blues tiene su origen en los campos de algodón, tabaco y maní del
sur de los Estados Unidos de América. Cantos rítmicos que ayudaban a
los esclavos negros a soportar duras jornadas de trabajo. En ellos
se contaban historias y emociones. Era uno de los pocos medios de
expresión no prohibidos por el "amo blanco". Canciones de trabajo
que fueron madurando hasta transformarse en lo que más tarde se
conocería como blues, el más esencial de los estilos de música
estadounidense, una contribución cultural que los blancos no
pudieron negar.

La evolución del blues hacia otros estilos musicales favoreció las
relaciones interraciales. Los jóvenes blancos imitaban a los negros
bailando y compraban su música. Buscaban una nueva excitación y la
música negra canalizaba las pasiones prohibidas.

La popularización del blues y su acercamiento a otras formas
musicales cambiaron radicalmente el medio musical y las costumbres
del país. Fue el comienzo de una revolución imparable: el
rock'n'roll había llegado para quedarse.

A principios de la década del 60 del siglo pasado, músicos como The
Rolling Stones, The Beatles, The Kinks o Eric Clapton, entre otros
muchos, descubren la luz en los sonidos e intérpretes de la cultura
negra americana. Sería inconcebible hablar de ellos sin esta música.
Muddy Waters, John Lee Hooker, Robert Johnson y Chuck Berry, entre
muchos otros, serían puntos de referencia para todos. En ellos, en
su música, en sus canciones, habían encontrado su propio estilo. Una
herencia que fue la génesis de una época dorada.

Decir "éstos son los diez mejores discos de la historia del blues"
sería tan ambiguo como atrevido, ya que se corre el riesgo de caer
en la arbitrariedad o la pedantería. Podrían ser cien y, a pesar de
ello, seguiría quedándome corto. No encuentro ninguna razón objetiva
en la que pueda basarme para decidir lo mejor de una historia
plagada de joyas. En esta lista, que no sigue ningún tipo de orden
cronológico ni de preferencia, se encuentran reseñados los que, para
mí, son los diez más representativos y que más pueden ayudar a
entender la música negra por excelencia: el blues. El día de hoy
daré los primeros cinco y mañana concluiremos con la segunda y
última parte de este resumen.

El primero es "Father Of The Delta Blues - The Complete 1965
Session" de Son House, editado por CBS en 1992. Se trata de un disco
doble con tomas alternativas, material inédito y algunas tomas de
estudio. Son House emergió de la mano de John Hammond y grabó este
magnífico conjunto de actuaciones de su material más conocido. En
algunos cortes se encuentra complementado por Alan Wilson, el
malogrado músico de Canned Heat.

El segundo, "The Complete Recordings" de Robert Johnson, editado por
Columbia en 1990. También es un disco doble que contiene toda la
obra grabada y tomas alternativas de la más famosa figura del blues,
una leyenda que dejó como legado canciones que son consideradas, en
su conjunto, la cumbre de la música en sí misma. Adaptadas por
artistas tan diversos como The Rolling Stones, Led Zeppelin, Steve
Miller, Eric Clapton, Vargas o Red House entre otros.

El tercer disco en mi lista es "Muddy Waters NewPort", editado por
MCA-Chess en 1960. Muddy Waters fue el hombre que llevó el blues del
Delta a la gran ciudad. Esta fue su primera grabación en directo,
acompañado por una colosal banda: Otis Span, James Cotton y Pat
Hare. Han pasado más de cuarenta años y este disco sigue siendo una
obra imprescindible e impactante. Entre otras delicias contiene una
desgarradora versión de "Got My Mojo Working" y una apabullante
interpretación de "Hoochie Coochie Man". Un magnífico momento de la
historia del blues preservado en este álbum para la posteridad.

En cuarto lugar tenemos a "The Bessie Smith Collection" editado por
Columbia en 1989. Podemos acudir a ésta o a cualquiera de las
recopilaciones que existen en el mercado de Bessie Smith, quien, sin
duda, fue la mejor intérprete de blues de la historia. Pero quizás
sea ésta la que sirva como mejor introducción para iniciados y
melómanos.

El quinto y último disco por hoy es "Live At The Regal" del Maestro
B.B. King, editado por MCA en 1965. Uno de los clásicos en vivo de
todos los tiempos. En esta grabación, Lucille, su guitarra, toma el
lado salvaje y suena de una manera soberbia ante una entusiasta
audiencia negra. Es una delicia oír a B.B. King tocar en distintas
afinaciones, recreando un sonido que nunca captura en el estudio.
Sin duda un disco obligado para sus fans, los cuales, por cierto, en
nuestros países de habla castellana son muchos.

Informe N° 3 | 25/02/2004
JOHN LEE HOOKER
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Las canciones de John Lee Hooker sirvieron para avivar al rock
blusero de los años 60 del siglo pasado. Fueron elegidas por
rockeros ingleses y estadounidenses, entre los que figuraron The
Rolling Stones, Canned Heat, The Animals y, tiempo después, Z.Z. Top
y George Thorogood & The Destroyers.

Hooker calculó haber grabado más de 100 álbumes y se paseó por todo
tipo de lugares, desde pequeños restaurants a grandes estadios.
Hooker había nacido el 17 de agosto de 1917, cerca de Clarksdale, en
Mississippi. Eran 11 hermanos, nacidos en el seno de una familia de
aparceros en una plantación de algodón.

Su padre era ministro en una Iglesia y es por ello que aprendió
desde muy chico las canciones gospel. Sin embargo, al blues y
al "beat", que él llamaba el "country boggie", lo aprendió de su
padrastro, William Moore. Los bluseros Blind Blaker, Blind Lemon
Jefferson y Charley Patton figuraban entre los visitantes más
asiduos del hogar Moore. Hooker aprendió también de otros músicos de
Mississippi y a través de los discos del fonógrafo. Comenzó a tocar
con cuerdas fabricadas a partir de las tiras del interior de un
neumático clavadas en un bastidor y tiempo después pasó a la
guitarra.

Cuando era un adolescente, se fue de su casa para convertirse en
músico. "Era joven y tenía mucha fuerza", admitió en una entrevista
con David Rotenstein. "Sabía que en Mississippi no llegaría a nada y
me fui de mi casa una noche. Estaba seguro de que iba a alcanzar el
éxito". Hooker llegó hasta Memphis, en donde trabajó como acomodador
en el cine W.C. Handy de la calle Beale. Pudo empaparse de algunos
blues más a través del trabajo con músicos como Robert Nighthawk
antes de seguir viaje más al norte. En Cincinati, hacia fines de los
años 30 del siglo pasado, Hooker cantaba ya con grupos gospel,
incluyendo a los Fairfield Four y a los Big Six y en 1943 se mudó a
Detroit. Allí trabajó en fábricas de acero y automóviles mientras
tocaba en algunos clubes de blues.

Hizo sus primeras grabaciones en 1948, para Sensation Records, y
casi de inmediato fue responsable de varios éxitos, comenzando por
Boogie Chillun, una gira con guitarras por el ghetto de Detroit. Al
poco tiempo comenzó a dedicarse con exclusividad a tocar blues.

El sello discográfico de Hooker, que evadía firmar contratos de
exclusividad, daba en "leasing" sus grabaciones bajo distintos
seudónimos, razón por la cual pueden hallarse trabajos de su autoría
a nombre de Delta John, John Lee Booker, Birmingham Sam and His
Magic Guitar, The Boogie Man y Texas Slim.

A pesar de que Hooker tocaba en los clubes junto con una banda, por
lo general grababa solo y marcaba el ritmo con los pies. Marcó luego
varios éxitos más con su nombre.

Luego, en 1962, publicó "Boom Boom". Para entonces ya se había
pasado a otro sello discográfico, Chess Records, y luego a VeeJay
Records, grabando con bandas enteras.

Hooker fue redescubierto por estudiantes universitarios a principios
de los años 60 del siglo pasado, durante lo que llamamos "el revival
del blues", y adoptó el formato de la guitarra acústica de solista
que tanto gustaba por entonces. Pero los rockeros enseguida quedaron
fascinados con su boogie eléctrico y en los 70, Hooker grabó con
Canned Heat y con Van Morrison.

Su carrera adoptó un nuevo giro en 1989 cuando grabó "The Healer"
junto a músicos invitados como Carlos Santana, Los Lobos y Robert
Cray. Su nueva versión de "I'm In The Mood" a dúo con Bonnie Raitt,
recibió un premio Grammy.

Su poder e influencia dentro del mundo del rock, el rithm & blues,
el jazz y el blues son un legado que, por supuesto, nunca morirá.

Murió hace poco, el 21 de junio de 2001, en su casa de Los Altos,
California, a los 83 años de edad.

Informe N° 2 | 24/02/2004
COUNTRY BLUES:
CLAPTON, JOHNSON Y EL CRUCE
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Eric Clapton
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Cuando se habla de blues, muchos se imaginan a virtuosos
guitarristas como Eric Clapton, quien para los fans es "El Dios",
tocando inspirados solos improvisados sobre una base musical
repetitiva y triste. Por esto se sorprenden cuando se dan cuenta que
este estilo musical tiene un origen absolutamente folklórico, muy
lejos de las guitarras eléctricas distorsionadas.

A veces sonidos tristes y otras felices, el blues rural comenzó a
grabarse lentamente desde 1923 y los músicos negros fueron los
maestros que dibujaron este lenguaje, que más tarde los músicos de
rock echarían mano una y otra vez en busca de inspiración.

Clapton nació el 30 de marzo de 1945 en Ripley, Inglaterra. Comenzó
a tocar la guitarra y reproducir los sonidos de los bluesmen que iba
conociendo, tales como Big Bill Broonzy, Robert Johnson, Muddy
Waters, B.B. King y John Lee Hooker.

Clapton fue líder indiscutible de la banda The Yardbirds, junto a
Jeff Beck y Jimmy Page. Ahora vamos a escuchar a Eric Clapton y Jeff
Beck, interpretando en vivo un clásico del blues…


Robert Johnson
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"Crossroads" tiene una traducción textual, que es "encrucijada". En
realidad, nosotros que hablamos en castellano deberíamos
traducir "crossroads" como "cruce de rutas" o "cruce de caminos",
pues así es cómo hablamos. Hablando con amigos noté que pocos saben
sobre el origen de este asunto del "Cruce de Caminos".

En realidad, se trata de la leyenda más representativa del blues. La
misma cuenta que Robert Johnson, nacido en 1911 en Hazlehurst, en la
zona sur del estado de Mississippi, era un músico mediocre y que
misteriosamente, de la noche a la mañana logró convertirse en el
mejor guitarrista del Delta, cuyos largos dedos demostraron un
conocimiento musical que iba más allá de la edad y la época del
artista.

Se sabe que Johnson, casado en 1930, enviudó al poco tiempo. A
partir de ese momento, comenzó un largo peregrinaje por el
Mississippi. Durante todo ese periplo nada se supo de él. La leyenda
dice que en el cruce de dos caminos, al sonar las campanadas de
medianoche, Robert Johnson le vendió su alma al Diablo a cambio de
su incomparable talento musical.

Por supuesto, no existen pruebas de los vínculos de Robert Johnson
con las artes ocultas de la magia negra. Sin embargo, la mayor parte
de los testigos coinciden en afirmar que sobre el escenario
irradiaba un halo mágico que cautivaba al público. Cantaba con una
dicción levemente apagada, con una voz apasionada, agonizante y
muchas veces afectada, su guitarra era brillante. Los temas
persistentes en sus blues eran la desesperación religiosa y los
demonios interiores. También describían imágenes de degradación y de
desinhibida sexualidad. Un músico creativo y genial.

La gente que viajó y tocó con Robert Johnson dice que podía mantener
una conversación en una habitación llena de gente mientras sonaba la
radio como fondo, sin prestarle aparentemente ninguna atención, y al
otro día tocar, nota por nota, cada una de las canciones que se
habían emitido. Posiblemente, se trata del artista de blues más
influyente de todos los tiempos.

En Texas grabó sus primeros discos, entre 1936 y 1937, en la cual se
pueden percibir la influencia de Son House, Willie Brown, Skip
James, Johnny Temple y Hambone Willie Newbern. Entre sus primeros
títulos, la canción "Terraplene Blues" fue la que tuvo mayor
difusión. Johnson sólo grabó veintinueve canciones en su breve
carrera. Compuso algunas de las canciones más importantes de la
historia del blues, como "Crossroad Blues", "Come On In My Kitchen"
y "Sweet Home Chicago". Dos años más tarde, cuando su virtuosismo y
magnetismo lo habían convertido en el mejor músico de la región,
murió envenenado por un hombre que creía que le estaba haciendo la
corte a su mujer, mientras tocaba en un bar de Greenwood, en el mes
de agosto de 1938. Tenía apenas 27 años. Cincuenta años después de
su muerte, una reedición de todas sus grabaciones fue disco de oro y
consiguió un premio Grammy.

Informe N° 1 | 23/02/2004
EL BLUES
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La historia del blues es la historia de la gente que lo hizo.

Durante los siglos XVII y XVIII, una gran cantidad de africanos
fueron trasladados desde el este de África a los Estados Unidos de
América para trabajar, en régimen de esclavitud, en campos de
algodón, tabaco y maní. Consigo llevaban su folklore, que se
traducía en canciones paganas y religiosas de ritmos regulares en
las que explicaban sus emociones sobre la vida, siempre desde el
hondo sentimiento de tristeza que les produce haber sido
desarraigados de su tierra y convertidos en esclavos contra su
voluntad, o enseñaban, a través de ellas y en "clave secreta", el
camino hacia la libertad para aquellos que se habían fugado de la
opresión de su "amo" y vagaban por los bosques. Estas son las raíces
del blues. "Blues" en inglés significa "tristezas".

Después de la guerra civil, que se produjo entre los años 1861 y
1865 enfrentando al sur "esclavista" con el norte "anti esclavista"
y más desarrollado, y con la victoria de estos últimos —
los "yankees", del norte—, la esclavitud es abolida. Gracias a esto,
quienes antes eran esclavos se incorporan poco a poco al "mundo de
los blancos". Esto implica, entre otras cosas, que aprenden a tocar
los instrumentos de la gente blanca. Surge así la figura del "blues
man", el cantante de blues acompañado de una guitarra.

El primer punto de inflexión importante en la historia del blues, es
el momento en que se comienza a grabar blues. Este momento no
obedece a ningún criterio artístico, sino a estrictos motivos
técnicos.

Hay varios estilos de blues: el country, el clásico, el city ó urban
y el rhythm & blues. A pesar que estos estilos presentan problemas
de duplicación y confusión que hacen que algunos temas se crucen
entre los mismos, son útiles en ayudar a entender las diferencias
básicas de estilo.

El blues no es tan sólo una frase estructurada, sino más bien un
sentimiento e interpretación. Ese sentimiento o "feeling" es creado
en parte por inflexiones del vocalista y técnicas creadas
adicionalmente, como la transposición de cuerdas en la guitarra
o "bending", el vibrato, trémolo, trinos y falsettes en la voz.
Muchas de estas técnicas son usadas por cantantes de otros géneros
musicales, como música popular, jazz y spirituals.